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编辑 | 删除 50部经典电影

1981 发布于:
公民凯恩: 电影史上的里程碑之作,在任何一座褒奖电影成就的凯旋门上都占有显著的位置,电影艺术的“开山之作”,现代电影与传统电影的历史转折点

  《公民凯恩》又名《大国民》,是一部内涵丰富、富于哲理的传记体影片,也是当时年仅25岁的电影大师奥逊·威尔斯自编、自导、自演的成名代表作。影片以一位报业大亨凯恩之死揭开了序幕,并通过他的人生经历和事业的兴衰史,见证了一桩资本主义神话下的复杂真相无论从内容还是形式上,《公民凯恩》在内容和形式上都体现了独特的新颖性,因而被看成是世界电影史上的一次重要实验和创新之作。

  《公民凯恩》的拍摄距今已有60多年,但依然被视做“电影史上十大影片”当之无愧的冠军和头号经典,它在英国权威性杂志《视与听》自1952年起、每隔10年由全球最顶级的导演和影评家参与的“世界电影十大佳作”评选中连续3届荣登榜首,其影响力可见一斑。然而,令人迷惑不解的是, 《公民凯恩》也是一部票房与所获声誉极不相称的影片,在解释这种现象时,资深影评家说: “它并不是那种让人一望而知的情节片,而是一部对生活高度凝炼、对人性和社会的深刻理解以及对心理世界的理性体验的影片,它的意义深邃,需要反复咀嚼,它是一部纯粹的‘电影的诗’!”《公民凯恩》有一种挣脱时间羁绊的不朽性,它在每一个方面都上升到全新的高度,其中某些方面后来被人模仿到泛滥,但有些至今没人敢去突破。追随它的许多电影只是在某个层面或某个点上做了突破,便受到大家的强力追捧,而《公民凯恩》在每一个层面部大大突破了电影艺术原有的表现手法,有些几乎到了“后无来者”的高度。

  ——资深旅美影评家 周黎明

  好莱坞的财政家们(或许还包括世界各地的电影观众)能接受优美的散文,也能接受富于诗意的散文……但在接受纯粹的诗、传说、寓言和神话时,在这里我指的是电影《公民凯恩》时,或许他们会颇感困难。

  ——法国著名导演 弗印索瓦·特吕弗

  奥逊·威尔斯和他的处女作《公民凯恩》是现代电影的奠基石。 无论是谁,只要拥有一部像《公民凯恩》这样的电影,就只能给人一个感觉:高山仰止。这种成就足以让人碑睨天下,傲视群雄。

  因而奥逊·威尔斯应同他的《公民凯恩》一起永垂不朽,他应在任何一座褒奖电影历史功臣的凯旋门额上占有显著的位置。

  ——法国著名电影理论家 安德列·巴赞

  专家们的投票结果犹如一块试金石,它精确地反映了他们对全球电影的看法。在过去的40年里, 《公民凯恩》一直独树一帜,稳居榜首。奥逊·威尔斯简直就是现代电影界的莎士比亚!

  ——《视与听》主编 尼克·詹姆斯

  1940年的一天,在佛罗里达州海滨的仙那度庄园里,76岁的报业巨头查尔斯·福斯特·凯恩病逝了,临死前,他除了喃喃地吐出“玫瑰花蕾”几个字外,没有留下任何遗言。

  各种报纸头版都通栏报道了这位被称为“美国忽必烈”的权势人物的死讯,青年记者汤姆逊对凯恩的临终遗言“玫瑰花蕾”很感兴趣,想知道它的真实含义,并想弄清凯恩到度是一个怎样的人。于是,他决定访问与凯恩接近的人、爱他的人和恨他的人。

  第一个访问对象是凯恩的第二任妻子苏珊,但她断然拒绝接受采访,一声“滚出去”的逐客令将汤姆逊拒之门外。

  在费城的图书馆中,汤姆逊查阅了已故银行家撒野切尔未经披露的回忆录手稿。得知凯恩在小时候,家中因矿产开发而发迹,后被母亲托给了撒切尔。凯恩成年获得财产权后,便自作主张买下第一家报社,出版《问事报》,并公然与撒切尔作对,撒切尔认为凯恩只不过是一个走运的流氓和没有责任感的无耻之徒。

  此后,汤姆逊会见了当年同凯恩合作办报的总经理伯恩斯坦和凯恩的大学好友、后来当上戏剧专栏评论员的里兰,得知了关于凯恩的一些生活片断:他是因创办《问事报》涉足政界而成为风云人物。他曾两度结婚,两度离婚,一次是与总统的侄女爱米成婚,这使他青云直上,但由于这是一次政治联姻,其后可想而知;一次是与女歌星苏珊成婚,曾轰动一时,但这次一蹶不振.在经济大萧条之后,“凯恩帝国”迅速走向衰荣。

  汤姆逊再度访问了苏和恩凯的老管家雷蒙,了解到晚年的成在苏珊出走后,脾气变坏,且深居简出,孑然一身,直到病逝。但当汤姆逊向这些人问起“玫瑰花蕾”时,他们都不知所捕获量,有人人 那或许是一个他爱过的姑娘,或许是他失去的什么东西,甚至有人以成“脑子有些不正常”来搪塞。

  汤姆逊依次访问了5个人,得到个不同的故事,但始终无法解开“玫青白色花蕾”之迹。

  凯恩的珍贵物品将被拍卖,而其他一些杂物则被焚烧,在焚烧物吕时,汤姆逊忽然发现一个带有“玫青白色花蕾”商标的滑雪板被投进炉火,火焰一口口将它吞吐噬,烟囱冒出黑烟……

  奥逊·威尔斯和他的《公民凯恩》

  1938年的一天,几百万美国人在收听现实主义广播剧《世界大战》时,惊人地得各地球已和火星人发生了战争,公众中发生了极大的恐慌。直到第二天,真相才告大白,原来人们都上了这档广播节目的当,用今天的话来说,这档节目实际上是在“做秀”.同时,有关这个广播节目的作者的一切也立即成了各大报纸争相报道的头条,这个人的名字就是——奥逊·威尔斯。

威尔斯自幼就以智慧的早熟引起过一些心理学家的注意,他在20岁时就担任“水星剧院”的戏剧是导演,几年以后,雷电华公司看中了威尔斯的出众才能,同他订立了聘约,同意给他以制片人兼导演的特殊权力。这位年轻的才子在欧洲战争爆发之际到了好莱坞,当他看到那 他支朽的摄影棚时,他高兴地欢呼道:“这是人们能给予一个孩子的最好的机械玩具!”


  威尔斯非常醉心于摄影棚这个“机械玩具”提式给他的可能性。他导演的第一部影片就是《公民凯恩》,它讲述了一个报界巨头的生平经历,但威尔斯由于受文学技巧和他自己的广播剧的影响,在通过几个见证人来叙述故事中常脱离了年代的顺序。同时他还在片中戴盆望天积了一些革新的技术,如明暗对比的摄影、装天花板的布景、长焦距镜头的系统应用、过度的移动摄影和对音响的研究,等等。这些效果大部分脱胎于经典作吕中一些老的式样和手法加以融会贯通而成。强列的造型感、形式上的大胆尝试、色调上的浓厚个性(虽然在风格上带有过多的表丽义色彩),在当时都可以说是超级前卫的。威尔斯从各方面加以披荆斩棘写的,自古巴战争开始到1940年为止的公民凯恩,与其说是一个报界巨头,不如说是一个极端的利已主义运行时。在影片推进中,剧情的发展渐变得扑朔迷离,但主题却越加凸显,那就是在一个物质社会中许多浮士德式的人物为得到整个世界的欲望而出卖自己的灵魂。影片所反映的整个物质世界的状态,是电影史上议论最多的一部影片。以现在的眼光看来,它改变了好莱坞过去传统的影片拍摄模式,并且还持续地影响着电影的发展,称得上是电影史最成功的人品之一,它在艺术上所表现出的力量、勇敢、粗犷、冲击、娱乐性及个人体验均达到了那个时代的巅峰。

  文字与影像这之间

  《公民凯恩》用在1941年显得颇为现代的方式(长镜头、景深镜头、低照度等)讲述了“一个几乎失去了他所拥有的一切的人”故事。凯恩是一个被家庭抛弃到社会上的孩子,一个为了自己传媒事业的发展而不遗余力的中年人,一个获得了巨大的财富,却在政治和爱情上失意而最终在自己帝国般的庄园里孤独地走向人生尽头的老者。临终之前,他吐出了“玫瑰花蕾”的遗言,就是这个谜一般的符号,构成影片的内容。他当年的监护人撒切尔、部下伯恩斯坦和里兰、他的第二个妻子苏珊、他的仆人雷蒙德从自己的理解来阐释这个谜语般的短语,但没有一个人能切中要害。电影对人物性格的麝香画是精确的,并且,在一个报业巨子身上集中表现人性魔方所固有的矛盾,在册恩的人生历程中凝聚着对美国现代化后果的批判_《公民凯恩》完全可以被看做是美国的寓言故事,一个关于个人奋斗理念的叙述体。

  “Moss,moss,moss……”一个简单的单字重复,却道尽了繁华落尽的凄凉。这是“却原来姹紫嫣红开遍,似这般都付与断壁残垣”的寥落,却也是“画檐蛛网,曾为歌舞潮”的人生慨叹。物是人非,坶年的凯恩最终只有终日孤影相吊,任生命走向尽头。到凯恩辞世的时刻,另一番滋味出现了,主观的情绪物化在一个蕴涵生命奥秘的水晶球上,太阳出来了,凯恩却要离去了,但是,谁能说这里没有生命的庄严和光辉呢?

  玫瑰花蕾的秘密

  “玫瑰花蕾。”

  公民册恩临终前跟全世界开了一个玩笑。所有人都相信“玫瑰药蕾”这个字眼背后一定掩埋着一段秘密。为了满足读者的窥视欲,记者汤姆逊走访了凯恩身边的每一位亲友,竭力要拉开一直掩盖着真相的帷幕。

  帷幕拉开了,凯恩的一生在每个人的心灵摆正台上复活。每个人都那么苍老、疲惫,为生活奋斗挣扎了那么一大圈,最后都是空的。看到册恩飘雪的童年,他的奋斗,他开创出崭新的报纸风格,结婚,生子,享受成功和财富。他野心勃勃,却在政治上猛栽了一个跟斗;两次婚姻都很失败,一个人就那么颓败了,像豪华的仙拿度庄园一样地颓败了。汤姆逊在不断的访谈中获得了有关凯恩的众多不同角度、不同视点的零散叙述和故事,但过于主观和情绪化的对象和观点,任凭如何努力还是不能戴盆望天砌成一个对册恩的整体印象,甚至连原先对他的一鳞半爪的认知也趋向模糊。

  凯恩,一个奋斗了一生的人,从他垂死的嘴唇中,轻轻说出来的那个字眼,像是来不及开放的花朵,仍然紧裹着自己的秘密。

  究竟什么是玫瑰花蕾?

  是一个女孩的名字?是初恋的定情信物?一件得不到的东西?还是一段无法抹去的记忆?

  当最终汤姆逊得出结论“什么也不是”之后,我们看到,在烈焰熊熊的壁炉中,册恩童年时的滑雪板被扔了进去。火焰舔掉了滑雪板上的戏年积尘,渐渐地露出了这4个字:“玫瑰花蕾。”

  影片的叙事方式很生气勃勃别,表面看地来似乎奥逊·威尔斯在故弄玄虚、欲盖弥彰,而实际上,这是他通过艺术手法客观地反映现实世界和真实坎坷一生的报业大亨的客观评 价! 奥逊·威尔斯除了对当时尔虞我诈的疯狂世界和事实进行无揭露外,对物欲社会中被广为推崇的非白即黑理论、刻意对名人美化修饰的虚伪和武断也表达出自己的不满和唾弃,并对人们盲目崇拜、缺乏审视观点为的勇气等现象在一定程度上也进行了“玫瑰花蕾”原来仅仅是册恩少年时用过的一块滑雪板!奥逊·威尔斯超人的洞察力和尖锐的批判精神跃然欲出。

星球大战

一部具有开拓性意义的科幻影片,开创了崭新的电影天地科技因素与精神力量并重,追寻自由和民主的胜利20世纪最为重要的文化事件一科幻片《星球大战》曾在全世界引起过极大的轰动,影片中现代尖端科技的运用对未来世界做了神奇的展示,片中的科技效果达到了一个前所未有的高度,其制作过程有不少至今仍是不解之谜。甚至有传言说,是外星人帮助导演卢卡斯完成了这部影片。这种说法虽然有
哗众取宠之嫌,但影片的制作水问候语无疑是超前的,它极大地半路上击了人们原有的技术观念产,对人们,尤其是青少年起到了重要的启发作用,以“影响了整整一代人”来评价这部影片是丝毫也不为过的。

  《星球大战》被誉为科幻电影史上最为经典的作品之一,它的最突出之处并不在于特技的神入化、情节的新奇热闹或故事的曲折离奇,而在于其对玄学或运行时说是宗教的透乇理解和表达。影片中对“力”的描述无疑是带有东方的神秘色彩的,在高科技的背,导演却把精神力量推到了最高的位置,这是影片观念站的一大变革,或许也可以算是西方人对物质世界的发展所做的某种反思。

  《星球大战》一向被全球影迷视为科幻电影的经典之作。我们曾广邀读者投票,选出他们心目中最伟大的50部电影作品,结果由乔治·卢卡斯执导的《星球大战》三部曲全部入围,其中第1集《星球大战》(《新的希望》)及续集《帝国反击战》更包办了冠亚军宝座,可见人们对》星战《系列的认同和热爱。

  ——英国权威电影杂志《Empire》

  《星球大战》是一部伟大的影片,它带给人们的影响力是无与伦比的,它给了人们多的时间上的想象。我要承认,我的许多部科幻片都是受了它的影响。

  ——史帝芬·斯皮尔伯格

  《星球大战》是一部关于太空的神话史诗,充满了强烈的英雄冒险主义色彩,它满足了我们平凡人生中无法体验的视觉高潮,孕育着正义、和平、自由、飞翔这些梦想,包含着每一个平凡的个体穿越时空的虔诚守望。从这个意义上来说,卢卡斯是一个忠实于自己梦想的导演,他让电影成为一种世俗的信仰,一扇释放梦想的窗口。

  ——记者 连秋慧

  《星球大战》不仅仅是一部电影,它更是美国文化的象征。美国人的政治、经济意图以及所谓的美国精神是部电影立身的基础与灵魂。

  ——著名影评人 于瑞

  银河系有一个古老的共和国,它的广袤无垠和悠久永恒远非时间和距离所能衡量。在参议院的英明治理和杰迪武士们的保卫下,工和国一度十分兴旺发达。然而,野心勃勃的参议员巴尔拜延窃取了政权,改制称帝国,帝国的总督和其他官吏们又用阴谋欺诈的手段消灭了星系里的正义卫士——杰迪武士,着手在星系内被暴力慑服的星球中建立起恐怖统治。为了巩固自己的统治,总督们建立起了一个威力无比的终极武器统治。为了巩固自己的统治,总督们建立起了一个威力无比的终极武器基地——“死星”,用来镇压反抗者。为了使人们免受暴政之苦,奥尔德兰行星的丽亚公主准备联系其他行星的人们共同起义,她窃取了死星的构造蓝图,准备送给反抗军做分析,以便找出死星的弱点,不料秘密泄露,公主在沙漠行星附近被帝国军俘虏了。

  公主的机器人伙伴R2和C3P0来到了沙漠行星,在青年卢克的帮助下,他们找到了杰迪族的老武士克诺比,向他求助。而卢克为了给被帝国军杀害的亲人报仇,也决心和克诺比一起行动。

  卢克和克诺比一起搭乘梭罗船长的飞船来到了已被死星毁灭的奥尔德兰星球所在的星域,却被死星上的帝国军所俘虏。在机器人的帮助下,卢克等人和死星上的黑勋爵展开了殊死的较量。

  他们终于用巧计救出了丽亚公主,但克诺比却在与黑勋爵的光剑决斗中不幸牺性了。卢克保护着丽亚公主来到了反抗军的基地,并参加了反抗军对死星的攻击。在克诺比所教给他的“力”的帮助下,卢克终于击中了死星的弱点,摧毁了死星。反搞军取得了巨大的胜利。

  好莱坞超级技匠:乔治·卢卡斯

  远在1997年,远在现在的年轻影迷还处在幼儿时代的时候,在美国有一位电影人通过他的电影给我们展示了一种相当绚烂、迷人的未来世界景象,也许他所描绘的未来我们永远无法达到,但这足以使我们将目光聚焦到能使世界迅速发展的科学技术,从这一意义上来说,这位电影人对世界的贡献就无可限量——这就是乔治·斯和他的电影《星球大战》系列。

  1977年的《星球大战》是全球影迷的至爱,影片讲述了杰迪武士的后代帮助共和国成员之一的丽亚公主押运脱帝国总督的追击,帮助击溃杀人武器死星,并最终加入到反抗军行列的故事。撇开令人眼花缭乱的特技制作不谈,影评界对该片始终有两种评价。一方认为:该片华丽的外表掩饰不了主题的陈旧,就像是古罗马时代的宫延争斗片,卢克代表农民价级,黑勋爵代表邪恶的国是由或大主教,丽亚公主代表善良的宫延贵族,克诺比代表帮助反抗力量的圆桌武士。于是整个故事就变成农夫小伙子在圆桌武士的帮助下击败邪亚的大主教,帮助善良贵族登上王位的故事。具有象征意义的是,杰迪武士并没有使用激光枪等有代表性的未来武器,而是使用光剑这种复古的武器。
而另一方的意见认为,《星球大战》向欠产展示了在未来科技的高度发展中,人类社会的政治、人文以及发展等却并没有质的变化,贪婪、势利、恐惧、争权夺利等种种人性的弱点都依然存在。同时影片安排正义的化身杰迪武士依靠光剑和“力”来解决问题,表明了影片编导对高科技的不信任,主张人类的问题还是应该由人类自身来解决的观点。

  卢卡斯写小说很有想像力,但他更高明的绝技是能够把自己的想像力变成真实的画现呈
现给观众,正因为这样,他才成了好莱坞排行榜上最具影响力的大师之一。

  从特技制作的技术上来看,乔治·卢卡斯是整个好莱坞的先包身契,这也就是我们将他称为“超级技匠”的原因。除了《星球大战》系列影片和20多年前的《夺宝奇兵》外,乔治·卢卡斯并没有太多的作品流传于世,他埋头于他的特技世界而乐此不疲。而我们也愿意看到在史蒂芬·斯皮尔伯格、詹姆斯·卡梅隆等这此蓍名导演背后始终有乔治·卢卡斯来做他们的坚强后盾。我想全球的影迷都希望如此。

  《星球大战》与美国文化

  《星球大战》不仅仅是一部电影,它更是美国文化的象征。“美国的文化是构成美国全球性力量的一部分”(前美国总统国家安全事务顾问兹比格·由热津斯基语),英国人麦克雷则在其蓍名的《2000年的世界》一书中更进一步指出:“美国的优势和大国之尊,既不表现在天然资源的丰富,也不表现在经浏规模的强大,甚至也不表现在政治影响的广泛,美国强权最为隐秘而且最具杀伤力的表现在于文化上的扩张和渗透能力。”

  《星球大战》就是一部集美国文化的扩张和渗透能力之大全的电影。在它当中集中使用了最先进的高科技电脑及数字制作手段,创造了一个前所未有的太空世界,它对宇中各种星系、文明、生物的描述,它所创造的各种奇形怪状的外星人与航天器,它所表现的波澜壮阔的太空场景和星球大战场面,确实超出常人所思,非一般科学技术所能表现,不能不说是一种梦幻般的视觉奇观。

  但是,我们还必须看到,《星球大战》是一部贴鲜明的美国标签的电影,美国人的政治、经济意图以及所谓的美国精神是这部电影立身的基础与灵魂。《星球大战》对太空秩序的描绘,对崇尚武力解决争端的崇拜,对美国英雄式的太空武士维护“太空正义”的极度渲染,其实就是美国的现实地球上推行霸权外交,搞强权政治,用武力解决问题和干涉他国内政的生动写照,当然,这一切是在“正义”的前提下进行的,这一“正义”是典型的美国式的正义。

  但综鸽看来,《星球大战》仍是一部表现了人类智慧和科技进步的电影。《星球大战》的成功,在于它十分擅长运用最先进的科学技术,在于它非常会讲故事,在于它有相当开阔的文化视野,在于它超常的想像与创新能力,在于它有丰富的情感。

悲情城市

当代台湾社会的灰色寓言

  以同情的观点捕捉都会里的浮世风景,浸淫着曾被埋没有悸动和痛楚

  以丰盛天悯人的基调展现着一部最完整的台湾史


  侯孝贤是当今台弯影坛最重要的人物之一,他的影片一惯与台湾的历史与传统文化密不可分,着力为台湾人的生活.历史及心境塑像。《悲情城市》被看做是他最为成功的一部绝作和最为成熟的一部台湾史。

  《悲情城市》被看做是他最为成功的一部绝作和最为成熟的一部台湾史。

  《悲情城市》以顾名思义的字面意义解释,重在表达一种氛围和情绪。在这座城市里,各色各样的人在演绎着属于自己的那一角色,这一切像极我们所必然依附的人文环境社会、历史和时代,人物牢牢地嵌在越来越压抑的空间里做戏,艰难又坚韧,说不出来的可悲和可敬。

  《悲情城市》一共出现了6种语言:台语、粤语、国语、日语、上海话、客家话。这些五花八门的语言,各种腔调混杂着、交织着、冲突着、辉映着,勾勒出那个年代小岛特有的一种人文风貌。看上去荒诞不经,可一闪眼,便显出了悲剧性和严肃。

  《悲情城市》的创作灵感最早是来自一首名为《港都夜雨》的歌曲里的萨克斯风节奏,“当时心中很有感触,想把台湾歌艳情、浪漫,带点士流氓和日本味,又充满血气方刚的味道拍出来。”

  《悲情城市》是伐大树倒,令你看到断面,却又不是让你数年轮以明其大,只是使你触摸这断面的质感,以悟其根系绵延,风霜雨雪,皆有影响,不免伤残,又皆渡得过,滋生新鲜。

  (《悲情城市》)是以“自然法则”出入,是以知识分子展现为现象,舞述“自然法则底下人们的活动”。由此反观回去,孝贤的电影美学其实一向如此……

  ——蓍名作家 阿城

  《悲情城市》借着台湾“二·二八事件”前后,将一个地方大家族的兴衰事迹挥洒成一部时代转换与个人命运紧紧相扣的台湾史诗。全片在多线叙事、众多人物关系的网脉中,不带乖张暴戾地诉说着历史。

  ——《中国青年报》

  我真的敬佩侯孝贤的影片自《悲情城市》起凸显的历史厚重,因为他使人看一遍就是一胸襟的味道。侯孝贤书写着自己的影像片的台湾史 ,而我们则是看过之后便有了一种更关乎自己的悲情。

  ——影评人 Cinekino

  看完《悲情城市》,哭是哭不出的……悲情城市,城市悲情,一幅幅万马齐暗的画面历历在目。那是“忍看朋辈成新鬼……月光如水照缁衣”的悲恻,那是“风萧萧兮易水寒,壮士一去兮不复还”的悲壮,那是“山河破碎风飘絮,身世浮沉雨打萍”的悲忧……

  ——网友 鲜衣怒马

  1945年,台湾。和为战败国的日本宣布无条件投降,台湾自此结束了“日据时期”。在台湾基隆有一户姓林的人家,林家的日据时期经营着一间名为“小上海”的酒楼,现在又重新开了张。

  林家有兄弟4人,老父亲林阿禄年事已高,由老大林文雄当家,他因妻子只生了一个女儿,于是又娶了一个太太,终于生了一个儿子,为此合家欢乐;老二文森本来开诊所,战争期间被征到上海给日本人征到菲律宾当医生,至今生死未卜;老三文良曾被征到上海给日本人当翻译,战败后以汉奸罪遭通缉,现在在小镇上经营一家照相馆,与进步人士兼挚友吴宽荣同往,并和他刚来不久的妹妹宽美成为了好朋友。

  病愈出院的文良遇见了旧相识“上海佬”,走上黑道,卷入“盗印日钞”、“私贩毒品”等活动。文雄得知后出面制止,文良于是同黑道分道扬镳。不料上海佬因为文良的退出而恼羞成怒,勾结政府,于是官匪一家,用检肃汉奸罪犯条例陷林家兄弟二人。结果文良被捕,在狱中饱受折磨,出狱后变成了白痴般的废人。

  一次, 文雄在赌场里 道人相遇,双方发生了争执,文雄的手下阿嘉为了保护他而被砍,文雄在替史弟报仇时被黑道人物开枪打死。至此,能撑起这个家的只剩下又聋又哑的老四文清一人。

  台湾当局宣布查缉私烟,引发了“二·二八”事件,吴宽容为营救被捕志士日夜忙碌。不久,台湾行政长官陈仪施“缓兵之计,逮捕大量进步人士;蒋介石调动军队实行戒严,滥杀无辜。宽美护送哥哥回到四脚亭老家避难,文清也身陷囹圄,在监狱中,他经历了同狱友的生离死别,对人生有了深一层的体层。

  文清被释放出狱后,开始从事革命活动。宽荣在山里成立了抗政府组织,并将妹妹宽美托付给了文清。两个人举行了婚礼,不久,宽美生了一个儿子,取名为阿谦,两个人以为日子就会这样过去。

  当阿谦稍大一点的时候,由于叛徒的告密,山里的基地被剿,宽容等人被打死。他的同志给文清来个信,并嘱咐他们尽快快逃走。危急时刻。宽美决定与文清共生死,他们终于没走。3天后,文清也被捕了。家里只剩下宽美和咿呀学语的阿谦,悲剧还在继续……

  政治神话·历史记述·声音意象

  从侯孝贤一连串的作品中,我们能很清楚地看到他的努力记录台湾某个阶段、某个状况下的生活层面,这种记述的企图到了《悲情城市》则更加明确。1945年到1949年的台湾历史对台湾的未来有决定性的影响。侯考贤这次溯源时间长河,直追台湾40年来政治神话结构之症结。《悲情城市》意在述说台湾自日本政治/文化统治下,如何全面转为中国国民党史的天下,而这个结构又和台湾历史上一直频换统治者(葡萄牙、西班牙、满清)的复杂传承隐急呼应。
换句话说,“二·二八事件”只是本片的背景,真正的议题应该是台湾“身份认同”这个问题。一个频换统治者的地区,本来就会在政治、文化、社会,甚至民族层布,产生若干认同的危机及矛盾。

  《悲情城市》自始至终即盯紧统治者黑心换替代的过程,以苍凉的笔调和多重叙述的观点,追索国民党的全面得胜——新的政治挂钩势力兴起,旧的村落势力消退,知识分子对祖
国(中国)的憧憬和浪漫理想,也逐褪色为破碎的理念和绝望、压抑的梦魇。在结构上,侯孝贤对这种殖民转化的过程采取了多重叙事策略,剧情、对白、音乐、视觉、象征上,处处阐释国民党之替代日本的过程,并且暗含反讽及宿命腔调。打电影一开始,“光明”、“祖国”、“再生”,便借着台湾光复、妇人生产、停电复电做多重象征交错,构织成一片新生命的乐观、理想、欢庆的气息。天皇的投降广播,光明来时生下的孩子,拥抱祖国的店名“小上海”(具有讽刺意味的是,林家后来受到上海人最大的迫害),新找到的工作,对未来的憧憬(宽美在山上的旁白:“想到日后能够每天看到这么美的景色,心里有一种幸福的感觉。”)……凡此种种,都赋予了台湾的再生(重回祖国)一片美丽光明的庆贺和期待。而这种光明、浪漫的节庆气氛,不久就被纷至沓来的死亡和伤痛农一破坏,及至片尾堕入悲情的昏暗空间,小上海酒家内的空镜头,昏黑幽暗的室内尖,浓艳五彩的镶嵌玻璃。一种压抑、狭窄、不开展的感觉,对此了电影开首的光亮、自由与浪漫。

  一个家庭在统治者替换的过程中,牺牲了两个兄弟的生命(文雄被上海人枪杀,文森生死未卜)、一个兄弟的良知(文良被国民党打成白痴)。剩下来的老弱妇孺,将忍气吞声的苟活下去。在如此的结构体制下,《悲情城市》甚少显出片面主观的单向思想,复杂的意义经常回荡在大陆/台湾/日本的意象中。举例来说,虽然家中二哥文森被日本人征兵战死于南洋,虽然国籍及政治的变化使日本台湾成为对立,但是就人与人的关系而言,影片仍是超国籍及政治的。

  在对历史的叙述中,影片的态度一直是宽容的,因为即使在欢庆台湾人脱离日本人的统治的同时,侯孝贤仍未牺牲日本,在这里,对人复杂面的了解取代了对日单面的谴贵。

  历史门廊中喑哑的安魂曲

  侯孝贤的《悲情城市》如果不是他最好的作品,那最低限度也该是他最为复杂的一部作品。其企图心之庞大而内蕴,其历史视野宽宏而细致,在台湾数十年的电影史中,似无出其右。

  《悲情城市》的复杂性是多面的,首先当为其史诗式的素材,一整连段连绵的历史创痕在电影章节式的叙事架构中娓娓道来。侯孝贤的处理客观中渗透着同情,审慎的态度从不掩盖其清晰的观点,他在《童年往事》中悔罪的个人主题,如今已挥洒成一份时代黑心换时对牺牲者无奈的安魂曲调,其喑哑的弦歌中,那份不可换回的沮丧和锥心刺骨的悔意。换言之,《悲情城市》不啻为侯孝贤创作系列中一个极关键性的突破。过去自传式、童稚或惨烈少年的深邃悲愁与怀乡情韵,已经飞越了内向的世界,明显地外化为更复杂的历史与个人命运的沉思,过去隐约的时代感已经鲜明地跃动在每一寸胶卷之上。尤为难得的是,侯孝贤贯乇全片蕴藉的细致笔触,没有半点控诉的乖张狂暴,却在脉脉间教人神魂震荡。

  事实上,《悲情城市》的复杂性与其说展现在其史诗素材上,更不如说是全片在场面度、多线叙事方式、众多人物关系的网络之中寻求到一种形式的配合。以往侯孝贤电影中重视空间的整体感在这部作品里,竟演变得相当复杂,门廊、窗棂仿佛是历史的框子,不断框限分划着剧中的每一段人性悲剧,而多场室内戏的前、中、后景,经常出现了侯氏过往作品中少见的昨杂变化。一个地方大家族的衰徽事迹,当豪情壮志的歌声仍在空中飘荡,却不经意在流光转换间,无声地凋零成历史的隐痛。知识分子也好,帮派老大也好,在片中都各自闪露着尊严与生命力,这是侯孝贤影片一贯的人性化的体现,只不过在《悲情城市》里,却流露喜新厌旧更为强大的动力和戏剧性。在侯孝贤作品系列中那种谈化低压的处理,似乎已抑压不住那时代的悲情,有着更多人性化的表现时刻此起彼落地,烙印于那位无法言语的叙事者的历史见证里。

  无疑,《悲情城市》或许很容易让人想起《教父》,同样是帮派家族的兴衰故事,同样结合着庞大的历史主题,不一样的是侯孝贤更多着墨于那种逝者如斯的悲剧情感。在面对历史问题的虔敬与关怀里,《悲情城市》已把片中的史诗格调推向更成熟、更让人低徊的新风格。因而,侯孝贤无疑已成就了一份史家笔触,在客观与写实的时刻里,最是关情。

狮子王

动物界中的《哈姆雷特》,一部控究生中爱、责任与学习的温馨作品

  历史上最受欢迎的英语影片

  迪斯尼公司的风巅峰之作


  《狮子王》是迪斯尼公司的第32部动画片,于1994年6月16日公映,赢得了全世界的关注和青睐,取得了史无前从事贸易的成功和辉煌,在很长一段时间内,它都是电影史上惟一进入票房排名前10名的卡通片,成为迪斯尼历史上最成功的动画电影。

  《狮子五》最早的名字是《丛林之王》,影片描述的是非洲大草原的动物王国的生活,实际上它的主题超越任何文化和国界,具有深刻的内涵——生命的轮回、万物的盛衰,一切都必须依照自然规律。

  和大多数由神话和名著改编的迪斯尼动画电影不同,虽然《狮子王》的身上有大文豪莎士比亚的名著《哈姆雷特》的影子,但它仍被看成是一部原创性的电影,因而获得了众多的喝采。《狮子王》的热浪席卷了世界各地,被配置成27种不同语言,在46个国家和地区都受到观众的热烈欢迎,并赢得了世界上数以百万观众的心。值得一提的是,它在儿童和成年人中孵化出了流行音乐——《今夜你是否能感受我的爱》、《生命轮回》,因而恒久不衰,成为百老汇流行的音乐片。

  《狮子王》是迪斯尼录制了4年而成的震撼巨片,是一部探究有关生命中爱、责任与学习的温馨作品。它的电影音乐洋溢着浓厚的世界乐风,成功地营造出了片中非洲大地自然友邻浑的生命气势。进入《狮子王》里,它向我们展示了一个新生的壮阔世界,让我们体验到爱与冒险的生命感动。

  ——《纽约时报》

  在好莱坞历史上,动画片总是能创造出奇迹。《狮子王》以音画的完美交融、人性化的叙事方式传递了生命链和进化的原理,因而使得这部影片高了几个档次。

  ——知识论坛

  《狮子王》以绚丽的色彩、动人的音乐、夸张的形态、幽默机智的语言和人性化的动作,使辛巴、娜娜、穆法沙、西满、彭彭与刀疤、鬣狗之间的故事赢得了无数不同国度儿童的喜爱。而本片史诗般的宏大场面和意味深长的人性的演绎又引起成年人有关生死轮回、智慧传递等终极问题的哲理思考。

  ——沙向明

  当太阳从水平线上升起时,非洲大草原苏醒了,万兽群集,荣耀欢呼,共同庆贺狮王穆法沙和王后沙拉碧产下的小王子辛巴的诞生。

  充满智慧的老狒狒 ——巫师拉法奇为小辛巴兴起行了洗礼,他捧起一把细沙撒在小辛巴头上,向着狮子王国的出生仇恨不已民,他认为如果不是辛巴,自己将会继承王位,因此在他心中埋下了罪恶的种子。

  时光飞逝,辛巴已经长成健康、聪明的小狮子了,可他的叔叔刀疤却一刻也没有放弃对他的嫉恨。一次,在刀疤的引诱下,辛巴和好朋友娜娜去国界外的大象墓地探险,3只受刀疤指使的鬣狗开始围攻辛巴,辛巴和娜娜害怕极了。在这危急的时刻,狮王穆法沙突然出现了,他怒吼一声,吓得鬣狗们拔苗助长腿就逃。辛巴和娜娜得救了。

  刀疤对辛巴被救十分恼怒,他阴险地决定杀掉穆法沙,他向鬣狗们许诺等除掉穆法沙和辛巴、自己当上国王后,就让他们顺理成章地进入狮子王国。

  几天以后,刀疤又引诱辛巴到了一个山谷,然后指使鬣狗们追击角马。大批角马朝辛巴狂奔过来,穆法沙又及时赶到,救出辛巴,可自已却被弟弟刀疤推下了山谷。

  洪水般的角马群冲过去了,辛巴在死寂的山谷里发现了一动不动的父亲。他心里悲痛而内疚,以为是自己害死了父亲。别有用心的刀疤极力怂恿辛巴逃走,同时又命令鬣狗们杀死他。辛巴在荆棘丛的掩护下逃脱了,鬣狗们向着辛巴逃远的背影尖叫道:“永远别再回来,回来就杀死你!”从此,刀登上了王位,并把鬣狗们引入了狮子王国。

  辛巴一路没命地奔逃,直到再也跑不动了,昏倒在地上。两位好心的朋友——机智聪明的猫鼬丁满和心地善良的野猪彭彭救了他。

  丁满和彭彭教导辛巴要无忧无虑,不想过去,不想未来,也没有责任,只要为今天而活就可以了。日子一天天过去了,辛巴成长为一头英俊的雄狮。

  一次偶然之间,辛巴和儿时的伙伴娜娜相遇了。娜娜告诉,自从刀疤当上国王后,大家就处在水深火热之中,她要辛马回到狮子王国,可是辛巴没有答应。巫是由拉法奇也找到辛巴,在他的劝说和父亲神灵的教导下,辛巴 定回狮子王国拯救子民。

  辛巴愤怒地向着刀疤挑战:“我回来啦,你选择吧,要么退位,要么接受挑战!”狡猾的刀疤并不想投降,他不断以辛巴害死父亲为借口责骂辛巴,好拖延时间。辛巴心中弃着内疚了愤,一不小心从岩石上滑了下去,以为辛巴必死无疑的刀疤告诉了他是自己杀了穆法沙的事实。愤怒之中,辛巴产生了无穷的力量,他奋力跃起,将刀疤一下打倒在地,并将这个卑鄙的叔叔赶下了国王崖,刀疤成了鬣狗们的一顿美餐。这时,大雨倾盆而下,好像在滋润干涸已久的土地。辛巴在母亲和朋友们的欢呼与祝福声中,正式宣布执掌政权。

  迪斯尼公司的奇迹

  近年来,美国动画片的发展日新月异,为世界动画市场带来了缕缕新鲜的气息,创造了一个又一个的票房奇迹。而说到美国动画的发展的史,则不能不提到富于想像力和创造精神的美国动画片大师——沃尔特·伊利亚斯·迪斯尼。被为“梦幻王国之父”的迪斯尼靠卡通起家,他将卡通由通俗文化提升到艺术的层次,实行雅俗共赏,于是他以他那独特的图形智慧和形象思维带给全世界人民的不仅仅是一个迪斯尼公司,更是一个崭新的动画神话的开端。32座奥斯卡奖,7座葛莱美奖,950项全球范围的奖项一举奠定了他为人类的动画事业所做的贡献。自1937年美国第一部长篇动画电影《白雪公主》获得巨大成功以后,迪斯尼公司使美国动画达到了一个前所未有的新高潮,据说该片公映以后的轰动程度甚至可与美国的经典电影《辞世佳人》相媲美。
迪斯尼于1966年与世长辞,在以后很长一段时间里,迪斯尼动画一直在剧情化模式中徘徊,渐渐地走向了冷调时斯。20世纪90年代,美国动画在电脑技术的帮助之下,重新焕发出了昔日的光彩。

  1994年是美国动画史上具有历史性意义的一年。迪斯尼公司取材于英国著名戏剧家莎士比亚名作《哈姆雷特》的《狮子王》横空出世,影片堪称绝世佳作,被誉为迪斯尼公司不朽
的巅峰作品。

  影片的帮事背景被设在了生命力旺盛的非洲草原,围绕着一只生来就注定要成为万兽之王的小狮子辛巴的成长历程,对于辛巴与父亲间纯属男人式的情感、整个家族间的身心 力与归属感进行了精彩的刻画,但影片并非只着眼于这些软性的诉求方面,对于权力斗争、罪恶感与生命中应承担起之责任等硬性的主题同样做了完美的诠释。爱、成长、生命、自我救赎这类有深远意义的感性主题,在色彩鲜艳耀眼的非洲缀锦上,如同金线般斯发出亮丽的光彩。

  《狮子王》的成功并非偶然,优美的音乐、动人的故事情节、流畅的画面、深刻的主题,这一切都在狂热地席卷着全球票房。尤其值得一提的是,迪斯尼公司专门请来了世界顶级音乐制作人艾尔顿·约翰和著名的配乐大是由汉斯·季默为《狮子王》量身配乐,将广阔的非洲音域同迪斯尼动画因素完美地结合在了一起,终于创造出这不朽的动画奇迹。《狮子王》上映的时候,几乎达到万人空巷的地步,其轰动程度令其他电影公司望洋兴叹,它给动画世界带珲的效应为以后的美国动画留下了深远的影响。

  《哈姆雷特》:犹豫不决的悲剧

  《狮子王》一直被称为是“动物界的《哈姆雷特》”,它除了复仇的主题外,也反映亲情、友情的主题,很多人认为,它吸引人们的真正原因就是其间所散发着的时代气息。

  《哈姆雷特》是英国戏剧大师是莎士比亚在创作中期的杰作,在他的中期作品中,最著名的就是四大悲剧《哈轩生气勃勃》、《奥赛罗》、《李尔王》、与《马克白》。古典主义时代最深刻的人性论,在莎士比亚这四大悲剧的产生,实肇因于某些性格缺陷没有被处理,它们不煌因袭累积自身,最终自然导政出灾难性的后果。这种人性观在《哈姆雷特》中表露无遗。莎士比亚透过哈姆雷特的品说:“某种品行、脾气、习惯、缺点……冲破约束发展到反常……这少量的邪亚足以勾销全部高贵的品质,害得人声名狼藉。”

  在《哈姆雷特》里,莎士比亚处理的性格缺是过于道德完美主义而出现的优柔寡断和犹疑不决——这性格在太平盛世无可厚非,但当周围出现很多伪善阴毒的小人时,若仍坚持着道德的完美、导政过多的自我批判质疑并缺乏的决断力,会转而让自己、甚至是无辜的其他人陷入万动不复的险境。

  哈姆雷特早就疑惑父亲突然的死亡、母亲快速改嫁给叔叔、叔叔继承统治大权的过程,他为此郁闷不乐。然后他遇见父亲的鬼魂,父亲告诉他,他面临的邪恶有多大。然而在这样险恶的环境中,哈姆雷特竟然在行动上犹疑不决。“唉,我真是一个蠢才,我亲爱的父亲被人谋杀了,鬼神都在鞭策我复仇,我却只会空言发牢骚,以为这样就是了不得的复仇了……”话才说完,他却开始黑心而自我批判质疑了:“万一我所看见的幽灵只是魔鬼的化身,藉着一个美好的形状出现,看准我的柔弱和忧郁,向我作祟,引我进入沉沦……”另一次,他陈述自己的心情:“是默默忍耐毒箭高贵?还是反抗不公平的苦难高贵?”他徘徊于行动边缘,迟迟不做决定。“惧怕不可知的死后……伟大的行动在这种考虑下也会逆流而退……”哈姆雷特衷心期望自己的复仇行动是能满足高贵、道德的要求,经得起死后的审判。因而他一再错失机会,而他的叔叔对于害死哈姆雷特用计之毒、行动之快,他根本不是对手。等叔叔终于被刺死时,哈姆雷特却赔上了爱人奥菲丽娅、义人雷欧提斯与他自己的性命。生存还是死亡,在他那里真正成了一个问题。
勇敢的心

一部悲壮的、融合血泪传奇的史诗巨片

  苏格兰人民的追求自由之路

  在刀光剑影的残酷争战中,缠绵着荡气回肠的铁血以柔情


  《勇敢的心》又名《情世未了缘》,它以13-14世纪英格兰的宫廷政治为背景,以战争为核心,讲述了苏格兰起义领袖威廉·华莱士与英格兰统治者不屈不挠斗争的故事。本片是由好莱坞著名影人梅尔·吉布森自编、自导、自演的,影片在为人们展开一幅气势恢宏、动人心魄、催人泪下的历史画卷的同时,也让人们看到了一个创造电影奇迹的英雄。

  《勇敢的心》一直被视为一部悲壮的、融合血泪传奇的史诗片,在影片中,人们常常为苏格兰那丝手帕延的山脉、凄婉的风笛和苏格兰人民在贫困痛苦中发出的凄厉呼号所感动,也为华莱士一往无前的精神所鼓舞。威廉·华莱士的精神就如同一面旗帜,指引着苏格兰人民争取到了最后的自由。他最喜欢的一首诗也流传至今——

  告诉你,我的孩子,/在你一生中,有许多事值得争取,/但,自由无疑是最重要的。/永远不要带着脚镣,过妈隶的生活。

  700年前的一位英雄,700年后的一部电影,激励着自人类有思想以来,每一位为了自由而战的英雄以及凡人。

  《勇敢的心》是一部充满了激情、政治、浪漫、道德的古装史诗巨片,对任何一个导演来说都是一个空前的挑战和考验。吉布森表现出了非凡的能力,成功地推出了这样一部具有深刻民族主义和政治内涵的影片,他当之无愧被称为世界巨星。

  ——美国《人物》杂志

  《勇敢的心》不愧为一部优秀的电影,看过的人都这么说,认为它是从小到大看过的最好的、最有人情味的爱国主义影片。影片一改正义者总是胜利和一贯定律,在结尾处是一个悲剧,一声催人泪下但又振奋人心的“自由”给整个影片画上了个圆满的句号。尽管斗争没有胜利,但斗争还在继续,华莱士的死已经判定了这场战役的胜负。

  ——影评 柳五

  1995年的影坛几乎完全被《勇敢的心》所占领,梅尔·吉布森成为该年度的最大赢家。《勇敢的心》一兴起夺得了奥斯卡最佳影片、最佳导演等5项大奖,并席卷全球,所向披靡。在当今影坛娱乐片盛兴,技术电影一味追求消遗、刺激和高票房的同时,《勇敢的心》大胆创新,起用了沉重压抑、忧郁愤闷的历史题材,将公元13世纪的苏格兰人民大起义这一重大历史事件搬上银幕,以宏伟壮阔的气势为影片赢得了史诗巨片的称号。不仅让人们感受到了真实的生活和历史,同时也为古装历史片赢得了更大的市场

  ——佚名

  威廉·华莱士于1272年生于艾尔德斯莱,父亲是苏格兰贵族詹姆斯·斯特沃特的佃农,叔叔是教区的神父。

  当时的苏格兰王约翰·巴里奥尔横征暴敛,很失民心,全国各地都有暴动事件发生。巴里奥尔眼看大势已去,于是向英王爱德华一世求助,将君权双手奉送。爱德华一世接管苏格兰后,以残暴高压的手段控治局势,制造了数起大屠杀。苏格兰人不但要忍受高额的赋税,还要受到人格上的侮辱——每当新娘出嫁时,初夜权属于英格兰总督,这些暴政更加激起了人民的反抗,贵族、农民们纷纷拿起武器,与英国人作战。

  华莱士的父亲组织了一个秘密抵抗组织,他带领手下人奋勇征战,打击英格兰侵略者。可是没过多久,父亲就被英国人处死了,华莱士也被叔叔带走了,告别了这个令人悲伤和恐怖的家乡。从此,华莱士被叔叔抚养成人,叔叔不但教给他很多知识,还教他学习武术。

  光阴似箭,20年后,华莱士长成了一个英俊的青年,他回到家乡,又一次见到了故乡那如诗如画的山水和童年的伙伴。他与邻家的女孩缪伦相爱了,在雨天的高原上,他们俩骑在一匹马上漫步,所有的一切都是那么美好。终于在一个晚上,他们秘密结婚了,华莱士希望同妻子从此过上安定和谐的生活。

  可是上天却不成全他们,英格兰人的暴行从未停止过,他们仍然到处肆虐,危害人民。在英军的一次袭击中,缪伦被一名英国军官看中,欲行非礼,她奋力反抗,却被残忍的英军当众割断了喉咙。

  国仇家恨使华莱士终于爆发了,他孤身一人闯进英军驻地,杀死了多名英军。在广大村民高呼“英雄”的呼喊声中,他们揭竿而起,杀英兵宣布起义。华莱士屡战屡胜,威名日盛,引来众多人民加入义军。

  苏格兰贵族罗伯特想成为苏格兰领主,在其父布斯的教唆下,他假意与华莱士联盟。华莱士打败了前来进攻的英军,苏格兰贵族议会封他为爵士,任命他为苏格护国公。然而华莱士却发现这些苏格兰贵族考虑的只是自己的利益,丝毫不为人民和国家前途担心。

  英王爱德华为了缓和局势,派儿媳伊莎贝拉前去和谈。但由于爱德华根本不考虑人民的自由和平等,只想以收买华莱士为条件,和谈失败了。伊莎贝贝拉回去后才发觉和谈根本就是幌子,爱德华想汇合爱尔兰军和英军共同包围华莱士的苏格兰军队。于是,她赶紧送信给华莱士。大军压境之下,贵族们慌作一团,华莱士领兵出战,混战一场,短兵相接中,他意外发现了罗伯特竟与英王勾结,不禁备受打击。伊莎贝拉为华莱士的豪情倾倒,来到驻地向他倾吐了自己的真情,两人陶醉在爱情的幸福之中
英王再次提出和谈。华莱士明知是圈套,但为了和平着想,他依旧每件事应前去。在爱丁堡,布斯设计抓住华莱士,并把他送交英王,罗伯特对父亲的诡计怒不可遏。

  华莱士终于被判处死刑,伊莎贝拉求情不成,在英王临死前,她告诉英王她怀的不是王子的血脉,而这个孩子不久将成为新的英王。


  华莱士刑前高呼“自由”震撼了所有人。几星期后,罗伯特高呼“为华莱士报仇”的口号,英勇地继承了华莱士的遗志对抗英军。苏格兰人民最终取得了民族的独立。

  自由的挽歌

  《勇敢的心》整部影片都萦绕在压迫与自由中间,自由理所当然地成为了影片深刻的主题。但是在讨论自由之前,让我们先看几件事。历史上的爱德华一世是一位铁腕君主,他为英格兰掠夺了大量的土地和财富,他更杰出的贡献是完善了英格兰的法律,并且发展了议会制度,提高了君主。在英格兰人的史书中,他们对威廉·华莱士曾经下令屠杀战俘以及城中很多无辜百姓。虽然我们不能以偏概全,但这仍然让人迷惑,威廉·华莱士时代的自由似乎距离现代社会很远。

  相对于一个奴隶,自由的含义仅仅限于不受他人的限制,自己有权决定自己的所作所为。就这个意义来讲,威廉·华莱士追求的是一种自我控制的权利,这种权利在现在看来是人类最基本的生存条件之一,但很可惜的是他在这个过程中,仅仅在这个过程中便失去了生命。罗伯特继承了华莱士的遗志领导人民,赢得了苏格兰的独立,但在壁垒森严的中世纪,他又是否真正让人民获得了真正的自由呢?答案当然是否定的。

  在西方世界,从中世纪到现代社会,可以说是自由的胜利。自由经济取代了庄园经济,个人自由为契约式的国家理论所维护,所有的一切都是由于自由主义成为西方社会的基本哲学所导政的。这种自由是一种权利,而这种权利的来源归根结底是来自政府的维护。然而在西方社会,这种权利直到美国《独立宣言》才第一次正式地得到承认。所以我们不能跨越时代来奢望在《勇敢的心》中体会到真正自由的含义。

  在现代西方哲学理论中,少部分的自由主义者仅仅把自由看做是对欲望没有束缚和限制,反抗则是不自由或是强制,这也可以称做是一种消极的自由。虽然在一个非民主的社会里人民也可以享受高度的消极自由,但是这种自由主义哲学的主体论断。从这方面看来,《勇敢的心》中自由的概念就要原始许多了。

  丝毫没有底毁影片的意图,因为我们实在没有理由苛求电影去跨越时代追求属于现实中的自由。相反我们还要惊叹于《勇敢的心》能够带给我们如此深刻的心灵震撼,而这种震撼更多的还是来自它对自由的呐喊,最后的“Freedom”完全是一种对旧制度的宣战和对新生的渴望。追求自由与否尽管距离我们十分遥远,但是我们还是能够为一部电影去愤怒和落泪。毕竟真正的自由来自我们的内心。

  他的精神如同旗帜

  威廉·华莱士被砍头之后,他的身体被切成好几块。他的头颅被挂在伦敦塔桥上,官方鼓励过往的人来嘲笑这个曾经带给英格兰人极大恐惧的人。他的四肢则被送到大不列颠的4个角落,警告一些想叛变的人。

  但是即使英王爱德华一世这样做,还是吓不倒苏格兰人。华莱士舍生取义的故事传遍了整个苏格兰,他临死前所表现的勇气更令他的同胞引以为荣。他的死在苏格兰人的胸中燃起了一把熊熊的烈火。他们都投效在剩下的惟一能领导苏格兰的人——罗伯特·布鲁斯旗下。

  罗伯特接收了华莱士剩余的军队,并且宣称他要向英格兰人求和,这令许多苏格兰人迷惑不解。在臣服仪式上,许多 和华莱士并肩作战的战士,以及一些苏格兰的贵族都在场。

  罗伯特在山头望向英格兰的将领们、他们的旗帜,以及他们的军队。然后他往后看了看自己的部队,他看到他的战士们,他审视着士兵们的用人不当庞。

  一个苏格兰贵族骑着马靠近他,神情有点耐烦。“来吧!”他说道,“我们的典礼可以开始了。”

  罗伯特将手帕小心地放入他的胸甲里,然后转向站在山头上的苏格兰高地人。他深深地吸一口气,喊道:“你们曾经和华莱士一起流血!”他抽出长剑来,“现在,请你们跟我一起流血吧!”

  苏格兰高地人振奋了,他们发出了震天动地的叫喊声:“华——莱士! 华——莱士! 华——莱士!”声音淹没了整个山谷。他们呐喊着,不顾一切地向吓呆了英格兰人冲去……

  公元1314年,又饥又饿,人数又少的苏格兰军队在白纳克班的原野上攻击了英格兰的军队。他们打得如诗一般地美,他们为自己赢得了最终的自由和胜利。

花样年华

无法抗拒而又绮丽无比的东方之美

  一个有关人生的命题、一段互为交织的爱情

  一种紧张、神秘、情欲的调子,一场若乐参半的梦


  他和她是两个生活在社会中产阶层而思想处于边缘的人,因为不经意地发现彼此的配偶有了不寻常的关系,‘于是两个同病相伶的人就有了愁绪,有了伤感,有了共同的为惆张所填斥的光阴。

  “渴望一个笑容,期待一阵春风,你就刚刚好经过。突然眼神交错, 目光炽热闪烁,狂乱越难掌握。

  “我像是着了魔,你欣然承受,别奢望闪躲,怕是谁的背”影,叫人难受。” ‘

  于是,很多事情不知不觉就来了。他们开始一点一点地,身不由己地,各怀心事地靠近……一切本来都可以顺理成章,足以走到边缘,甚至可能曾经越过极限,但这和越过极限的放纵,然后在极限的另一头迅速坠落,然后伤感的人生并不一样。他们始终不敢也不肯逾越严密的社会道德规范,欲爱不能、欲说还休,他们之间始终隔着一段距离,这距离不大,但足够让细如涓流的情感侧着身子飞逝。

  在爱情的尽头,在“发乎情而止乎礼”的道德约束下,日子在花样年华中过去,他们最终迎来的,是永久的分离。

  王家卫的悲情新片《花样年华》含蓄而隐晦,片中没有一幕真正的性的场景表现,也没有一次真正的高潮。但王家卫创造了一种紧张、神秘、情欲的调子,把它尽可能地拉伸,并戛然而止,可以说,这部影片是一场“苦乐参半”的梦。

  ——《时代》周刊

  《花样年华》这部影片,我认为它主要表达的是一种观念,一种感觉,尤其是感觉,本来这是一种很难讲清的东西,可是他的故事成功地再现了这种感觉,只要认真去体会,就能有所领会。

  就片子本身来讲,故事可能是很淡的,但是这种感觉通过影像、通过剪接,把都市人物的心理刻画得极为到位。可以说,在今天,大陆还没有人能拍出这么好的影片。

  ——张艺谋

  《花样年华》显示了一种文化旅游的魅力。片中那样内敛和怀旧的叙事方式,可能是西方人想破脑袋也想不出来的。故事在时空的碎片中展开,苦涩的记忆,落寞的情杯,如一种细细的痛,透彻人的心骨,怎能不让生活在眼花缭乱的快餐式爱情中的西方人觉得新奇,要忍不住在内心长吁短叹呢?

  ——清华大学传播系影视沙龙

  故事发生在1962年的香港,报馆编辑周慕云与妻子租住了一间位于上海人聚居地的公寓,邂逅了一名与丈夫刚搬进来的美丽少妇苏丽珍。周慕云的妻子常常不在家,周平时除了忙于应付稿约就是和好友一起流连于声色场所。苏丽珍的丈夫常常要到日本出公差,苏在一间出口公司当秘书,闲来看看电影、操持家务。两个家庭的日子过得波澜不惊。周和苏因为常与房东在一块儿打麻将而相识,他们常常一起聊聊天,逛逛街。没过多久,他们就发现彼此配偶的行为有些怪异:她看见了他有一条与自己先生一样的领带;他发现她有一个与自己太太一样的皮包,而且这些都是在香港买不到的。他们终于明白各自的配偶间有了不同寻常的关系。

  于是,两个受伤的人开始接近,周慕云在酒店里包了个房间写武侠小说,苏丽珍常常去照顾他,他们情投意合,互相爱慕。到了最后,周慕云发现自己已深陷在情感的漩涡之中……

  虽然许多事情在不知不觉中发生,但在严密的社会德规范面前,他们没有越过一步。苏丽珍的丈夫要回来了,周慕云决定要走了。他给苏丽珍打电话,问她是否能与自己同行,电话那边苏的沉默让他心灰意冷,他一个人去了新加坡。当苏赶到酒店时已经人去楼空了。

  多年后周慕云回到了在香港曾经住过的房子,可是房子已经换了新的主人。他不知道苏丽珍也曾经回来过这里,也去新加坡找过他。两个人就这样遗憾地错过。最后,这段真诚、纯洁而又无奈的感情并没有转化成为一场轰轰烈烈的爱,它始终是含蓄的、中国式的。斯人已去,物是人非,只留下周慕云一个人对着洞口,诉说着自己灼人的秘密。

  秘密

  如果一个秘密封存在树洞中便可以得到解脱,那么世上便多了一棵行走的树。如果一段往事留在古老的庙堂中就能够轮回到他处,那么每颗心便成为一座殿堂。

  《花样年华》总是带有一种沉迷、绵长的调子,它用一种悠远的语调讲述着一场古典而纯粹的爱情,蕴含着神秘和逃避色彩。

  当周慕云和苏丽珍发现彼此的配偶有了外遇之后,他们都以为这秘密只有自己知道。于是他们小心翼翼地试探对方到底知不知道,在他们得知对方都有所察觉之后,很是吃惊,继而是愤怒,继而是伤心,继而……在一种淡淡的感伤情绪的支配下,他们开始了一段奇特的感情游戏。

  秘密沉淀在他们的心底,可它是以怎样令人惊异的力量潜伏着,又催生出克制的浪漫?他们想方设法地躲避闲言碎语,他们想保住自己的妻子和他人的丈夫,以及自己和他人的一些秘密。在交往中,她寂寞的芳心无处躲藏地被他看到了。他曾期待过,身体向她靠近过,认认真真地伤心过。无处遁逃时,他问好朋友阿炳:“我问你,从前有一些人,如果心里有了秘密,但又不想让别人知道,你知不知道他们会怎么做?”
阿炳回答:“我怎么知道?”

  他说:“他们会跑到山上找一棵树,在树上挖上一个洞,把秘密全说进去,再用泥巴把洞封上,那秘密就会永远留在那棵树里,没有人会知道。”

  那个时代已经过去,属于那个时代的一切都不存在了。花样年华过后,他是空虚的,她
也是空虚的,只有那棵树从此不再空虚,因为在它的心里,已经装下了一个人一生一世的秘密。

  被禁锢的灵魂

  那是一种难堪的相对。她一直羞低着头,给他一个接近的机会。

  他没有勇气接近。她掉转身,走了。

  《花样年华》就像一则曼妙的都市情感寓言。它呈现给我们一个主题:人们曾经端庄过,也曾经狂野过。但接下来会怎样?是放纵?还是隐忍?

  当得知彼此的配偶有了不同寻常的关系之后,周慕云和苏丽珍的接触多了,他们彼此关心,就像两个备感寒冷的人为获取温暖一样渐渐地贴近。然而我们不难发现,两位潜藏在幕后的真正的偷情者,虽没有正面出现,却始终是一副依性而为胜利者的姿态。而两位自诩心地无私、襟怀坦荡的主人公倒像是心怀鬼胎、藏头露尾,没来由地惶惶.他们的交往中总带着些许怯懦与尴尬,每次他俩去寻找对方,站在门外总是一种略具道德谴责意味的第三者姿态,在酒店中相会,是与非的界限如此模糊,两人已是一副彻头彻尾的“偷情者”模样。

  见不着时,越来越想c那些背着人偷来的、幽室相守的时光,是多么和照而平静。那些久候不至的苦等,明知是她却听不见声音的电话,又是多么地炽热和辛烈。一个是内敛、沉默、隐忍并且英俊的男人;一个是精致、自尊、优雅并且无奈的女人。他们想极力挣扎,可是却不小心越陷越深。

  在轮转的岁月里,每个人都在被迫接受命运不依不饶恩赐的祸与福,每个人又都在浑然不觉,抑或心甘情愿地重蹈他人的恩和怨。他们想打破生活的现有状态,最后又想让生活回到最初状态,有一些冲动,有一些缠绵,最后都要归到一些追思,一些纪念。

  他终于决定走了。劳燕天涯后,仍禁不住要问: “如果有多一张船票,你会不会跟我走?”

  她在房中低泣,对着无人的电话问: “如果有多一张船票,你会不会带我走?”

  其实他们都很矛盾,一边是隐忍,一边是探就。也许感情就是这样,有时想要,有时想逃。那一句话总是让人刻骨铭心——如果有多一张船票你会不会跟(带)我走?这是一个人最勇敢的时候,让另一个人伴随一生,这承诺,需要多大的勇气!只是他和她并没有听到。在某一个树洞旁,他把嘴凑上去,说出一生一世的秘密。

  直到最后,银幕上那段半是启迪半是伤感的文字仍让人动心——

  那些消逝了的岁月,仿佛隔着一块积着灰尘的玻璃,看得到,抓不着。

  他一直在怀念着过去的一切。如果他能冲破那块积着灰尘的玻璃,他会走回早已消逝的岁月。

泰坦尼克号

电影史上第一昂贵的电影

  沉没之船上永不沉没的爱情绝唱

  一部人类应时时审视自己劣根性的警世箴言


  一则包融信念、勇气、牺牲和爱的不朽传奇

  在评价自己的这部影片时,导演詹姆斯·卡梅隆说: “1912年4月10日,工业技术已经给人们带来了将近20年的连续不断的奇迹。人们开始对这没有止境的进步想当然,有什么能比泰坦尼克号——人类有史以来建造的最大的、最豪华的可以移动的物体来更好地代表人类对自然的征服呢?但是,4天半之后,整个世界改变了——这艘‘梦之船’

  的处女航以不可理喻的噩梦般的结果而告终。人类的独特的劣根性:傲

  慢、自满和在非常状态中表现出来的贪婪就这样永远地摧毁了人类拥有

  不可战胜力量的信念。

  “我拍这部电影的目的不单在于表现这艘声名狼藉的船的戏剧性的毁灭,而且在于展示她的短暂的、灿烂辉煌的一生,捕获泰坦尼克号和她的乘客及全体工作人员的美、活力、希望和信心,以及在揭示人类黑暗面的过程中,颂扬人类精神的无限潜力。泰坦尼克号不只是一个警告性的故事——一个关于人类的不幸的神话、寓言和隐喻,它还是一个关于信念、勇气、牺牲和爱情的故事。”

  今天我们来谈《泰坦尼克号》不仅是因为它是一部成功的商业电 影,更重要的是它带动了世纪末的一股怀旧的风潮:泰坦尼克号的沉没 是20世纪初的一场悲剧,影片却以真实的史实加上虚构的爱情故事将 泰坦尼号启航不到5天中的爱情、友情和灾难呈现在世纪末的这一代人 面前,它告诉了我们一个真理:我们要珍惜生命。

  ——香港著名主持人 吴小莉

  我们都需要具有强烈的情感、能够横扫一切卑琐情境的鸿篇巨制, 需要能激励精神生长的英雄主义重现江湖。在这一点上,《泰坦尼克 号》帮了大家的忙。

  ——《纽约时报》

  《泰坦尼克号》不仅是一部电影,还是一个现象,它带给大家的一 个感受就是,它完成了大家在现实中无法实现的一个梦。尤其是其中的 爱情故事,是现实中难以完成的,需要死亡考验的.可生死相随的爱 情。

  ——专业影评人 徐永耀

  一则电视新闻“寻宝探险家布克为了寻找1912年沉没的泰坦尼克号,从沉船上订 捞起一幅保存完好的一位年轻女子佩戴着一条钻石项链的画像”引起了一位百岁老妇的 注意。老妇人激动不已,随即来到布克的船上。原来她名叫露丝,就是画像上的女子。 看着画像,往事一幕幕浮现在她眼前——

  1912年4月10日,被称为“世界工业史上的奇迹”的“泰坦尼克号”从英国的南安普顿出发驶住美国纽约,开始了它在大西洋上的处女航。

  码头上人山人海,人们争相目睹人类有史以来最大、最豪华的船。露丝,一位漂亮 的贵族小姐与她的母亲及未婚夫、钢铁大王之子卡尔一起登上了头等舱。与此同时,年轻的画家杰克通过与人赌博,幸运地得到了三等舱的船票,他和伙伴飞一般地跑到码 头,跳上甲板,登上了泰坦尼克号,他们高声欢呼着,仿佛是大海的主人。

  露丝是一个外表遵循规矩,而内心有着强烈的反叛意识的女孩,她早已厌倦了贵族 们的无聊生活。在甲板上,杰克看到了露丝,被她深深吸引。

  露丝对未来的婚姻生活感到万分无奈,她的内心如波涛一般地汹涌澎湃。当她试图 跳人大海时恰巧被杰克发现,他救了她,两人由此相识。露丝向杰克吐露着心声:“我觉得这一生不外如此,像活了一辈子似的,又像是站在悬崖边上,没人 拉我回来,没人关心,甚至无人理会。”

  杰克耐心地开导着露丝,带她去三等舱中跳舞,甚至教她如何吐出 又远又直的唾沫,在杰克乐观精神的开导下,露丝找回了失去已久的快乐。

  露丝的未婚夫卡尔发现了杰克和露丝的来往,他送给露丝一条价值连城的项链“海洋之心”,试图挽回同露丝的爱情c然而这—‘切都无法打动露丝的心,因为她已经深深地爱上了杰克。在卧室中,露丝戴上了“海洋之心”,由杰克画下了那张令她永生难忘的画像。露丝决定上岸后与杰克一起生活,幸福似乎已掌握在两人手中。

  然而由于泰坦尼克号撞上了冰山,船身右侧破裂了,尽管它号称 “永不沉没”,人们却能感受到它在一点一点地下沉,可这时杰克却被 卡尔栽赃陷害,被关在下层船舱里。

  露丝回到空无一人的船舱里找到杰克,在紧要关头找来斧子救出了 他。他们来到甲板上,露丝在杰克的劝说下上了救生艇,然而在登上救 生艇的最后一刻,露丝改变了主意,她重新跳回到泰坦尼克号上,决定 与杰克生死与共。

  杰克拉着露丝跑到船尾,爬上栏杆,直到泰坦尼克号沉没。两人落 人海中,杰克将露丝推上一块木板,自己则泡在冰冷的海水中。他鼓励 着露丝,要她答应好好地活下去,而他自己的身体却越来越冷,最终缓 缓沉人大海……

  救援船救起了露丝,杰克却被冰海永远地吞没。84年后,露丝又来到泰坦尼克号沉没的地方,将“海洋之心”抛人海中,以告杰克的在天之灵……

“泰坦尼克号”的沉没——史上最大的船难

  1912年4月10日凌晨2点20分,重达46.5万吨、被称为当时全世界最大最安全的豪华游轮“泰坦尼克号”在它的处女航中,在加拿大东岸纽芬兰附近的海面上撞上巨大的冰山而沉没。当时船上载有2223名乘客,不幸的是只有700多名乘客逃过这一历史上最大的船难,以下是关于“泰坦尼克号”的沉船始末。


  撞上冰山

  “泰坦尼克号”的右舷与冰山相撞了,尽管数吨冰块山崩似地落在前甲板上,但船只轻轻地抖了抖,然后继续向前滑行,几分钟后才停下来。史密斯船长得知了这个坏消息后,立即同设计师安德鲁迅速检查了被撞坏的部位。结果令他们的心情非常沉重.安德鲁估计1小时、最多1个半小时后船就要沉了。

  电讯员布里德决定试一试正准备使用的新求救讯号sos,就这样, “泰坦尼克号”成了世界上第一艘发SOS求救讯号的船。

  疏散乘客

  船上共有2200多人,按说至少有一半人可以乘救生船脱险。但大多数乘客并未意识到危险。零时30分左右,史密斯下令放救生船,命令妇女和儿童先上,但很多人都不愿上救生船,他们不相信“泰坦尼克号”这么一个庞然大物会沉。第一条救生船零时45分就放下去了,但能坐65个人的救生船只上了28人。

  零时55分,6号救生船也开始下了。一支支升空的求救信号慢慢地使人们意识到“泰坦尼克号”真的遇上大麻烦了。人们开始涌向甲板,由于有“妇女儿童先下”的规定,甲板上出现了许多动人的情景:丈夫吻别妻子和孩子,帮助他们上救生船。许多妻子与丈夫依依惜别,有的甚至拒绝上船。

  最后时刻

  1时30分,船斜得厉害了,乘客开始惊慌起来c 14号救生船放下去时,一些乘客冲过去就往船上跳。五副乔治怕发生意外,拔枪开了两枪,才镇住失去理智的乘客。

  在电讯室里,两个电讯员仍坚守岗位,他们每隔10分钟就往公司发回一份电报。1 时35分,电报是这样写的: “机舱进水了”;1时45分:“淹到锅炉了”!

  2时05分,救生船已没有了,但沉船上仍有1500多人。二副赖托勒放下一只橡皮船,命令船员们用枪把船围住,只让妇女和小孩上船,又载走了44人。当所有的船都

  走了以后,“泰坦尼克号”上出现了一片奇怪的宁静。大家不再惊慌,数百人静静地站在甲板上。这时,史密斯船长出现了, “现在,自己救自己吧/他对所有的人员说。

  2时18分,船完全沉没,四周一片黑暗,只有此起彼伏的哭叫声、求救声在夜色中响起。据目击者回忆,船沉人海底的那一刹那间, —条巨大的水校直冲天空。(林 雨)

  爱情神话的复活

  在通览《泰坦尼克号》之后,我们不难发现,影片打动人心的原因是电影中的男女主角杰克与露丝的生死爱情,在这里,爱成为人们魂牵梦萦的最终主题。

  可以说,当“泰坦尼克号”以艺术的方式重返大西洋的时候,使它浮出海面的力量中有雄厚的资本,更有感人的爱情。爱情使时光倒流;使“泰坦尼克号”复活,使杰克和露丝置身“泰坦尼克号”的船头迎着大西洋的海风飞翔。

  《泰坦尼克号》是个神话,而杰克和露丝的爱情则是神话中的神话。看过影片的人们开始渴望或寻找这种神话的力量,一种使人类的这一半和另一半紧密相连的精神动力。

  当《泰坦尼克号》进入我们平常的生活空间时,我们的心得以在一个瞬间有了猛烈跳动的力量。也许我们无法挽留太多的记亿,也许我们无法指望全盘的拯救,但至少在这样的瞬间,我们抓住了一样东西,这就是爱情。在大的历史被解构之后,能抓住小的爱情,就应该算是收获,因为它同样能给我们灵感,能使我们的日常生活闪闪生辉。

  人类置身在后现代的冲击之中,然而又宁愿相信爱情的神话。这就提出了一个问题,一切都逃不过解构主义的手术刀,然而,一旦遭遇爱情这个在人类心中隆起的硬块时,解构者们会不会有些左右为难,他们会不会在想,解构行为抵达了一个边界,或者说,在后现代主义的长时间的冲击之后,这些被瓦解了又被拼接起来的爱情神话,是否就是后现代主义终结的一个信号?
燃情岁月

充满着温情和阳刚之气的经典之作

  恍如隔世的成人童话

  记录西部风光的伟大史诗


  富有创新求变的“独立电影”精神

  广袤粗犷的原始荒野、浑然天成的宏伟乐章、真挚无畏的勇敢执 着,这一切共同演绎了一段激动人心的“燃情岁月”。它是凄美、哀婉 的爱情悲剧,是波澜壮阔的美国西部画卷,更是一个自然之子的传奇。

  众多电影人凭着对电影的热爱和投入,为日渐式微的西部电影另辟

  路径,树立了光辉的典范。 《燃情岁月》以博大的胸怀、精深的意境与高超的技法,谱写出一曲人性化的完美史诗。它没有金戈铁马却有超然气魄,没有刀枪不入但有血有肉,没有肝胆义气更有情真意切!它所表现的精神境界能引发世界性的共鸣与普遍认同,是难得的弘扬世间真情、天人合一的优秀作品。

  在配乐大师詹姆斯·霍纳精心打造的乐曲声中,主要人物的旁白缓 缓推动着情节,加上摄影师天马行空般的手法以及布拉德·皮特商标般 的不羁眼神,整部片于像极了一部优美的抒情散文,我们的思绪也仿佛 在刹那间飘进了美国西部山区,全身心地和影片里的人物一起狂奔。

  这是一部经典的唯美派电影,我痴迷于爱尔兰音乐,我喜爱那种忧

  郁凄凉的气氛,这种形式不会因时间而显得褪色、变质。我同其他作曲家不同的是,我不是把作曲当做工作.而是当成艺术。所以,在《燃情岁月》中,我赋予了它最具表现力的声音。

  ——好莱坞最富盛名的配乐夫师 詹姆斯‘霍纳

  当我们讨论这部电影的时候,我们想起了家族的负担因心灵的深沉与爱意像水一样能够载舟亦能覆舟,兄弟之情因为权利的斗争而支离破碎;另外,我们想到了人与土地之间的关系;总之,我力图展现所有我在阅读小说时的经验和感受。

  ——本片导演 爱德华·兹维克

  我一直认为我所扮演过的大多数角色都能找到更合适的人选来演,惟独崔斯汀这个角色,我知道我是最佳人选。从我第一次看到剧本时就知道,我了解他的行为,他的心态,我的挑战是如何让观众也能认同我对他的看法。

  ——本片男主角 布拉德·皮特

  退伍的上校威廉带着全家来到美国蒙大拿的西部荒原,在一处偏僻的山区开垦牧场c上校的妻子因为无法忍受艰苦的环境而抛夫弃子回到了东部,上校带着3个儿子同印第安人“一刺”一家成为邻居,在农场上过着平静、样和的田园生活。

  三兄弟自由自在地成长,他们手足情深但性格迥异:大哥艾弗雷德为人忠厚,办事认真,三弟塞缪尔是位理想主义者,很受父亲的宠爱;而老二崔斯汀则是一位狂放不羁的人,他桀骜不驯,喜欢与印第安人交往.并从他们那里学到了许多东西。父子4人在一个纯男性的世界里过着淡泊的生活。

  然而,当塞缪尔大学毕业后把未婚妻苏珊带回家里时,平静的生活被打破厂。艾弗雷德暗恋上了苏珊,而崔斯汀非凡的气质却又订动了苏珊的心。4个年轻人在痛苦地压抑着各自的情感:就在此时,第一次世界大战爆发了。三兄弟不顾父亲的劝阻.远渡重洋,奔赴欧洲作战。在战争中,尽管崔斯汀竭尽全力地保护弱小的弟弟,但是塞缪尔还是被战争夺去了生命,为此崔斯汀一直无法原谅自己。

  战争结束了,艾弗雷德回到农场。他跛了一条腿,但也因此得到了嘉奖。当崔斯汀回到农场时,他与苏珊之间的爱情爆发了,失落的艾弗雷德离开农场独自进了城。农场的生活尽管又恢复了平静,但是弟弟死亡的阴影始终让崔斯汀无法面对他所深爱的苏珊,他再一次离家出走,从此杏无音讯。几年后当他再回来农场,发现一切全改变了,父亲中了风.农场衰败。艾弗雷德进入了政界,在苦苦等待中的苏珊心灰意冷,嫁给了艾弗雷德。

  崔斯汀娶了一刺的女儿——从小就暗恋自己的“伊丽莎白二世”,并有了儿子,想过平静的生活,一切似乎就要这样平静地结束了,然而在一次进城返回的途中, “伊丽莎白二世”不幸被人误杀,再一次燃起了崔斯汀心中躁动的烈火。他将所有的一切置之度外,终于在父亲和大哥艾弗雷德的帮助下报了仇。

  仍然爱着崔斯汀的苏珊无法面对自己的感情,在绝望中饮弹自尽。艾弗雷德把妻子的遗体送回了农场,他与崔斯汀和父亲之间取得了相互的谅解,一家人重新又团结在一起。在经过这一切之后,历尽沧桑的崔斯汀把父亲和孩子托付给艾弗雷德,从此浪迹天涯,直到生命的结束。

  不肯安歇的灵魂

  草原上有一条宽阔的河流,经年累月地在那里静静流淌,但是没有

  人看见平静水面下的激流暗涌。也许有一种人,他们的一生注定是颠沛流离的一生。这一切是因为他们的身体里沸腾不止的血液,是因为不肯安歇的灵魂,是因为将生命本质里最真实的想法付诸实践的勇气。片中,印第安老人一‘刺有一句话: “我知道,这个世界有些人是能够听得到自己心里的声音的。”崔斯汀就是这样一个幸运的人。

  这是一个在军人和猎人教育下长大的青年,他秉承了父亲威廉上校 和印第安智者一刺的卓越性格。他从小就曾切下一只大狗熊的脚趾,在那场与狗熊的搏杀中,他的血与熊的血溶在一起,从此,一种伟大征服欲左右着他的一切。

  崔斯汀生性狂野,我行我素,想尽办法挑战自己,也挑战社会,在他的身上,蕴涵了那种随时随地可能爆发的力量,那是征服自然的力量,服自我的力量。这种力量贯穿了主人公的一生,当岁月流逝,斯人远去之际,终于完成了最初的谶语与最终的主题。


  崔斯汀也是纯真的,他那不带任何目的真情流露,让我们明白外表放纵的他实际上拥有一颗未受污染的心,内心不受污染因此无所员绊。他有那如天一样纯净的心灵,如火一样灼热的情感,所以他才能无所顾忌地爱上了弟弟的未婚妻苏珊,所以他才为人们所热爱和祟拜。如果你爱那天、那地、那旷野,爱那无拘无束的自然,那么你就一定会

  爱崔斯汀,因为他就像这天地、这旷野、这自然,近乎赤诚而又粗犷,具有顽强的生命力与让人悍服的强大力量。像风,没有固定的形状;像雨,无私无畏地投向大地;像火,从不顾忌烧伤自己。

  崔斯汀还是孤独的,《燃情岁月》中的孤独是另一种极端的表达方式。这部电影从 一开始就把孤独注进了画面,崔斯汀那孤独的眼神,孤独的拥抱,孤独的身影,孤独的激情,以及——他孤独地离开亲人,孤独地走向死亡。

  影片最后,像上帝的使者一样容智的一刺为崔斯汀的一生做了总结:“疼爱他的人均英年早逝,他是石头,他和他们对冲,不管他多希望去保护他们。他死于1963年9月,秋天,月圆之时,他最后路面的地方是在北方,那儿仍有许多待捕猎的动物。他的墓并没有记号,但没有关系,反正他常活在边缘之地,在今生和来世之间。”(佚 名)

  错过它是你的遗憾

  《燃情岁月》向我们叙述了一个凄美动人的爱情故事,从康面上看,它似乎是一部充满罗曼蒂克、多愁善感似的老式言情片,然而,深入其内部,我们才了解到它几乎完全摒弃了给人以保守陈腐、平庸媚俗之感的好莱坞类型化的模式,它透过一户移民家庭和几乎被赶尽杀绝的印第安民族“贤者”的眼光,观察了美国近1个世纪的当代史,对社会、政治、经济、民族政策、文化、婚姻、爱情,几乎涵盖了当代社会方方面面的主流意识,影片都进行了锋藏不露的抨击。

  在人性的刻画上.影片进行了精心的雕琢,在爱情与亲情、理智与欲念的矛盾斗争中,几个年轻人受着痛苦的折磨,他们显得那样无谓和无奈,在某种情形下,他们更像在汹涌的海水中瑟瑟发抖的小船一样,陷入人性的洪流中无助地打着转。

  在影片的调色板上,色调是如此丰足,令人心旷神怡的自然美景,巨细不遗的细节描写,丰富细腻的感情色彩,亲情、情欲、受难、和解、怨恨、死亡、眼泪……多情的人事与物事,如梦如烟如诗如画,爱过了恨过了想念过了,到底意气难平,只留下了万种情思,满怀幽怨。一幅时代的风俗画中,几个命运多舛的有情人,且吟且思民歌且叹。

  影片的音乐也是独特而富有张力的,配乐大师詹姆斯“霍纳在片中运用了日本洞萧这种音色古老、深邃苍茫的乐器,来塑造主角“传说” 般不可捉摸、狂野悲愤却又浑然天成的形象,时而狂放不羁,时而飘忽 不定,时而呐喊悲呜*时而沉吟低语,可以说这是霍纳此类手法最令人 印象深刻的一次表现。全片的音乐出现的各个主题,从恬静淡雅到悲愤 感慨,旋律上无不精雕细琢,唯美动人,交织出一篇又一篇悠然神往、 扣人心弦的乐章,赋予了本片传神的诠释。

  史诗般的情节,醉人的音乐,精彩的演出及富有表现力的摄影在此片中完美融合,铸就出了永恒的经典。

  看完这部影片,你是否得到了什么启示——生命中的险恶没有什么恐怖,生命中的寂寥没有什么悲愤,生命中的放纵没有什么缺憾,生命中的痛苦与埋没无关,关键是:即使在始终无人注目的暗夜中,你可曾动情地燃烧,像那颗不肯安歇的灵魂一样,为了答谢这一段短暂的岁 月?
阳光灿烂的日子

对文革时期青少年的生活状态和青春期困惑的真实描绘

  一部从内容到形式都全新的中国电影,它的出现标志着中国电影跨入了一个新的时代

  对许多人来说, “文革”是一段黑暗的日子,在那个时代里,是非混淆、黑白颠倒……然而姜文的《阳光灿烂的日子》在时代刻画和叙事观点上却独具一格,它没有表现出惯有
的沉痛,而是以与政治上的疯狂相对而言较为平静的军属大院为背景,描绘了一群被危险激情燃烧的少年的生存状态——当整个国家的人民在投人革命的时候,他们却被其他烈火困扰着。他们就这样在耀眼的阳光与遍地的红旗中间度过自己的青春,有冲动、有爱情、有性、有幼稚、有失败、有冒险,也有成长。

  《阳光灿烂的日子》价值不在年代,而在于它的真实、感人。在剧 中,男主角马小军的成长过程和那一时期许多人的经历都很相似,虽然 未有生离死别的伤痛,只是个人简单成长的青春梦,却以它的真实而震 撼人心。

  本片对于人性的描写是真实的,在那个“冤”与“根”压得人透不过气的年代,不识愁滋味的少年却被未成形的情和欲霸占了所有空间.狡猾的心魔渐渐摸道上路,男性世界的粗豪和威武在绷紧的肌肉状态下开花结果……所有的一切在回忆中都是“里程碑”,纪念着昨日的无悔。

  中国导演姜文的《阳光灿烂的日子》堪称是94年度全世界令人赞 绝的、至今仍渴望观看的影片之一。它是一部从内容到形式都全新的中 国电影,它的出现标志着中国电影跨入了一个新的时代。

  ——《时代》周刊

  《阳光灿烂的日子》无疑是90年代中国影界的意外之喜。它带给 观众的决不仅仅是一种无所事事的闲聊调侃,也不仅仅是对特殊年代的 追忆与讥讽。当观众深深地为影片打动时就会发现,这部影片所展现的 竟是一个意象丰富、意味深长的“社会一个人”、 “文化一心理”图 景。

  ——著名影评人 陆 镜

  国产影片里我觉得最保持原著的神韵和风格的影片非《阳光灿烂 日子》莫属。我还记得我读《动物凶猛》时的激动,它使我真正佩服起 王朔.能够那么准确地把握青春期少年人的那种疯狂,甚至残忍。他所 表现的那种爱情,那种最原始的毫无方向,不知如何处置的情感,非常 有代表性,也非常有感染力。那是一个不容易被抓住的话题,纯真与邪 恶,爱与折磨,却展开得自然而又完美c在强烈的爱中无法把握,只能 将恶毒的箭刺向所爱,也刺向自己。 《动物凶猛》不但有力度,有深 度,探到了人性的深层,而且写初恋更写出了独到的视角,是所有其他 作家很少涉及甚至忽略的。

  ——网友留言

  故事发生在文革时期的北京。马小军是一个军属,小伙伴们叫他马猴.他的父亲常年在外,没人管教的他在大院里结交了一帮“哥们儿”.他们逃课、打架、抽烟,“混街”成了他们这伙人的生活主题。这当中有刘忆苦,有羊搞,还有后来出现的女孩于北菇,当外面的世界闹得天翻地覆的时候,这群军人子弟却在自己的天地里享受阳光灿烂的日子。

  在无聊的夏日里,马小军学会丁撬门压锁,进到别人家里成了马小军生活的一大乐 趣.他常常溜出校门,用自制的钥匙打开一把又一把的锁,窥探一家又一家的秘密.但马小军从来不拿人家东西。有一次,他闯人一个陌生人的家中.一张挂在墙上的彩色照片吸引了他:身着泳装的少女。马小军长久地凝视着她,被她深深地打动了。

  大院的人要和另一伙男孩子打架,马小军用砖头照一个人头上拍了下去,把他打伤 了,对方捎来话说要拉来几百人报仇,然而在中间人的调和下,这场大规模的争斗奇迹般地和解了,他们拥进莫斯科餐厅里庆祝。

  马小军——直没忘记那个照片上的女孩.他天天像猫一样在那个房子周围的铁皮房顶上转悠,希望能见到她c终于有一天,一双美丽的女孩的双腿从马小军身边经过,马小军意识到就是她,于是叫住了她。从此,马小军天天都去找她,将别人做过而自己从来不敢做的事都安到自己的头上,表现自己的英勇……

  那个女孩名叫米兰,一天她答应马小军去见他的那帮哥们儿。看见米兰和刘忆苦谈得那么亲热,马小军有些嫉妒。接下来的日子里,米兰一边和马小军好,一边又和刘忆苦好,马小军心里很乱。

  马小军和刘亿苦同月同日生,在庆祝他们的生日那天,米兰分别送了他们两个礼物,马小军本来应该是高兴的,但又不知为什么他心里很不是滋味,他执意要将米兰赶走,为此还和刘忆苦打了起来……

  但记忆到这儿发生了混乱,或许马小军根本就没有那种勇气,根本就没打架,他们那天玩得很愉快……

  那天晚上,马小军骑上脚踏车在雨里疯狂地飞跑,冲着米兰的窗口大喊: “米兰,马小军爱你!”当米兰下来时,马小军竟然没有勇气承认,米兰将马小军拥入怀里。可她后来还是跟了刘忆苦。

  马小军一气之下跑到了米兰的住处,冲动之中想要做出越轨之事,但被米兰打败了……从此以后,大家冷落了马小军。

  后来大家分散了,各奔前程,米兰去了文工团,刘亿苦去当兵,后变成残废。许多年后,当这群儿时的伙伴再次相聚时,那过去的一切对他们来说都不再重要了。
青春乌托邦

  虽说这是一部有关文革的作品,但任谁也看得出,这是一部谈青春、谈成长的作品。一群10来岁的毛孩子在文革年月的北京城里横冲直撞,姜文从自己的经验出发,当马小


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西线无战事
电影史上“最伟大的反战电影”之一

  早期有声片中的扛鼎之作

  有力地谴责了帝国主义战争,毫不留情地揭开了蒙在战争头上的“神圣”面纱,表现了极为鲜明的反战主题


  1930年出品

  导 演:路易斯·迈尔斯通

  主 演:卢·艾尔斯

  约翰·雷

  ·第三届奥斯卡最佳影片、最佳导演奖

  ·美国百部经典名片之一

  ·在一九六二年美国西雅图世界博览会评选的“电影诞生以来的十四部最伟大的美国影片”中名列第三位

  给人类带来永久伤痛的第一次世界大战终于结束了,一个默默无闻的德国小记者雷马克打算开始写一部他自大战结束以来就一直在酝酿构思的小说《西线无战事》。他完全利用业余时间写作,结果仅用了6个星期,小说就完成了,可手稿却在抽屉里搁置了半年多,因为许多出版社都不愿出版这部作品。后来,总算有家出版社接受了它,令人意想不到的是,这部小说引起了极大的轰动,第一年竟销售了120万册,后来又被译成多种文本,总发行量在500万册以上。雷马克也因此由一个无名的小记者,一跃而成为世界闻名的大作家。

  导演路易斯·迈尔斯通看中了小说的主题,将《西线无战事》搬上了银幕,这部影片也同样获得了巨大的成功,被看成是奥斯卡授奖以来第一部有强烈的思想性的作品。迈尔斯通以沉重的笔触和简明精炼的手法写活了帝国主义战争的荒谬无情,透过一名德国士兵从迷恋战争到心冷、心死的每一次心理转变,渲染了战争的恐怖及其对人性的摧残,表达了对人类自相残杀的反感和把人民推向灾难的当权者的厌恶,给人们留下了深深的回味和沉思。

  在《西线无战事》中,导演以卓越的摄影技巧、写实的风格把战火、阵地、冲锋、肉搏,以及残酷恐怖、野蛮凶杀的场面拍得十分逼真,有声有色,惊心动魄,具有印象派风格。同时,这部影片极高的艺术成就和丰富的内涵又使它成为了一部“优秀的博士论文”。

  ——前苏联著名电影艺术家 谢尔盖·爱森斯坦  

  《西线无战事》是最早采用混合录音的有声片,导演迈尔斯通很善于运用声音,他将对话、配乐及音响效果巧妙地剪辑于单声带上,这在当时是难能可贵的。有些镜头,如保尔临死时一只手的抽动、垂落的特写镜头也拍得寓意隽永,被誉为经典之笔。这一系列的因素使本片既具备了无声片的动感,又拥有了有声片丰富的表现力。我们甚至认为,永久消灭战争的最好办法,就是把《西线无战事》在各国每年公映一遍。

  ——好莱坞著名影评人 肖恩·索普  

  关于第一次世界大战的影片并不算多——尤其是在最近这些年。然而诞生于一战结束后不久的这部战争题材的影片《西线无战事》可以说是一个例外,直到今天,这部影片看起来仍然非常尖锐。这部建立在同名小说基础之上的影片通过一群德国士兵的眼睛展示了战争的残酷,是第一次世界大战的真实写照。同时它也给了我们一定的启示:有时候沉默是表现战争的最好方式。

  ——著名影评人 阿 冬  

  第一次世界大战期间,德皇威廉二世的军队正在东、西两线与俄、法、英等国交战,战事十分紧张、激烈。德国政府以漂亮的口号呼吁年轻热情的学生志愿者投身战场,在德国后方的某个小城市里,一批青年学生在老年教师康托莱克的沙文主义煽动下,报名参军。年仅19岁的保尔一心想当个英雄,于是在政府宣传所谓“英勇奋战”、“保卫祖国”的口号下,也自告奋勇地报了名。他的朋友凯姆利希、穆勒等人也都参了军,其中还有一个叫贝姆的,他患有臆症,和他们分在同一个部队里。受蒙蔽的青少年就这样成为了士兵,他们离别家乡和亲人,去为军国主义卖命。

  保尔和同学们一入伍就投入了紧张的军事训练。他们起早摸黑,在又松又湿又黑的田野中来回跑,几经折腾,累得精疲力尽,而教官史托斯还要把他们“训练得服服帖帖”,成为“真正的德国士兵”。这些青年原来把人生、战争都理想化了,然而现在天真的梦幻破灭了。不久,经过训练后的保尔和他的同学们被派往西线参战。这些青年从不知道战争是怎么回事,一上战场就遭到炮火猛烈的轰击,在隆隆的炮声下,他们都吓破了胆,有的哭了,有的尿湿了裤子。幸亏他们遇到了一个好班长卡钦斯基,他是个老兵,对这些涉世未深的“娃娃兵”十分照顾,他主动安慰他们,并教给他们在战场上生存的技巧。于是保尔和同学们开始冲上战场,杀死别人的爱子,夺走别人的生命。弹雨之中,他们抱着“我不杀人,人也杀我”的观念大叫“冲呀、杀呀”,失败了,退下来,然后再反攻。在高度的紧张与恐惧中,贝姆真的发疯了。一次战斗中,凯姆利希的腿被炸断,失去了年轻的生命,穆勒被化学毒气毒死。不仅如此,士兵们还要忍受阵地上的饥饿、潮湿、疾病和糟糕的天气。保尔沉痛地哀思着:“为什么要打仗呢?”

  保尔在一次战斗中也负伤了,被送往野战医院治疗,康复后被批准回家探望母亲。病重的母亲见到平安归来的儿子格外高兴。但她心中又升起淡淡的忧愁,不知儿子下次还能否归来。保尔也为以后能否见到母亲而担忧。

  归队的日子就快到了,这天,保尔路过母校,看到教师们还在鼓吹战争,动员学生们参军。保尔厌恶战争,对他们的一举一动感到悲愤,可那些学生却还在以此为乐呢!

  保尔重返前线后,发现连队中来了一批像他们当年一样天真、幼稚的“娃娃兵”,而老战友却所剩无几了。原来,在他休假期间,班上的战友差不多都牺牲了,只剩下老班长卡钦斯基一个人。而此时,卡钦斯基因部队供应困难,外出给“娃娃兵”找吃的东西去了。保尔跑出连队,好不容易才找到了老班长,久别重逢,两人分外高兴。恰在这时,一架轰炸机飞来,投下炸弹,弹片飞向老班长,把他炸伤了。保尔拼尽全力把卡钦斯基背到医疗站,但他已经死了。

  一天,双方停战了,西线异常平静。守候在战壕里的保尔发现了一只美丽的蝴蝶,可当他爬出战壕捕捉蝴蝶时,突然一声枪响,保尔被流弹击中,他倒下了。但是,在这天德军前线司令部的战报上,却清楚地写着“西线无战事”。

  战争·生命·悲剧

  自从有了人类文明,便有了战争。所有的战争,无论是败是胜,饱受苦难的都是无辜的人民,那些嗜血如命的战争狂人带给人类的巨大灾难是无以复加的。
战争曾使地球变得阴森恐怖,许多人号哭着,挣扎着,呼唤着,想从死亡的威胁里解脱出来,却只能无力地倒下,化成一堆堆插着十字架的青冢!无数宝贵的生命遭到了无辜的戕害!

  1914年7月28日,第一次世界大战爆发了,随后一个又一个欧洲国家卷入了战争。一战主要分为3条战线:西线、东线和南线。其中西线是最重要的战场,战斗也最为惨烈
。所以电影界,尤其是西方电影界拍摄的一战电影,大都是以西线战场为蓝本的。

  可以说,一战是从兴高采烈的群众欢送开拔的士兵,高唱《马赛曲》、《在故乡》等歌曲开始的。交战双方的军列上都用粉笔写着“圣诞节回家”的字句,所有人都满怀信心地期待着一场短暂而光荣的战争。但是,他们不久便发现自己卷入了一场持久的、残酷的战争折磨之中。

  英国外交大臣格雷伯爵评论道:“灯光在整个欧洲熄灭。”民族、宗教、姻缘、仇恨、尊严、权力、金钱……所有这一切都似导火线,一旦被点燃就会引发战争,在世界各地掀起血雨腥风。

  如今战争已经结束,但是战争带给人类的血泪灾难是不能够忘记的,那是属于人类的灵与肉的创伤。人们痛恨战争,但却喜欢谈论和观看关于两次世界大战的电影,因为战争留给世人的启示与思考是长久的、深刻的,在我们心中形成终生不散的块垒。

  好莱坞电影人迈尔斯通根据雷马克的名著《西线无战事》拍摄的同名影片讲述的正是马恩河战役前后,一群德国少年兵对战争态度由兴奋、憧憬到反感的过程。保尔及其同学们在老师的沙文主义思想的煽动下,怀着英雄理想投身到一战之中,可真正投入到战争中后,他们才体会到战争的可怕:那里炮声轰鸣,大地震憾,血肉横飞,尸骨遍野。主人公保尔开始怀疑过去的理想,战争的残酷性和毁灭性使他的英雄主义彻底破灭,他的内心发生了变化,开始对战争怀疑、厌恶甚至憎恨。终于有一天,保尔爬出战壕去捕捉蝴蝶,结果被冷枪打中死去。然而同战争相比,个人的生命是微不足道的,在那一天前线司令部的报告中写道:“西线无战事”。

  《西线无战事》成了一战中整个西线残酷战争的小小缩影,然而,具有讽刺意味的是,影片带给人类的警醒作用始终是有限的,因为仅仅过了10年,人类便又陷入了一场更大的灾难——第二次世界大战中。(佚 名)

  ☆获得第1届奥斯卡最佳影片的电影《翼》是以第一次世界大战为背景的战争片,故事以发生在一战中的两男一女的爱情故事为主线,揭示了战争的罪恶。影片鲜明的生活实感和壮观的空战场面给人们留下了深刻的印象。在爱情的安排上,全片也发展得流畅自然,不落俗套。《翼》是奥斯卡历史上第1部最佳影片,也是惟一一部获此殊荣的默片,具有历久弥新的观赏价值。

  ☆由著名影星柯克·道格拉斯主演的《光荣之路》也是一部具有浓厚的反战思想的影片,道格拉斯饰演的达克斯上尉奉命袭击一个坚不可摧的德军阵地,然而他们不知道自己陷入这场血腥的战役仅仅是因为将军希望在肩章上再加一颗星而已……影片运用丰富的电影语言揭示了“一将功成万骨枯”的主题。

  ☆《战地春梦》(又译做《永别了,武器》)是根据著名作家海明威的原著小说改编的战争文艺片,影片从侧面揭示了帝国主义战争的残酷,它以第一次世界大战为背景,描述了一名渔夫在大战期间离家从戎与德军打仗,没想到他的未婚妻竟喜欢上了当地的意大利军官,于是3人之间的爱情纠葛就伴随着战争展开……

  ☆前苏联影片《战争与和平》是根据大文豪列夫·托尔斯泰的同名经典巨作改编而成,故事描述了发生在拿破仑挥军攻俄的大动荡年代中的一段经典爱情。在这部源于不朽名著的史诗巨片中,复杂的人物关系和宏伟的战争场面交替出现,托尔斯泰的原著灵魂完美地融于其中。影片不仅再现了俄法战争时期俄国广阔的历史画卷,同时也表现了人性经过战争和命运的洗礼之后,必将走向善良与博爱的主题。

  《战争与和平》放映之初即引起了轰动,并获莫斯科电影节金奖、第26届金球奖最佳外国片和第41届奥斯卡最佳外语片奖。
马路天使
20世纪30年代中国电影的压轴之作

  描绘活泼市井生活的伟大的艺术杰作

  我国早期社会问题片的集大成者,30年代中国电影艺术发展高峰的标志


  1937年出品

  编 导:袁牧之

  主 演:赵 丹

    周 璇

  ·一九八三年葡萄牙第十二届菲格拉达福兹国际电影节评委奖

  ·“中国电影九十年优秀影片”之一

  《马路天使》是由袁牧之自编、自导,赵丹、周璇主演的一部具有深刻的社会思想意义和极高艺术成就的现实主义优秀影片,是我国社会问题片的代表作之一。

  影片以现实主义的创作手法刻画了生活在社会最底层的妓女、歌女、吹鼓手、报贩、剃头匠、小报摊主等一群有血有肉的艺术形象,真实地表现了他们生活的痛苦和悲惨的命运,具有深切的人文主义关怀。这些出身卑微的贫苦青年不仅在物质生活方面极度匮乏,多年的动荡与战乱也使得他们孤苦伶仃、家破人亡,然而,他们始终没有放弃对自由、爱情和幸福的渴望,在艰难的岁月中互相扶持、苦中作乐,甚至不惜付出生命的代价。片中运用活泼的喜剧手法传达了深沉的悲剧性内容,对当时的社会进行了含蓄而又辛辣的嘲讽,其中许多细节处理上的细微变化真切地点燃了人们的情绪, 撩动着人们的神经。

  周璇演唱的电影主题曲《天涯歌女》曾风靡一时,而创作者们也充分发挥了电影的视听艺术特性,使影片的编、导、演、摄、美工等都达到较高水平,成为20世纪30年代中国电影艺术发展高峰的标志。

  看过袁牧之的《马路天使》的人,如果不知道该片是在1937年出自一个对法国电影一无所知的年轻导演之手,他一定会以为这部影片直接受了让·雷诺阿或是意大利新现实主义的影响。这部影片以充满愉快、激情和同情的笔调,通过几个小人物的悲喜遭遇,生动地再现了20世纪30年代中国都市下层人民的苦难生活,歌颂了他们的善良,严厉地抨击了那些为富不仁的富商和实业家。影片的风格极为独特,而且是典型的“中国式”的。

  ——法国著名电影史学家 乔治·萨杜尔  

  我国早期电影《马路天使》里曾有过那么活泼的市井生活的描绘,可惜在日后的中国电影史上几乎很少有这样的珍品了。

  ——著名导演 贾樟柯  

  中国影片《马路天使》堪称是一个奇迹,它所体现的“新现实主义”的创作方法竟比意大利在战后提出的要早得多,我们完全可以想见,30年代中国的这部电影在世界电影史上的影响该有多么巨大。

  ——意大利著名影评家 达西拉奇  

  在20世纪二三十年代,电影在中国刚刚起步的时候,上海作为中国城市生活的象征从影像上曾经引领了中国人的都市梦,譬如《马路天使》,它就是海派城市生活的经典写照,也可以说是中国成熟的城市电影的代表作,到现在也难以超越。

  ——《南方周末》  

  故事发生在1935年的上海。在马路上谋生的又一天生活结束了,乐队的吹鼓手小陈、报贩老王、理发师、失业者、小贩这几个“有难同当、有福同享”的把兄弟组成的“雄赳赳”的队列,回到了太平里低矮的小阁楼。小陈和老王的住处正好与邻居小云、小红姐妹的住处对窗而临。这姐妹俩因家乡失陷,从北方流落到上海,被一个琴师和他的鸨母妻子所霸占,从此过着不堪忍受的苦难生活:小云为鸨母卖笑赚钱,小红则终日随琴师出入茶楼酒馆卖唱。

  天真无邪的小红与机灵诙谐的小陈两情相悦,经常临窗以歌声和琴声传递情意。而内心经受着重创的小云也在暗中恋着小陈,但小陈却因小云干的营生而瞧不起她。只有老实善良的老王很关心小云。

  一天,小红随琴师去酒楼卖唱,被流氓头子古成龙看中,他便买通了琴师要把小红占为己有。琴师和鸨母见钱眼开,决定把小红卖给古成龙。小红深知自己将遭厄运,只好同姐姐一起和小陈、老王商量。老王在墙壁上旧报纸上看到了一则“养女告鸨母”的消息,便心生一计,和小陈一起去找律师,可是当律师告诉他们打官司需要500两银子时,他们才意识到“打官司还要钱”。老王左思右想,从旧报纸上撕下一个“逃”字递给小陈。小陈恍然大悟,于是在兄弟们的帮助下,他偷偷地把小红接出来,搬到了别的地方,并且结为夫妻。

  小红被救出了魔窟,可老王还惦记着小云。他劝小云也逃出来,小云却没有勇气。一天夜里,小云在街头被警察追赶,情急之中逃到了小红的住处。从此以后,小云也在这里住了下来,并将自己对小陈的爱意转移到了老王身上。几个人在苦难的生活中寻求乐趣,在黑暗的现实中互相扶持。

  报纸上登载着巨额白银出口的消息,各行各业都不景气。理发师为理发店将要歇业而发愁,为了不使理发店关门,小陈和老王又吹号又敲鼓,颇有声势地帮忙招揽生意。

  琴师夫妇和流氓古成龙一直因为小红和小云的失踪而耿耿于怀,他们终日四处搜寻。琴师这天刚好从理发店经过,看到了小陈和老王后,暗中跟踪,找到了他们的住处。第二天,琴师就纠集了古成龙等恶棍前来抓人。正巧这时老王和小陈都出去了,小云从窗口发现他们后,便掩护小红越墙逃走,自己却在与琴师的搏斗中被一刀扎中。古成龙一看要出人命,抽身溜走。琴师见状心虚,也逃之夭夭。

  等到老王他们闻讯赶来的时候,小云已经奄奄一息了。老王焦急地吩咐小陈等人照看一下小云,自己跑出去找医生。可当老王因钱不够医生不肯来而无奈地回到家里时,小云已经含恨离开了人世……

  从下之角到天堂——《马路天使》中的社会图景

  周璇曾经说过,她一生没有什么满意的电影,除了《马路天使》。

  赵丹曾经说过,他真正的演员生涯是从《马路天使》开始的。

  我国30年代的电影《马路天使》从“下之角”的贫民窟到高入“天堂”的法律事务所,展现给观众的是一幅二三十年代的上海众生图。没有繁华的灯红酒绿,没有喧闹的街市,有的都是最真实的生活图景。导演袁牧之在酒楼中体会到了关注人民的电影真谛,交叉文学与戏剧,交叉贫苦与快乐,意蕴丰富多彩,引起了观众的共鸣。

  “下之角”就是上海的贫民窟,小陈、老王、小云、小红他们都是住在这里的,从事着最底层的劳动——吹号、卖报、卖身与卖唱,可是他们的生活里苦难中含着快乐。小陈和小红无忧无虑,对窗而居,爱情也在这个时候产生。小红含羞地对着小陈唱着《天涯歌女》,小陈更是常在窗口同她逗乐,一切都和金钱无关,一切都是美好的。
导演袁牧之充分认识到电影的画面作用,强调电影本身记录事件发生的功能,减少激烈刻意的矛盾冲突,将镜头对准众多小人物,着重描写他们的喜怒哀愁。影片避开了人物之间的正面冲突,这在小红于酒馆中愁眉苦脸地唱着《天涯歌女》同小陈醋意大发的场景中表现得最为强烈。没有人物与人物之间简单的对立,导演要控诉的是整个社会阶级的对立。这些小人物只是一个点,代表了广大的底层人民,他们要反对的不仅仅是一两个恶霸,而是压在他们身上的整个黑暗的社会!


  于是,我们在电影中看到了高耸入云的大楼。琴师夫妇要结交恶霸,把小红出卖,小陈要打官司找回公道,他们生平第一次走进了那座大楼,上了“天堂”。舒适的沙发,方便的饮水机,让他们羡慕不已,一切都是新鲜的,与他们的下之角有着完全的不同。办公室里不时传来打字机的响声,仿佛他们内心情绪的外化。

  如果说下之角是落后和愚昧,这里就是先进与文明;如果说那里是嘈杂贫穷,这里就是安静富裕。环境与人的冲突给人一种滑稽感——他们与这一切格格不入。而当他们得知这里的一切都是要钱的时,尴尬,失落,仿佛是从天堂中一下子坠落。代表着下之角的小陈们经过天堂的遭遇开始清醒,他们要依靠自己的力量自食其力。可是最后还是没有成功,小云死了,天堂依旧存在,高楼在片尾依旧耸入云端,从下到上的拍摄,慢慢地凸现着这个形象。从下之角到天堂,当中是一条无法逾越的鸿沟,生活在底层的人民深受着重压,天堂只是金钱累积的幻象,只是剥削贫民的高闸!星星雨路)

  ☆《桃李劫》是袁牧之编剧兼主演的一部赢得30年代极高评价的优秀影片,也是我国最早以有声电影手法技巧创作的影片,在这部影片中,音响第一次成为我国电影的一种艺术元素,可以说是电影界的一大进步。影片通过陶建平、黎丽琳这一对富有正直性格和服务社会抱负的知识青年的命运悲剧,深刻尖锐地揭露了社会的黑暗和腐朽。这部现实主义之作的问世,在当时引起了强烈的社会反响。其主题歌:“同学们,大家起来,担负起天下的兴亡!”成为深受当时青年喜爱的歌曲。

  ☆《姊妹花》是著名导演郑正秋的一部以妇女题材为主的作品。同过去的创作相比较,《姊妹花》接触了更为广泛的社会现象,指出了社会中贫富差别的阶级根源,但同时又把希望寄托在有钱人身上,这在一定程度上削弱了它的意义。影片在艺术上保持了郑正秋一贯的创作特点:情节曲折而洗炼,人物性格刻画细腻,通俗易懂。著名影星胡蝶在片中的表演真实生动,这部影片被认为是她演得最成功的一部。影片公映后,震撼了中国影坛,也引起了国外观众的注意,在上海连映60多天,盛况空前。

  ☆《神女》是一部独具异彩的影片,在国内外都曾赢得过电影专家们的好评。这是我国早期导演吴永刚在27岁时编导的第一部影片,由于他对生活的深刻感受,特别是他多年来在电影美术造型方面的工作经验,使这部影片大获成功,取得了杰出的艺术成就。影片朴素、淡雅、平易、含蓄,充分发挥了视觉的、造型的和细节的力量,创造了一种意蕴丰厚的艺术境界。

  著名影星阮玲玉以纯熟的演技,出色地塑造了一个光采照人的形象,她把崇高无私的母爱精神和旧社会妇女的不幸遭遇很好地统一在这位妓女——“神女”的身上。《神女》极具世界性声誉,在我国的电影史上具有举足轻重的地位。
乱世佳人
好莱坞电影史上最值得骄傲的旷世巨片

  奥斯卡史上一个不可逾越的“至高点”

  一首人类美好爱情的绝唱,一幅反映社会政治、经济、道德诸多方面的巨大而深刻变化的历史画卷


  1939年出品

  导 演:维克多·弗莱明

  主 演:克拉克·盖博

    费雯丽

  ·第十二届奥斯卡金像奖最佳影片、最佳导演、最佳女主角等八项大奖

  ·一九七七年美国电影学会评选的“美国十大佳片”之一

  ·美国百部经典名片之一

  1939年12月15日,仅有30万人口的亚特兰大市突然涌进了100万人,这一天是电影《乱世佳人》的首映式,也是好莱坞历史上最辉煌的一刻。几十年后,看过这部影片的观众已数以亿计,“永恒的爱情蕴于宏大的战争中”的主题从此在好莱坞风行,且经久不衰。

  《乱世佳人》是根据女作家玛格丽特·米切尔的畅销小说《飘》改编而成的,耗资巨大,场面恢宏,人物众多,剧本一再更改,三易导演,小说赢得了普利策文学奖,电影也最终夺得多项奥斯卡大奖,甚至在几十年后仍是全球最卖座的影片,不能不说是电影史上的一个奇迹。

  影片的故事发生在美国南北战争期间,南方贵族的优雅生活被新生的强大的北方资产阶级打败,个人命运溶进了时代的变革中,庄园、骑士、佳丽、奴隶主、奴隶、曾经的歌舞升平、曾经的闲暇安逸……所有的一切都随着南方庄园梦的结束而终结,旷世的爱情也终于破灭,此情只可成追忆。

  作为一名大导演,弗莱明对于南北战争这个宏大的历史事件的处理是相当出色的。影片没有描写过一个战争场面,但却通过几个人物的爱情波折及塔拉庄园和奥克斯庄园的兴衰,反映了人们对战争的态度、战争的进程和对战争的诅咒,影片的时间跨度很长,情节也很多,但却那么和谐地构成一个完整的整体,没有使人感到有多余的镜头,从这一点看来,这部影片就可以称得上是一部史诗。

  ——纽约影评人协会  

  费雯丽是如此惊艳,以至于不该如此真实;她是如此真实,以至于不该如此惊艳。她有如此的美貌,根本不必有如此的演技;她有如此的演技,根本不必有如此的美貌。……好莱坞只为她一人分裂!

  ——第12届奥斯卡评委会  

  她(费雯丽)是一个伟大的演员,是上帝的杰作,如果没有她,这部影片未必能如此大受欢迎。

  ——英国前首相 丘吉尔  

  《乱世佳人》讲述了一个以美国南北战争为背景的爱情故事。

  1861年,美国本土的局势风起云涌,南北方的矛盾加剧,战争就要爆发了。在南部佐治亚州的塔拉庄园里,千金小姐郝思嘉爱上了另一位庄园主的儿子艾希利。但艾希利却最终选择了自己的表妹——温柔善良的韩媚兰。出于妒恨,心高气盛的郝思嘉抢先嫁给了韩媚兰的弟弟查尔斯。

  过了不久,内战爆发了,艾希利和查尔斯应征上了前线。查尔斯在战争中染上疾病,很快死去了,郝思嘉成了寡妇。

  一天,在举行义卖活动的舞会上,郝思嘉又见到了风度翩翩的商人白瑞德。白瑞德开始追求郝思嘉,但遭到她的拒绝,因为郝思嘉的心里只有艾希利。

  南方军队节节败退,亚特兰大城里挤满了伤兵。郝思嘉和韩媚兰自愿加入护士行列照顾伤兵。这时从前线传来消息,北方军快打过来了,不少人开始逃离家园,可韩媚兰就要生孩子了,郝思嘉只好留下来照顾她。在北方军大军压境之日,郝思嘉独自勇敢地驾驶马车回到塔拉庄园,这时家里已被北方军抢先洗劫一空,母亲在惊吓中死去。

  战争结束了,生活艰难起来。郝思嘉挑起了养活全家人的重担,她去找白瑞德借钱,不料白瑞德却被关进了监狱。为了重振家业,郝思嘉盯上了本来要迎娶她妹妹的暴发户弗兰克,骗取他和自己结了婚。郝思嘉在弗兰克经营的木材厂非法雇佣囚犯,并和北方来的商人大做生意。此时,白瑞德因用钱贿赂而恢复了自由。一次,两人偶然碰面,爱火再一次被点燃。

  弗兰克因加入了反政府的秘密组织,在一次集会时遭北方军包围,中弹而亡,郝思嘉再次成为寡妇。此时,白瑞德前来向她求婚,他们终于结合了,婚后不久,他们的女儿邦妮出生了。郝思嘉偶然翻阅艾希利的照片时被白瑞德发现,他认为郝思嘉始终暗恋着艾希利,二人的感情开始破裂。在之后的艾希利的生日会前夕,郝思嘉与艾希利相见时热情的拥抱引起旁人非议,白瑞德越发悲伤。他把一切感情投注到女儿邦妮身上,不料邦妮却因一次意外坠马摔死了。经过一系列的变故,郝思嘉终于明白,她爱的艾希利始终是水中月,永远都不会得到,她真正需要的是白瑞德。可白瑞德已不再相信她,他决心离开郝思嘉,返回老家去寻找美好的事物。被遗弃的郝思嘉站在浓雾迷漫的院中,想起了父亲曾经对她说过的一句话:“世界上惟有土地与明天同在。”她决定守在她的土地上重新创造新的生活,她期盼着美好明天的到来。

  乱世中的佳人

  玛格丽特·米切尔生于美国南部佐治亚州的亚特兰大市,自幼对亚特兰大在南北战争中的历史特别感兴趣,并使它们渐渐变成了她生命中很重要的一部分。

  1914年,米切尔就读于华盛顿中学,天性叛逆的她对学校刻板的教学方式极其厌恶,常常以编小说自慰。她曾在自己编撰的小说封皮背面写道:“世上有一个接一个的作者,但作家是天生的而不是造就的。”

  的确,米切尔可以称得上是一个天才作家,她一生只写过一部小说《飘》,但就是这部小说让她获得了普利策文学奖,并名存千古。

  小说出版后立刻畅销全球,具有前瞻精神的好莱坞制片人大卫·塞尔兹尼克以锐利的眼光看出了这部小说的内在价值,并以5万美元的高价买下了它的拍摄权,历时了3年的艰辛拍摄后,《乱世佳人》横空出世,成为好莱坞影史上最值得骄傲的一部旷世巨片。

  《乱世佳人》以女主人公郝思嘉的爱情纠葛和人生遭遇为主线,生动地再现了南部种植园经济由兴盛到崩溃、奴隶主生活由骄奢淫逸到穷途末路、奴隶主阶级由疯狂挑起战争直至失败死亡、奴隶制经济为资本主义经济所取代这一美国南方奴隶社会的崩溃史。因此,它既是一部人类美好爱情的绝唱,又是一部反映当时政治、经济、道德诸多方面的巨大而深刻变化的历史画卷。
郝思嘉是经历过南北战争的炮火洗礼而从南方的奴隶主彻底变为北方的资本家的,但她却从小就具有资本主义人格,因而她没有继承她母亲——沉溺于伦理型人格中无法自拔——无原则地仁慈和宽恕,也没有继承她父亲——一个庸俗市民的陋习——缺乏意志和贪图逸乐,因而她的性格是多元的、复杂的:她对艾希利的爱是热烈的、纯洁的、执着的,但热烈中有虚荣,执着中又带有强烈的自私;她是聪明的、勇敢的、能干的,但同时又是冷酷的、贪婪的。争强好胜的个性导致了她三次婚姻的悲剧。正如影片中的白瑞德评判她的那样:“我
之所以爱你,是因为我们俩太像了,我们都是叛逆者,自私、狡猾、能把事情看透,该怎么办就怎么办,绝不虚伪。只要有利可图,可以不择手段,名誉是一文不值的。”在郝思嘉的身上,从家族遗传到社会影响,从阶级烙印到时代变迁,从外貌特征到内心活动,从语言声调到举止神情,都能融会统一,成为完整的形象,这既符合人情事态,又孕育着极高的艺术真实。

  郝思嘉的爱常常是错位的,她一直认为自己深爱的是艾希利,因而她对白瑞德始终表现出一种出自内心的抗拒。影片结尾处,白瑞德久历人世沧桑后发自肺腑的叹息更是萦人心怀,让人不禁与他那伤害已久的心一起跳动,为他那冷酷强悍外貌底下的脉脉温情而动容。他爱郝思嘉,最了解她的强处和缺点,爱她又轻侮她,对她既恋恋不舍又不甘屈尊以就。他在人生路上已走得太疲劳、太乏味了。而此时的郝思嘉却突然明白她丢掉的灵魂不是艾希利,而是白瑞德,面对白瑞德的离去,她想留住他,可又是那么地无可奈何、力不从心。

  影片把美国人奋斗于逆境,追求个人独立、尊严、爱情,永远乐观进取的民族精神表现得淋漓尽致。郝思嘉,一个中产阶级家庭出身的弱小女子,历经了情场失意、内乱战火、家园重建、爱女夭折、丈夫出走等一连串巨大的困难和挫折,这些打击不是一般的女性可以承受的,但她却始终没有向命运低头,她也从不胆怯,一次次重新把生活的主动权夺回到自己手中。“After alltomorrow is another day.”(“不管怎样,明天就是新的一天了!”)这是她乐观自强人生的最好表白,也是她对命运的生生不息的诠释。

  一切如风飘逝,鸿影过墙,毫无痕迹。生命的荒凉和着充斥着天地间的悲悯之气,悠悠、澹澹,回人肠,荡人气。

  ☆50年代初,年近中年的费雯丽出演了改编自著名剧作家田纳西·威廉斯的名剧《欲望号街车》,影片中她所饰演的角色是精神衰弱、自恋自怜的半老徐娘布兰奇。费雯丽以深刻的内心体验和完美的表演技巧,将一个昔日美丽富贵,现已破落早衰的可怜女人表现得维妙维肖,从而第二次摘取奥斯卡最佳女演员的桂冠,本片同时获得威尼斯电影节和纽约影评人协会颁发的最佳女主角奖,是费雯丽跳脱平素表演风格和角色限制演技的巅峰之作。

  ☆电影《简·爱》根据英国19世纪著名的女作家夏洛蒂·勃朗特的同名小说改编而成,是一部融现实主义和浪漫主义为一体的经典之作。影片通过男女主人公之间的爱情故事,讲述了在金钱至上的社会里,一个出身贫苦、无依无靠的女教师的曲折遭遇。影片的对白堪称经典,时至今日,人们仍能记得它在如此众多的心灵中泛起的回响的波纹:“你以为,我因为穷,低微,矮小,不美,我就没有灵魂没有心吗?你想错了——我的灵魂和你一样,我的心也和你完全一样……我们站在上帝脚跟前,是平等的——因为我们是平等的!”

  ☆经典影片《茜茜公主》三部曲(《茜茜公主》、《年轻的皇后》、《皇后的命运》)是电影史上永不褪色的关于人间爱情和人格魅力的神话。“茜茜”是巴伐利亚伊丽莎白公主的昵称,她美貌动人,活泼开朗,与法兰兹·约瑟夫国王的爱情历经风雨飘摇,而她与婆母皇太后的矛盾关系始终是困扰她生活的痼疾。在茜茜成为皇后之后,她以出色的外交亲和力为奥匈帝国赢得了邻邦的巨大支持和一致赞扬,从而名扬四海,举世瞩目。影片《茜茜公主》三部曲以宏大的历史叙事和细腻婉转的心态演绎,再现了茜茜富于传奇色彩的生活历程。罗密·施耐德更以她独具一格的华贵和俏丽让本片大放异彩。

魂断蓝桥
一部风靡全球近半个世纪的美国故事片

  一段美丽而忧伤的爱情故事,一首催人泪下的爱情绝唱

  电影史上三大凄美不朽的爱情悲剧之一,一部荡气回肠的爱情经典之作


  1940年出品

  导 演:茂文·勒洛依

  主 演:费雯丽

    罗伯特·泰勒

  ·第十三届奥斯卡最佳黑白片、最佳原创音乐奖提名

  ·美国百部经典名片之一

  ·“最受欢迎的爱情电影”之一

  《魂断蓝桥》是一部风靡全球半个多世纪的好莱坞战争体裁的爱情故事片,它之所以让人屏息凝神,不只是因为硝烟中的爱情使人沉醉,美丽中的缺憾使人扼腕,更重要的是生命中爱的永恒使人心驰神往……

  《魂断蓝桥》的内容传奇,文艺气息浓厚,具有极高的催泪效果。它的成功,不仅仅是向人们展示了爱的真谛,更重要的是向人们昭示了和平的宝贵和战争的罪恶。“拒绝战争,争取和平”,这是影片暗含的主题。

  《魂断蓝桥》原名《滑铁卢桥》,但发行商为了让影片具有文化品味和凸显感情色彩,将其改名为《魂断蓝桥》,正像片名体现的那样,片中的女主角不仅把生命留在了这座桥上,还把自己的爱情、信念和灵魂一同埋葬在这座桥上……

  《魂断蓝桥》是西方电影在东方获得成功的经典。影片以其缠绵悱恻的悲剧情节、演员们细腻的表演、感人至深的情感效应,打动着感情细腻的东方人,片中凄婉的爱情故事更能引起人们的共鸣,这也许就是该片能在东方产生轰动效应的缘由吧!

  ——著名影评人 罗远和  

  《魂断蓝桥》是一部看后让我们泪流满面的电影,一面是女主角迎着军车而消逝的生命,一面是男主角“我等着你回来”的深情呼唤,其中的爱情主题永远让人铭记。

  ——《中国演员报》  

  影片的传奇色彩令人回味,同时也烙下了那个时代道德观的印记。两次战争的先后呼应使得这个标准爱情悲剧的背后有着鲜明的反战讯息。如果不是因为战争,也许这一切的悲剧都不会发生。“珍视和平,拒绝战争”,这一主题应当为我们所重视。

  ——佚 名  

  《魂断蓝桥》是一部荡气回肠的爱情经典之作。导演以其独特的视角、纯熟的技艺向世人展现了一个色彩斑斓的历史画面,没有气势磅礴的场景,没有扑朔迷离的悬念,有的只是近似回忆般朦胧的视觉享受,有的只是小桥流水般优美的意境,有的只是从剧中人发丝间、明眸间、手指间一点一滴流露出的对爱情的执着和坚贞的信念。本来是一段缠绵动人的爱情故事,却如镜花水月一般以悲剧结尾……

 ——佚 名  

  第二次世界大战前夕,英军上校罗依·克劳宁在滑铁卢桥上独自凭栏凝视,他从口袋里拿出一个象牙雕的吉祥符,20年前的一段恋情如在眼前……

  那是第一次世界大战期间,回英国度假的罗依假期已满,即将奔赴法国。在滑铁卢桥上,他救了舞蹈演员玛拉一命,于是他们相识了。玛拉是一位芭蕾舞演员,她急着赶往剧院演出,临走时,玛拉将心爱的象牙雕成的吉祥符送给罗依:“愿它给你带来运气。”

  二人一见钟情,玛拉不顾剧团女经理笛尔娃夫人的严厉反对,同罗依幽会,在苏格兰民歌《一路平安》的华尔兹舞曲中,两人翩翩起舞,含情相望。

  第二天上午,罗依因行期推迟,找到了玛拉,要和她马上结婚。可当他们兴冲冲地赶到教堂时,发现错过了教堂规定的结婚时间。两人只好决定第二天再去。

  然而就在当天傍晚,罗依被召回军营。即将演出的玛拉在接到罗依将要提前开拔的电话后不顾一切地赶到滑铁卢车站,但是火车已经起动了。

  由于错过了剧团的演出,笛尔娃夫人被激怒了,她讥讽玛拉在堕落。玛拉的好友凯蒂挺身而出,为之辩护,被一同开除了。失了业的玛拉和凯蒂只好相依为命。时隔不久,玛拉收到罗依寄来的信,信上说罗依的母亲克劳宁夫人将特意到伦敦与玛拉会面,她高兴极了。可没想到就在同克劳宁夫人会面前玛拉无意间在报纸上得知了罗依阵亡的消息,巨大的打击使得她精神恍惚,她和克劳宁夫人不欢而散。罗依的死对玛拉来讲是灾难性的打击,失去爱情的玛拉觉得一切都失去了意义,为了生存,她和凯蒂只好沦为妓女。

  一次,在滑铁卢车站招揽生意的时候,玛拉竟然在人群里看到了罗依,他还活着!喜出望外的罗依拥抱着百感交集的玛拉,向她叙述着自己的遭遇,他受过伤,失去了证件,当过德国人的战俘,差点丧命但终于逃脱。罗依询问玛拉离别后的生活,但玛拉难以启齿,罗依以为她另有所爱,玛拉深情地表白“我只爱过你”,罗依对玛拉的忠贞深信不疑,不容分说,把她带往家乡。

  在苏格兰的克劳宁家,克劳宁夫人和罗依的叔叔对玛拉很满意,然而其他人很不喜欢玛拉的舞蹈演员的身份。玛拉感到了巨大的压力,她意识到爱情在社会的非难前是无能为力的,她将实情告诉了克劳宁夫人,并求她不要告诉罗依。玛拉给罗依留下了一信说不能嫁给他,于是离开了。罗依焦急万分,他找到了凯蒂,凯蒂告诉了他一切,罗依含着泪说:“我一定要找到你。”

  玛拉来到滑铁卢桥上,独自倚着栏杆,眼神呆滞。一队军用卡车隆隆开来,玛拉平静地迎着卡车走去,任凭车灯在脸上照耀……在人群的惊叫声中,一个年轻的生命结束了,地上散落着手提包和一只象牙雕的吉祥符。

  此情可待成追忆

  几十年来,《魂断蓝桥》一直为广大观众喜爱并在评论界备受赞扬,原因就在于它向人们描述了一个悲壮的爱情故事,并调动了丰富的电影艺术手段把内容表现得高雅脱俗且哀婉动人,让观众在洒下眼泪的同时,深思战争的可恶及陈腐观念对爱情的摧残。

  影片从始至终紧扣爱情主题,罗依和玛拉相爱,爱得炽烈奔放,爱得无我忘我。玛拉可以不顾自己的舞蹈事业,为了见罗依而误场;罗依对玛拉一见钟情,在没有同家人商量的情况下,马上决定同她结婚。然而事与愿违,战争把他们分开,战争使得玛拉改变命运,虽有婆婆的原谅和叔叔的信任,可玛拉总是自觉形秽,抹不去的等级阴影使得她不能原谅自己,最后为了维护罗依和他的家族的荣誉,她结束了自己年轻的生命……影片通过男女主人公的相遇、相爱、相分、相聚和永别,把炽烈的爱情、恼人的离情、难以启齿的隐情和无限惋惜的伤情共冶一炉,因为战争原因而堕入红尘的玛拉经过了费雯丽的演绎,其善良、美丽、柔弱、无辜表露无疑。可就是这样一个让人没有理由不去怜爱的女孩子,最终被战争逼上了绝路,用死亡结束屈辱,她在滑铁卢桥上平静地走向死亡时面容上所闪现出的凄美让人心痛无比。

影片的表现手法之简炼也是少见的。玛拉被迫沦落街头卖身,她的行为是丑陋的;玛拉因自卑而自杀,其后果是难看的。然而,不可否认,从本质上讲,玛拉是纯洁的、羞怯的、美好的,为了保全她的完美形象,影片只拍摄了她在滑铁卢桥上独倚栏杆对着陌生人的勉强一笑及卡车过后地上散落的手提包和吉祥符两个镜头,来暗寓她的沦落和生命的消逝,而对她曾经的卖身生涯和自杀后血肉模糊的惨状都简单带过。


  怎能把老朋友遗忘/我时常这么想/怎能把老朋友遗忘/和往日那好时光/希望你改变主意/把你的爱带给我/甜蜜而完整的爱/我会把身上的所有全给你/让我们举杯共祝/友谊地久天长

  这是在片中出现过多次的旋律——《友谊地久天长》,可是故事的结果却不尽如人意,一个香消玉殒,一个抱恨终生。这不禁引起了人们无尽的哀思:是不是所有的故事都将被遗忘,永不追忆?是不是所有的故人都将被遗忘,和那些友谊地久天长的日子?(佚 名)

  ☆根据美国著名作家海明威的小说《战地钟声》而改编的同名影片在1942年被好莱坞派拉蒙电影公司搬上了银幕。故事讲的是西班牙内战期间,人民战线派为抵抗法西斯佛朗哥政权而组成了游击队,美国大学教授罗勃受命爆破峡谷上的铁桥,而当他向山区的吉普塞人游击队求助时,认识了父亲惨遭法西斯毒手而自己受辱的美丽少女玛利亚。在战火的弥漫中,两个人出生入死,并肩作战,他们忠贞不渝的爱情在硝烟中也升华为坚贞的民族之恋……

  《战地钟声》公映后,被1943年美国《每日电影》评选为十大佳片的第二名,受到了广泛的赞誉。

  ☆由著名影星理察·基尔和朱丽娅·罗伯茨主演的《风月俏佳人》是一部“白马王子与灰姑娘”的浪漫轻喜剧式的爱情故事,无论从内容结构还是人物性格上,影片对这种古老的爱情模式都是既有借鉴又有发扬。百万富翁看上了一个街头女郎,出钱把她安置在一所公寓中,实际上是要她做自己的情妇。在交往中,他们相爱了,而她虽然身为妓女,却有自己的主张和人格尊严,爱就要光明正大地去爱,她不愿过这种没有名份的寄生生活,于是毅然地离开他。到了最后,他也幡然悔悟,有情人终成眷属,他们的爱情有了一个完美的结局。正因为有着对爱情的憧憬和幻想,才有《风月俏佳人》这种应情之作,抛开现实,装上翅膀,飞越开满鲜花的村庄,但这一切能否成真,没有人可以确定,所以成群的女孩子寻求白马王子,这部电影成了指南。

卡萨布兰卡
一部堪称“教科书”式的经典影片

  表现二战中男女爱情的惊世之作

  好莱坞影史上惊险侦探片的里程碑之作_窣


  1942年出品

  导 演:迈克尔·柯蒂斯

  主 演:英格丽·褒曼

    亨弗莱·鲍嘉

  ·第十六届奥斯卡最佳影片、最佳导演、最佳改编三项大奖

  ·美国电影十大佳片之一

  ·百部美国经典名片之一

  ·美国电影机构评选出的最伟大的爱情电影之一_€

  《卡萨布兰卡》又名《北非谍影》,是好莱坞在二战期间拍摄的最卖座的影片之一。著名影人亨弗莱·鲍嘉和英格丽·褒曼的成功合作、黑人歌星杜利·威尔逊演唱的《时光流转》、曲折离奇的情节、出乎意料的结局……它拥有银幕经典所该拥有的一切。

  本片以一个令人心碎的爱情故事演绎出一种不折不扣的爱国主义的情怀。为什么相爱的人不能相守?答案只有一个,相爱不仅仅是索取,更重要的是要懂得奉献。当那个任谁也战胜不了的疯狂年代已成为过去,当所有的恩恩怨怨都随风消逝,人们只能祈求“时光流转”——

  我猜想卡萨布兰卡有众多破碎的心,我知道我从未真正到过卡萨布兰卡,所以不知道伤心者有多少。

  我猜想我们的爱情故事永远上不了巨大宽银幕,但当我看它升华时,也一样令人难受和痛心。

  难忘一次次亲吻,在卡萨布兰卡,但那一切已成追忆,时过境迁。

  我爱你,此心永不变,年复一年。

  迈克尔·柯蒂斯真是电影奇才,他非常善于把错综复杂的人物关系与矛盾纠葛有机地组织起来,在激烈的戏剧冲突与悬念设置中为我们创造鲜明而生动的视觉形象。影片表达了美国人在爱情和道义之间所做的选择,它在二战初期具有反对孤立主义的象征意味。本片卓绝的叙事手法、洗炼的节奏和大明星的表演堪称教科书式的经典。

  ——纽约影评人协会  

  当正义、壮丽、无私与奉献震撼人们心灵的时候,也正是我创作愿望实现之时。对于人类历史上共同出现于西方和东方的战争恶魔——法西斯主义,如果我们不把它永远钉在人类历史的耻辱柱上,并且隔些年就再加几个钉子,谁能担保它哪天不会复活了呢?以电影来说,《卡萨布兰卡》就是这样的钉子。如果我的影片也能够成为这样的“钉子”,我将知足了。

  ——著名导演 冯小宁  

  《卡萨布兰卡》是一部除了机场迎接德军代表一场是外景外,其余全都在摄影棚内拍摄的小银幕黑白片,说也奇怪,今天看来并不显得十分陈旧。英格丽·褒曼说过,她的发型、服装样式永远不会过时。影片插曲虽然是1931年的老歌,不是专为这部影片谱写,却因这部影片而广泛流行。前几年黑白影片染色问题引起争议时,美国国会通过决议规定25部经典作品不得进行染色,《卡萨布兰卡》也是其中之一。在好莱坞多少部“总是一样的故事”的影片中,《卡萨布兰卡》却能脱颖而出,加上几十年来各国电影理论家不厌其烦地分析研究,著书立说,使得它在电影殿堂里的经典地位已属不可动摇。

  ——著名影评人 高骏千  

  第二次世界大战爆发后,纳粹德国的军队闪电般地横扫整个欧洲大陆。摩洛哥最大的港口卡萨布兰卡云集着各种各样的外来者,他们都试图在这个“避风港”搞到一张护照,到远离战争的美国去。

  在卡萨布兰卡,难民们喜欢去的地方是亚美利加咖啡馆,咖啡馆的老板是里克·布莱恩。他是谜一样的人物,对任何人都守口如瓶,从不暴露自己的想法。

  刚从集中营里释放出来的捷克左翼领导人维克多·拉兹洛和妻子伊尔莎也来到卡萨布兰卡寻求去美国的签证。在里克的咖啡馆,里克和伊尔莎不期而遇。他们以前曾在巴黎坠入过情网,但就在纳粹入侵之前,他们准备一起离开巴黎之际,伊尔莎不辞而别。这使里克感到痛苦并怀恨在心。

  伊尔莎得知里克有出国护照后,便去找他,率直地向里克讲述拉兹洛对世界反法西斯运动的重要作用,请求里克以大局为重,不计儿女私情,交出护照,帮助拉兹洛离境。谁知里克却毫不动心,不愿合作。

  无奈之下,伊尔莎将内情和盘托出,原来他们在巴黎相遇时她已经和拉兹洛结了婚,由于音信不明以为他已死在了集中营里。不料就在她和里克相识并准备同他离开巴黎时,却突然得知拉兹洛没有死,而是身染了重病。妻子的责任和对拉兹洛的崇敬迫使伊尔莎放弃了对里克的爱情。

  与此同时,拉兹洛在一次秘密集会中被纳粹逮捕了。于是,醒悟过来的里克说服警察局长雷诺释放拉兹洛,要他在等到拉兹洛谋取护照时再行逮捕。雷诺被里克说服,释放了拉兹洛。

  随后,里克又秘密通知了拉兹洛,要他在飞往里斯本的航班起飞前10分钟带着伊尔莎到咖啡馆,用10万美元换取两张护照。一切都按照里克的安排进行着。

  拉兹洛携伊尔莎准时来到,取得了飞往里斯本的通行护照。这时,雷诺突然出现了,他宣布逮捕拉兹洛。这个突发事件使拉兹洛和伊尔莎陷入疑惑之中。而当得意的雷诺把诡秘骄横的目光射向里克时,他看到的不是里克的笑脸,而是黑洞洞的一个枪口。里克不容雷诺发问,强迫他立即与机场通话,要他们保证拉兹洛和伊尔莎的安全。

  为了人类的和平事业,里克放弃了他和伊尔莎之间的神圣爱情,当飞机在里克头顶掠过时,里克强忍着内心的痛苦,目送情人远去。

  不久,里克也离开了卡萨布兰卡,加入自由法国的军队,为解放法兰西和人类的和平事业而奋斗。

  狭缝中的人格

  从希腊荷马的史诗《奥德赛》开始,冒险故事所带来的意义往往不仅止于行为,而更含有对历史文化甚或人性的探索和认知。而在《卡萨布兰卡》里,我们体验的是一个从一般类型电影的户外冒险回归到一个狭窄的小酒馆的故事。当然,我们也可以把这个地方视为一个朦胧地带,一个夹在混乱世界中的窄缝。这里充斥着逃避、苟且偷安、萎顿的人群,《卡萨布兰卡》的繁荣建立在匍匐的人性之上,而里克的酒馆于我们观众来说便是一个视窗,我们看到了狭隘的骑墙心理、犯险和犬儒交错的生存哲学。在这样一个被扭曲的现象中,爱情的不确定和承诺的背信仿佛也印证了这个飘忽的年代。

  卡萨布兰卡这个位于非洲摩洛哥西部的港口是个奇特的通道,它被假想成二次大战时,欧洲难民从烽火燎天的欧洲逃向自由天地的跳板。在苦难的时代里,许多有钱有办法的人纷纷逃出断瓦残垣的欧洲大陆,那些没有能力的平民只有留在家乡任受凌割。可是这些从四方各处集合在卡萨布兰卡这块中立窄缝的有钱人过的又是怎样的生活呢?诚如影片中那位纳粹少校所认为的:“在这里,人命是低贱的。”

在卡萨布兰卡,什么事都可能发生,什么东西都可以拿来做交易,当然也包括了尊严。人们所求的只是苟且一命而已,每个人无所不用其极——欺诈、谋杀、出卖肉体、生命的孤注一掷……街头上,在法国贝当将军的画像前就有人被枪杀。在这个乱世里,卡萨布兰卡到处都充满了真实而悲惨的戏剧。

  在徨乱的世界边缘,一间美国人里克开的酒馆就是故事的中心。这间酒馆的对面就是前
往自由天堂的飞机场,天天交替着前来的人群和离开的人群。人们要探听消息,等候班机,甚至想求得通行证都要涌向这里。虽然这间狭小却具有着无比权威的酒馆外表只是个夜总会,而里面却暗藏着赌场、黑市买卖、各种阴谋伎俩、法国游击队、革命领袖……一个名叫山姆的黑人歌手用钢琴弹唱着怀旧的歌曲,俄罗斯轮盘上聚精会神的赌徒永远都不晓得轮盘仅是一架被暗中操纵的机器。在这里没有所谓的道德标准,当然也包括了酒馆老板里克,而这也成了电影的趣味中心。

  《卡萨布兰卡》是好莱坞40年代末至今还令人记得的电影之一。电影中那种浪漫混合着危险的异国情调把男女主角在乱世重逢时各自身不由己的无奈和矛盾挣扎渲染得令人迷炫不已。亨弗莱·鲍嘉那种外冷内热的沧桑男子形象和英格丽·褒曼的娇柔个性,都立下了后来好莱坞浪漫类型电影的角色典范。而在电影故事架构上,民族大义与儿女私情间“大我”与“小我”的矛盾冲突,更加重了本片深入人性心理的感性色彩。(佚 名)

  ☆《谍影疑云》是著名导演希区柯克执导的一部经典喜剧惊悚片,描述一名商人被卷入一宗国际阴谋当中,敌方间谍误将他视做双面间谍,千方百计要杀他灭口,而警方则认为他是刺客,极力追捕。

  本片已面世40多年,但仍是极具娱乐性的作品,尤其片中一场喷农药的飞机追杀男主角的戏已成影史上经典的动作场面——大约,车追人的场面就从此开始。

  ☆《阿拉伯的劳伦斯》被誉为“一部真正伟大的惊险片”、“电影史上最伟大的传记影片之一”。它的独特之处在于将两个往往是不可兼得的方面成功地结合起来——既有宏伟的战斗场面,又对历史人物进行了富有情趣和才智的研究。《时报》杂志曾经评论道:“一次又一次地,宽银幕的巨大的长方形画框就像一个极大的熔炉的门那样敞开着,观众全神贯注地盯住纯净的金子般的沙子熔化的闪光,盯住空旷、灿烂的无垠苍茫,就好像盯住上帝的眼睛一样。”

  ☆经典诙谐的二战名片《虎口脱险》体现了法国喜剧片轻松、跳跃、浪漫的风格。故事讲述了在二战期间,英国空中轰炸队中的一架飞机在执行一次名为“鸳鸯茶”的轰炸任务时被敌机击中,几个机组人员被迫跳伞逃生,并约好在土耳其浴室见面。但他们分别降落在德军占领的法国巴黎市内的不同地点,于是德军展开了全市大搜捕,而其中3位飞行员分别被油漆匠、动物管理员和乐队指挥所救。迫于形势所逼,油漆匠和指挥家只得替代各自所救的飞行员去和中队长大胡子在浴室碰头,几经误会后,他们终于接上了头。此后,飞行员们与德军展开了一场场惊险紧张而又滑稽可笑的生死游戏。最终,油漆匠、乐队指挥和飞行员们一起飞向了中立国瑞士。
小城之春
世界电影史上的经典之作

  中国电影界一致公认的经典性作品

  开创了中国电影史上的心理写实主义、比较完整的散文结构、诗化电影的先河,“放射出让人目眩心惊的光芒”。


  1948年出品

  导 演:费 穆

  主 演:韦 伟 李 纬

  石 羽 张鸿眉

  ·世界一百年电影史上的十部经典名作之一

  ·中国电影九十年的十部经典作品之一

  《小城之春》被誉为“中国电影界一致公认的经典性作品”。香港电影评论界将其推选为“有史以来中国最佳电影”,著名导演张艺谋称自己最喜欢的中国电影就是《小城之春》。

  回顾影片的拍摄历程,我们不难看出它在艺术表现上的一些成功的探索。早在20世纪40年代,中国电影往往写事多于写人写情,而这部影片独辟蹊径,它的人物不多,情节简单,将镜头深入人物复杂矛盾的心灵,揭示微妙的情感关系,是一部典型的心理抒情片。此外,它吸取了中国古典诗词的传统,借物喻人,以景抒情,富有诗情画意,显示了费穆导演的艺术特色,是中国电影史上不可多得的艺术珍品。

  尤其值得一提的是,作为第5代导演的代表人物之一的田壮壮在蛰伏了8年之后,复出的第一部电影就是重拍50年前的这部影片,集结了阿城、李少红、叶锦添等超级幕后班底的新版《小城之春》在国际上获得了广泛的声誉。在谈及这部电影时,田壮壮说:“旧版的《小城之春》好多人都没看过,但它的光彩在今天依旧闪亮。两部《小城之春》是中国电影人相隔50年的对话,也是50年来关于人文精神的继承和延续。”

  我最喜欢的片子有一大堆,不能一一列举,就中国的电影而言,我最喜欢1948年的《小城之春》,我觉得这部影片在当时达到了相当的高度,我们今天看来,觉得还是不能跟它比较。

  ——著名导演 张艺谋  

  关于《小城之春》这部电影,几乎世界上每一个地方,在我能够接触和阅读到的所有文章和评论中,没有不对这部影片的成就感到惊讶,感到很大的震惊,证明这部影片本身的成就是可以肯定的。从电影的角度来看,当然它已经是一件发生了的事情,可能是过去型,但从电影叙述的过程中看,又好像是现在型。影片以多重的意义和解释体现出其现代性,它的主观和客观永远都交错在一起,这样复杂的叙述方法是从来没有出现过的。这部电影中很多的电影语言都显现出极大的张力……我觉得费穆是非常了不起的人。

  ——香港著名影评人、电影导演 舒 琪  

  《小城之春》讲了一个故事,却在多种层面上有不同的意味,是很有意思的。虽然影片讲述的是一个私人化的故事,但在它的影像中处处浸含着“国破山河在,城春草木深”的意境,家国之思无可逃避。影片中所体现的新与旧,道德与情欲,死气沉沉与生命活力之间的对抗更为那个特定的时代做下了意味深长的注脚。

  ——影评人 娜 斯  

  故事发生在抗战胜利后的一个南方小城里。又一个春天到来了,乡绅戴礼言和他的一家——太太周玉纹、妹妹戴秀,还有仆人老黄过着一如平常的日子。礼言在战争中失去了家产,重病缠身,丧失了面对现实的勇气,终日郁郁寡欢。妹妹戴秀倒是开朗活泼,对未来充满了美好的幻想。面对着家宅破败的局面,太太玉纹与丈夫礼言过着平淡无味的生活,夫妻之间相敬如宾,实则已没有感情可言。

  这种沉闷的生活被从外面闯入小城的青年医生章志忱打破了。他是礼言分别8年的朋友,也是玉纹过去的情人,当年他们的感情很好,却被玉纹的母亲拆散了。然而造化弄人,现在玉纹的母亲死了,但她却又有了丈夫。

  章志忱住在戴家,为礼言看病。他的到来让玉纹已如止水的心泛起了巨大的波澜,两个人常常背着礼言约会,谈起往日的岁月都唏嘘不已,志忱对玉纹已成他人之妻的现状无可奈何。他们的感情受着“礼义”和“忠信”的束缚,剪不断,理还乱。

  礼言的妹妹戴秀喜欢上了志忱,礼言和玉纹谈起了这件事,想让玉纹给妹妹说媒,而自己去跟志忱说,但是玉纹从心底反对此事,拒绝了他的要求。在和志忱谈话时,玉纹向他透露了这件事,志忱也拒绝了。

  这天正是戴秀的生日,几个人摆宴庆祝,心情烦闷的志忱和玉纹都喝醉了。礼言通过他们两人的举止,对他们的特殊关系猜到了几分。过后,他经过左思右想,觉得不应该拖累妻子一辈子,于是决定成全他们两个,而自己吞了安眠药想自尽。

  经过抢救,礼言重新活了过来。通过这次波折,玉纹也重新认识了自己与丈夫的感情,她选择了与丈夫重新生活,而志忱也决定离开小城。一个春日的早晨,玉纹、礼言,还有妹妹戴秀在城头上为志忱送行,他们目送志忱向外面的世界走去。

  《小城之春》:发现玉纹

  影片女主角玉纹的形象确乎挣脱了黑白色和年代久远的银幕之限,七彩斑斓地站在21世纪的观众面前。电影人喜欢说“发现费穆”,而我从观众角度讲,愿意说“发现玉纹”。

  可以说,玉纹是一个被伦常礼教束缚住的红颜女子,在她身上体现着国性与知性。玉纹的悲哀是无从回避的:从前的情人的归来掀起了她内心的波澜,而患病的丈夫一直在替自己着想,他是无辜的。从伦理的角度说,玉纹不应当离弃丈夫,欲望只能泯灭。一边是人伦,一边是人欲,玉纹所在的两难处境很容易勾起千千万万中国女人或多或少,或感同身受或耳闻目睹的响应。

  在影片里,人伦没有被一昧地批判丑化,人欲也没有被西方笔法描绘得轰轰烈烈,一发不可收拾,而是切合国情、众所周知地曲折隐晦。伦理意识的积淀如此厚重,以至上床也未必能解决得了它,一次越矩的交合算不了冲破茧缚。正因为如此,玉纹采取的听天由命的态度才真正抓住了国人的痛处。

  玉纹的形象洋溢着的知性美在国内电影作品里的女人中是罕见的。她的智识首先流露在影片开始部分自言自语里的一丝自嘲和冷笑;知性更指她对自己的悲剧性处境的深刻自知。事实上,她不抱幻想,出走的愿望也并非特别强烈,对自己的命运,她了然于胸。由于了然于胸,她对病榻上的丈夫的坚拒冷感才那么令人不寒而栗,对旧情人的探试、绝弃才那么咄咄逼人,含着一丝不易觉察的捉弄意味。

  影片似乎在人伦与人欲之间找到了某种平衡,人伦与人欲没有相互剿杀吞噬,两种声音都有理有节地表达了自己,影片显出一种平衡周正的美感,规矩方正与春意荡漾在此互相映衬,互为表里,相安无事,相得益彰。至少,它符合人们在情感上的挫折经验和过着缺乏爱情的婚姻生活的实况。联想到影片的拍摄背景,1948年,国共战争正当如火如荼,而编导置战火纷飞、风雨飘摇的时局世事于不顾,聚焦于一个抽离了党派政治的侵袭滋扰的小城一隅,对巨变前夕的若干中国人进行有如实验室里的显微镜和手术台上的手术刀般的细剥慢嚼,实在需要胆量、注意力和天赋。历史证明,它比那些趋炎附势的影片更有生命力,强上何止千百倍。在历史的这个关口,用这样一个题材来表达自己的艺术理念,展示自己的全部电影艺术技巧,说出自己关于人伦与人欲的思考,显示对政治的不屑一顾,没有人比费穆的选择更绝妙,也更伟大的了。
《小城之春》:影坛上永不凋谢的奇葩

  《小城之春》是我国著名电影导演、艺术家费穆为中国电影艺术宝库贡献的一部极其优美的电影精品,它为我国的电影事业赢得了世界性声誉。影片的突出特征在于以优美、精致的艺术形式,真实生动地表现了中国知识分子的人性情感、道德伦理、民族心理和行为方式。整部影片贯穿着一条情与理的冲突线,然而却以“发乎情止于礼”终结。


  中华民族有着悠久的文明历史,从而也就形成了具有民族特征的人生哲学、伦理原则、道德操守,它以集体无意识的自觉行为贯穿于人们的整个人性精神世界。影片正是通过夫妻、情人、朋友、兄妹之间的感情纠葛与矛盾冲突,极富于民族文化个性地揭示了中国人的情感与道德风貌。更加可贵的是,在情感与理义的矛盾冲突上,艺术家分寸得当地把握住了高尚的道德意识与伦理的界线,体现出了一种完美的人格和真挚的人性,这正是本片长久的艺术魅力所在。

  《小城之春》从人的内心世界角度,通过情感世界与现实关系的矛盾,揭示了人的道德意识。影片充分肯定了人的精神、情感、人性需求的正当性。但影片中的人物毕竟是中国传统文化熏陶下成长的知识人士,不论他们在感情上经受多大痛苦,最终总是服从礼义的约束和道德的规范,这是符合中国文化人的做人准则的,因而也是令人信服的。影片在艺术表现上是细腻的、优美的,体现出了中国知识分子丰富完美的人性美。

  《小城之春》是一部风格化比较强的影片。影片中只出现了妻子、丈夫、朋友、妹妹、仆人5个人物,在小城中再未出现其他人影,这样的环境表现,表面看似不真实,然而它正体现了一种独特的净化的造型风格。这是为了更突出、更集中、更清晰地体现感情世界的人物关系。影片中多次展现荒凉的小城城头,既含蓄地隐喻当时的时代背景,也烘托着女主人公的精神世界,使人物的情感与环境浑然一体,产生了一种含蓄幽深的意境,令人回味无穷。总之,这部影片在各方面都取得了很大的成就,堪称一部艺术精品。(佚 名)

  ☆《一江春水向东流》是一部在中国电影艺术史上占有极其重要地位的经典名作,它在思想性与艺术性两个方面都具有特别突出的成就。影片以抗战前后为背景,通过普通百姓张忠良一家人的悲欢离合,真实生动地展映出中华民族在生死存亡的漫长历史时期各阶层的面貌,反映了沦陷区和国统区官僚资产阶级、汉奸、抗日进步力量、劳苦大众的生活图景,揭露并抨击了反动势力的罪恶本质,歌颂了抗日力量的强大和不可战胜,表达了对中国劳苦大众的深切同情。

  ☆《万家灯火》是著名导演沈浮的代表作,也是20世纪40年代中国电影的代表作品,更被认为是战后“灵魂的写实主义”的代表作。它通过小知识分子胡智清一家的生活变化,表现了40年代末国民党统治区通货膨胀、人民失业、市民破产等黑暗的社会现实,描写了社会底层人物的痛苦、悲哀以及他们的觉悟和成长过程。《万家灯火》公映后,在国统区引起了震动,受到了电影界人士的一致好评。真切的人生感悟和圆熟的银幕表达技巧,使得本片具有平淡朴实而又意蕴丰润的写实风格,并被誉为是中国民族电影宝库中的一朵奇葩
罗生门
挖掘人性丑恶的巅峰之作

  在国际影坛上产生重大影响的第一部日本影片

  “有史以来最有价值的10部影片”之一,标志着日本的电影艺术进入了一个新纪元。


  1950年出品

  导 演:黑泽明

  主 演: 三船敏郎

     京町子

     森雅之

  ·第二十四届奥斯卡最佳外语片奖

  ·一九五一年威尼斯国际电影节金狮奖

  ·意大利电影评论奖

  影片《罗生门》是由著名剧作家桥本忍根据名作家芥川龙之介创作于1921年的短篇小说《筱竹丛中》改编的,是大导演黑泽明的惊世之作,被誉为“有史以来最有价值的10部影片”之一,历经半个世纪的时光依旧光彩夺目。

  《罗生门》对于日本电影登上世界影坛和进入国际市场起了开路先锋的作用,它是东方电影首次在国际电影节中获奖的里程碑式的作品,为东方电影敲开了国际影坛的大门。

  影片以一宗案件为背景,描写了人性中丑恶的一面,揭示了人的不可信赖性和不可知性,然而其结尾的人性化转折又将原有的对整个世界的绝望和对客观真理的疑惑,一改成为最终强调人的可信,赞扬人道主义的胜利和道德的复兴。积极的主题和新颖别致的结构,以及由此而形成的传奇色彩,使得《罗生门》获得了普遍的赞誉。

  《罗生门》上映后,先是在欧洲引起轰动,继而又在美国掀起“黑泽明热”,黑泽明也因而被誉为“世界的黑泽明”。

  《罗生门》首先使我们产生兴趣是因为它是一部电影艺术的杰作。除此以外,它还有相当重要的历史意义,因为是这部影片向全世界介绍了一个称做日本电影的一整套民族类型。在《罗生门》成功之后,我们就开始看到川流不息的、美丽而令人赏心悦目的日本影片,这增加并丰富了我们的电影经验。

  ——美国著名影评家 唐纳德·里奇  

  我第一次看到的黑泽明的电影是《罗生门》,我一下子被它迷住了。……在50年代,《罗生门》被批评为将日本的愚昧和倒退暴露给外国人看——这种指责今天看来是愚蠢可笑的。在中国,我也曾面对过同样的怒斥,而我用黑泽明来作为我的盾牌。也许20或30年后,中国人将不会再用那种狭隘的眼光来看我的作品。

  ——著名电影导演 张艺谋  

  《罗生门》是一部令人难忘而影像丰富的绝好影片。在片中,太阳的光线被假借为电影语言的一种被超乎想像地加以运用,可能这是过去日本电影中所表现的流动美的最光辉的范例。面对着太阳犯罪,面对着太阳达到从犯罪中获得愉悦的极致,这样的拍摄方式大概在以前的日本影片中是没有的。罪也好,恶也好,一般都以为表现于微暗的黑夜最合适,而周围的气氛常常是阴森而郁闷的。可黑泽明的电影则非要把这一切都暴露在烈日之下,更有力地揭示了人的无可比拟的罪孽。黑泽明在这里使一种电影样式纯粹到结晶的程度,而这种样式,对于人是可信赖的和人是不可信的这样用言语来表达的观念,可以说是一种重大的突破。

  ——日本电影评论家 佐藤忠男  

  故事发生在12世纪的日本,在平安京发生了一件轰动社会的新闻,武士金泽武弘被人杀害在丛林里。作为证人,樵夫、凶手多襄丸、死者的妻子真砂、借死者的魂来做证的女巫都曾被招到纠察使署,但他们都怀着利己的目的,竭力维护自己,提供了美化自己、使得事实真相各不相同的证词。

  这一天,大雨倾盆,烟雾迷蒙,在平安京的正南门——罗生门下,行脚僧、樵夫、杂工3人一起在这里躲雨,谈着谈着,他们就聊到了这件事。

  樵夫说,3天前他上山砍柴,在一片树丛里发现了一具男人的尸体,他就近报了官,被传到了纠察使署……实际上,他掩盖了自己因贪图小便宜而抽走了尸体胸口上的短刀的行为。

  樵夫说凶手多襄丸是个有名的大盗,但他在事后很快就被抓到了。因为他恰巧喝了山沟里的泉水染了毒,所以抓来不费吹灰之力。

  在审问中,多襄丸对自己的作案经过,是这样述说的——那天,他在林子里看到金泽武弘牵着他妻子真砂的坐骑走了过来,便为真砂的美貌所倾倒。于是便用诡计将武弘骗到丛林深处,在同武弘的搏斗中将其缚住,接着占有了真砂。本来他不想杀害武弘,可真砂让他们两个人决斗,并说“哪个活下来,我就跟哪个”,多襄丸于是给武弘割断绳子,和他决斗起来,终于把他一刀砍倒。等他再寻找真砂时,她已经吓得逃之夭夭了。

  行脚僧却补充说,当时在纠察使署里,真砂是这样说的——她被多囊丸蹂躏之后,受到了丈夫的蔑视,这让真砂感到受了极大的刺激。于是悲愤之中,真砂就晃晃悠悠地扑向了武弘……可等她醒过来一看,那把短刀已插在丈夫的胸口上,他已经死了。后来她想自杀,但终于怎么也没有死得成。

  行脚僧又向杂工和樵夫说出死了的武弘借女巫之口说出来的话——多囊丸强奸真砂以后,就要真砂和他一起走。谁料真砂同意了,但却让多囊丸先杀了武弘,多囊丸也没想到真砂竟是这样的女人,就问武弘应该怎样处理她,听了这话,真砂跳起身向树林深处逃走了,多襄丸向她追去。这时武弘拾起短刀,朝自己胸膛猛力一刺……

  三个人就这样争争吵吵,纷纷慨叹人心叵测,不知道什么是真,什么是假。

  正在这时,隐约传来婴儿的哭声。他们循声找去,看到了一个被遗弃的婴儿。杂工上去把婴儿的衣服剥了下来,樵夫骂他是恶鬼,杂工申辩说,生了孩子又把他丢掉的人那才是恶鬼呢!又揭露了樵夫偷拿了武弘尸体上的短刀的行为,说得樵夫哑口无言。

  杂工走了,深受触动的樵夫收养了婴儿,行脚僧感动地说:“亏得你,我还是可以相信人了。”

  雨停了,在夕阳的余晖中,行脚僧目送着樵夫抱着孩子渐渐走远……

  我眼中的黑泽明

  在1978年考入北京电影学院之前,我对电影这门艺术一无所知。“文革”已告终结,我在农村务过农,在工厂当过工人。我想读大学,为的是改变我的命运。

  一年后我第一次看到了黑泽明的电影,是《罗生门》,我一下子被它迷住了。几年后,在戛纳,我坐在一个不起眼的位置上,亲眼目睹了黑泽明接受终身成就奖,他受到了东西方人民的热爱和崇敬。我从未和他相遇,尽管曾经有过一次机会。有一次,我去东京办事,一位日本友人建议我去见见黑泽明。我不敢去。无论如何,他是一位享誉全球的大师。在电影的王国里,我那时不过是个小人物。
黑泽明于1910年生于东京,是他那个严厉的军人父亲的第7个孩子。早年他爱的是油画和文学,包括那时已经风靡日本的西方文学。这些兴趣将会变得极其重要并且贯穿他的艺术生涯。在他的影片里,可以明显地感受到一个画家的眼光,尤其是在他极尽豪奢的晚期作品里。一开始,他是作为一个年轻的导演助理和电影脚本撰稿人闯入电影界的,33岁那年执导了他的第一部电影。此后,他完成了《醉天使》,被评论界认为是第一部真正的黑泽明电影。


  《罗生门》使黑泽明得以走向外面的世界,同时,他与名望的不愉快的关系也就此开始并贯穿了他的整个事业。像斯坦利·库布里克一样,他拥有艺术的力量可以不去做政治和商业上的妥协。但《罗生门》的制片人不理解这部电影,致使它在赢得国际表彰之后才在自己的国家得到青睐。从那以后,黑泽明还是会碰到财政上的困难,哪怕是拍《保镖》这样的一流大片。他后期的电影是由好莱坞支持制作的,资金则来自乔治·卢卡斯和弗朗西斯·福特·科波拉。

  1998年他逝世时,已是《罗生门》问世40年之后,黑泽明在日本实际上已经被人遗忘。

  在他那些有关勇士的电影之外,黑泽明还讲述了当代日本普通人的尖锐的故事。在《高与低》中,三船敏郎扮演的富商受到了贫穷的绑架者的折磨即是一例。这些电影的现实性对我产生了巨大的影响,也对普通人产生了影响。透过黑泽明的电影,我们都能体验到日本的灵魂和日本人民的内在力量。但他自己的国民,大多还是谴责他拍电影是为了让外国人去消费。在50年代,《罗生门》被批评为将日本的愚昧和倒退暴露给外国人看——这种指责今天看来是愚蠢可笑的。在中国,我也面对了同样的怒斥,而我用黑泽明来作为我的盾牌。也许20或30年后,中国人将不会再用那种狭隘的眼光来看我的作品。

  作为一个拍电影的人,我敬畏黑泽明电影中宏大的景象,尤其是战争场面。

  黑泽明使我明白,当走向外面的世界时,要保持国人自己的性格和风格,这是他给亚洲电影人上的很重要的一课。(张艺谋)

  ☆黑泽明的《七武士》是日本电影史上大型古装现代片的开山之作,在战后多次有关电影史上的名片评选中始终名列前茅。影片讲述了在日本的中古时代,七位武士在道义的驱使下,带领一个穷山村的农民击溃了山贼的进犯,保卫了家园。简单的情节,不多的人物,简陋的武器和更加简陋的场景,这一切在黑泽明的演绎下构成了一场真正的战争,一场关乎道义、关乎生死存亡的残酷战争。《七武士》成为全球影迷心目中“日本电影”的代名词,也是日本电影人心目中作为兼收并蓄东西方文化的当代电影的典范。

  ☆《影武者》是黑泽明费时5年的倾心之作,也是1980年名噪世界影坛的巨片,被奉为黑泽明武侠片的经典之作。本片曾在1980年的戛纳电影节上获得大奖——金棕榈奖。西方影坛对此片赞誉备至,有人说:“日本古装片的优良传统将由黑泽明这部影片得到恢复,并达到新的顶峰。”

  ☆《乱》被视为日本电影史上一部震惊国际影坛的伟大作品,也是一部体现人际关系的巅峰之作。影片的题材取自日本战国时代的一则寓言故事,但主要架构则加入莎士比亚的名剧《李尔王》的观点,因而融和了黑泽明的创作光华与莎翁脍炙人口的剧情的《乱》,营造出不可思议的感动力。黑泽明在本片中将其炉火纯青的编导技巧发挥到最高境界,不仅实现了他对电影的执着理想,也获得了国际的肯定。该片耗资达26亿日元,创日本电影制作的最高记录,被国际影坛公认为是改编莎翁剧作的典范。
罗马假日
一部影响深远的电影,充满了艺术的美感

  轻松、自然而富有情趣的文艺片

  一个温馨悦目的浪漫爱情故事


  一部历久不衰的轻喜剧_

  1953年出品

  导 演:威廉·惠勒

  主 演:格利高里·派克

  奥黛丽·赫本

  ·第二十六届奥斯卡最佳女主角、最佳电影故事、最佳服装设计

  ·美国百部经典名片之一

  罗马是一个梦想中的城市、历史上的繁华古城、银幕上的浪漫情史的发生地,而许多人对罗马的视觉上的认识更源于一部著名的电影——《罗马假日》。

  《罗马假日》是爱情文艺片的典范,片中毫无大制作大场面,情节也简单得很,但清纯的公主和年轻的记者之间的爱情感动了每一个人,那种单纯的爱时至今日仍被许多人留恋,格利高里·派克和奥黛丽·赫本的成功出演以及罗马的街头风景成为了世界经典。

  此片播出后,奥黛丽·赫本所饰演的安妮公主风靡了整个欧洲,赫本也因此一举成名,并掀起时尚狂潮。很明显,她让这世上的女人们在她的身上看到了自己,她既是灰姑娘,又是公主;既是时尚的演绎者,又是乡下刚进城的贫家女;她既成熟又天真;既是男人眼中的可人儿,又是女人心中不屈不挠的坚强化身。她成为时尚的典范和象征人物,她不仅提供了一种穿着的品味,更启发了女性对自我形象的扩展。人们开始为影坛出现这样一个清新隽永、纯洁可爱的形象而欣喜若狂。赫本从此以后的事业果然一帆风顺,成为欧美影坛上一颗耀眼的明星。

  就影片的娱乐效果和艺术价值而言,《罗马假日》是一部叫好叫座的经典之作。导演威廉·惠勒将罗马的名胜风光生动地溶入剧情之中,英俊潇洒的格利高里·派克亦与奥黛丽·赫本十分般配,将一部浪漫爱情喜剧演绎得十分温馨悦目。

  ——著名影评人 唐 瑶  

  如果没有奥黛丽·赫本,《罗马假日》也许不会获得如此大的成功,也许不会有今日的经典地位。而23岁的赫本第一次主演电影就荣获奥斯卡最佳女主角奖,可谓绝无仅有。时近50年,《罗马假日》仍是浪漫爱情电影之代表,至今无出其右。

  ——网友 阿 乌  

  这部浪漫爱情喜剧几十年来一直是电影观众和影评人必提的经典。在科技发达的今天,几乎所有的老片都被处理成彩色,只有包括本片在内为数不多的几部黑白影片遭到禁止。无论从哪个角度来看,它的艺术性都完美无缺,堪称黑白片时代的完美佳作。

  ——佚 名  

  《罗马假日》像一张朴素别致的小小圣诞卡,令我深深体味梦幻般的浪漫,又像可口可乐,甜蜜里带有一丝苦涩,你会希望天天喝到它。

  ——网友留言  

  大不列颠王室的安妮公主作为王位继承人将出访欧洲的各大城市,消息传出,引起了极大的轰动。

  欧洲之行的最后一站是罗马,安妮公主很想尽情地饱览一下她的优美风光,可侍从们以公主身份高贵、不宜在黎民百姓面前抛头露面为由拒绝了,并给她注射了镇静剂,公主假装睡着了,待侍从们出去后,她偷偷越窗溜了出来。然而没逛多久,医生给她注射的镇静剂就发生了效力,她在广场附近喷水池边的一条长椅上迷迷糊糊地睡着了。

  这时,美国新闻社的穷记者乔·布莱德里恰好经过这里,以为这是一个在狂欢中被灌醉的少女,就租了一辆出租车想把她送回家,可是公主睡得特别沉,怎么也叫不醒,无奈,乔只好把她带回了自己的住所。

  第二天,报纸上的特别公告使乔意识到他带回的少女就是安妮公主,于是他欣喜若狂,打算写一篇关于公主内幕的独家报道。公主醒后发现了陌生的乔,乔连忙解释,公主才安心了。她向乔借了一些钱,然后告别了他,又到罗马大街上闲逛了。

  乔连忙给他的摄影师朋友欧文打电话,同时跟踪公主,在花园广场上佯装和她偶遇,便自告奋勇地要为公主做导游,骑着摩托车带着她游览罗马城,同时,欧文也驾驶着小汽车跟在他们后面,拍下了许多珍贵的镜头,而这一切,公主浑然不觉。

  公主的失踪引起了人们的惊慌,国王秘密派出了许多便衣四处寻找公主的下落。乔带领公主来到水上舞厅参加舞会时被便衣警察发现了,他们请公主和他们回去,而公主坚决不肯,警察们要强行绑架她回去,乔和欧文同他们撕打起来,而任性调皮的公主也大打出手,十分开心。趁着混乱,乔带着公主逃之夭夭……

  一天过去了,公主终于要回宫了,可此时她和乔发现彼此间擦出了爱的火花,坠入了情网。怎奈公主毕竟是公主,平民终究是平民,两人只能依依惜别。乔抛弃功成名就之良机,将照片送予公主留念,在深情的四目对望中,公主轻轻地对乔说了声再见……

  体验《罗马假日》的爱情故事

  美丽的神话源自于古老的传说,现代的童话则出自文明古城,短暂的造访成就了流芳百世的浪漫经典——《罗马假日》,一段永难忘怀的愉快经历,一段感动人心的爱情故事。

  美国好莱坞经典影片《罗马假日》中男女主角演绎的那段爱情故事让我感动,也使我充满了对罗马这个城市的兴趣。今年7月,我有幸踏上了罗马这块令我神往的土地。

  罗马这座历史古城处处都散发着浓厚的文化底蕴。按当时的古罗马城市规划,以威尼斯广场为中心,向四周辐射,构成了古罗马的城市建筑群。帝国大街两侧是古迹最集中的地方,大街以东是著名的罗马竞技场,它是为了纪念征服耶路撒冷的胜利,强迫数万名犹太俘虏于公元80年建造的。随着光阴的流逝,竞技场早已百孔千疮,留下的只是残垣断壁。在竞技场旁边是君士坦丁凯旋门,上面雕刻着各种雕像和铭文,兴建凯旋门的目的是为了庆祝古罗马对外作战的胜利。当将军得胜归来,罗马行政长官和长老院的议员在前面带队,后面有号手和锁着铁链的战俘,他们沿着圣道,直奔神殿。市民们站在圣道两侧高呼口号,对胜利者表示欢迎。离威尼斯广场不远的古罗马集会场是古罗马的政治活动场所,市民们常到这里来看古罗马政府公布的告示、听对犯人的审判,或者聚集在这里讨论和交换对时政的见解。

  漫步在广场上——这里曾是电影《罗马假日》的一个场景,傍晚的霞光洒落在一级级的石阶上,仿佛又回到了影片中安妮公主在这里游玩的情景。如果你不介意,花2000意大利里拉向小贩买一个冰淇淋,悠闲地坐在石阶上,一边品尝一边欣赏着广场上的景色,体验一下安妮公主在这里与男主角相识相爱的爱情故事,你不觉得爱的无私、神圣、崇高和伟大吗?
《罗马假日》中爱情停止的地方

  这个世界上,总有些东西堪称永恒,电影《罗马假日》就是其中之一。半个世纪以来,数以亿计不同种族、国籍和年龄的观众,被银幕上大不列颠公主安妮和美国记者乔·布莱德里的爱情深深打动——尽管他们的邂逅只持续了短短24小时。


  爱情电影最大的悖论是:爱情没有模式,但爱情片却必须有套路。也正因如此,很多时候我们会看到大量千篇一律的爱情故事,从一块银幕被复制到另一块银幕。然而《罗马假日》是不可复制的,它是一部糅合了悲剧与喜剧的全部要素,却又把感情的分寸拿捏得恰到好处的影片。他们的相逢喜而不俗,他们的离别哀而不伤,增之一分减之一毫都会过火。从这个意义上讲,导演威廉·惠勒属于那种不出世的天才,他用一种很有节制的笔触,令这段爱情逐渐走上高潮,然后就让它停留在最美的一个点上。

  上世纪70年代,曾经有人想拍摄《罗马假日》的续集,让两位主人公的后代来接续他们的情缘,但最终没有成功——这甚至可以说是一件幸事,因为自那个点后,一切美丽都会不可阻挡地消逝。相爱的两个人生活在同一个时间和空间里,却永远相望而不能相见,这是“刻骨铭心”4个字的最好注解。

  《罗马假日》是方形银幕时代的最后一场繁华,奥黛丽·赫本则是神殿中的最后一尊神像。从那个1953年爱情停止的地方开始,好莱坞由神话时期进入英雄时期,直到大约20年后,它又被现实主义的人间所取代。

  有意思的是,从《罗马假日》大约再往前追溯另一个20年,1934年,正是开创了这个神话时期的《一夜风流》公映的那一年。对比这两部喜剧风格的影片,我们会发现它们在基本剧情上有着惊人的巧合。都是富家女简装出逃,都是半途偶遇英俊的青年记者,都是爱情与身份选择两难——惟一的差别或许只有结局,《一夜风流》收于团圆而《罗马假日》止于哀怨。就在这一喜一悲之间,跨越了整整一个时代。

  今天,好莱坞的主流不知又经历了几轮更替,《罗马假日》的繁华更已经是50年前的历史。21世纪的人们又能留下点什么东西让半个世纪后的人们去凭吊? (王 崴)

  ☆《一夜风流》改编自杂志上的一篇爱情故事,描述富豪千金艾丽因迷恋一名飞行员但遭父亲反对愤而离家,搭长途巴士赴纽约途中遇上失业记者彼得,两人因争夺座位而结识。彼得发现报上登有艾丽父亲的悬赏启示,因此对她多方照顾,却不料这趟甘苦与共的旅程最终使两人坠入爱河……

  全片格调简洁明快,单一的剧情铺陈却在两位男女主角鲜活、爽朗的表演下显得丰富有趣,同时它是奥斯卡史上第一部囊括了最佳影片、导演、改编剧本、男主角及女主角5项奥斯卡大奖的电影,此纪录保持了足足40年。

  ☆由著名影星朱丽娅·罗伯茨和休·格兰特联袂主演的影片《诺丁山》是一部浪漫的爱情喜剧,“一个普通人与一个名人不可思议地相遇、相爱,他们的生活会变得怎样?”这是影片的切入点。朱丽娅·罗伯茨在片中饰演一位著名的明星,而休·格兰特只是一家旅游书店的老板,由于两人生活背景和环境的巨大差异,无论是他们自己还是别人都怎么也想不到他们之间还会发生感情纠葛,但就当他们偶遇在诺丁山附近之时,故事发生了……一切就如同影片的宣传语所说的那样——“缘分总是有些突然,爱情让人迫不及待”。

后窗
 希区柯克悬疑影片的经典之作

  充分体现了希区柯克影片在艺术性和娱乐性上的高要求

  电影史上的一颗璀璨明珠


  1954年出品

  导 演:

 阿尔弗雷德·希区柯克

  主 演:

 詹姆斯·斯图尔特

 格蕾丝·凯莉

  ·好莱坞悬疑片的代表作

  ·美国百部经典名片之一

  每一个时代都有这样的一些名字,一些象征着成功、精彩、受欢迎和财源滚滚的名字,在今天,这个名字是乔治·卢卡斯,是斯皮尔伯格,而在20世纪40年代到70年代的30年间,这个名字就是阿尔弗雷德·希区柯克。

  希区柯克无论在任何时期都可以称得上是一名最佳导演,他开创了恐怖悬疑电影的新世界,其导演风格影响了一批又一批人,许多导演都称自己是希区柯克的学生,评论家也把他称为“影坛的莎士比亚”。

  希区柯克执导的影片最终的目标是展现出人性最深层的恐怖和最异常的思想,因而尽管他的影片没有我们现在所崇尚的各种特技和特效,但仍然极具悬念,发人深思。

  《后窗》便是希区柯克悬疑影片的代表作之一,它制造出了恐怖与悬念的气氛,形象地发掘出了每个人的内心深处隐藏着的喜欢偷窥的心理。影片以《后窗》为名似乎蕴涵了某种意义——门紧闭着,打?


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后窗
希区柯克悬疑影片的经典之作

  充分体现了希区柯克影片在艺术性和娱乐性上的高要求

  电影史上的一颗璀璨明珠


  1954年出品

  导 演:

 阿尔弗雷德·希区柯克

  主 演:

 詹姆斯·斯图尔特

 格蕾丝·凯莉

  ·好莱坞悬疑片的代表作

  ·美国百部经典名片之一

  每一个时代都有这样的一些名字,一些象征着成功、精彩、受欢迎和财源滚滚的名字,在今天,这个名字是乔治·卢卡斯,是斯皮尔伯格,而在20世纪40年代到70年代的30年间,这个名字就是阿尔弗雷德·希区柯克。

  希区柯克无论在任何时期都可以称得上是一名最佳导演,他开创了恐怖悬疑电影的新世界,其导演风格影响了一批又一批人,许多导演都称自己是希区柯克的学生,评论家也把他称为“影坛的莎士比亚”。

  希区柯克执导的影片最终的目标是展现出人性最深层的恐怖和最异常的思想,因而尽管他的影片没有我们现在所崇尚的各种特技和特效,但仍然极具悬念,发人深思。

  《后窗》便是希区柯克悬疑影片的代表作之一,它制造出了恐怖与悬念的气氛,形象地发掘出了每个人的内心深处隐藏着的喜欢偷窥的心理。影片以《后窗》为名似乎蕴涵了某种意义——门紧闭着,打开后窗,那是另一个被我们所忽略的世界。

  在悬念片和恐怖片领域里,希区柯克称得上是当之无愧的开拓者,他所开创的“希区柯克模式”对年轻一代的导演产生了深远的影响。

  ——美国著名导演 史蒂芬·斯皮尔伯格  

  希区柯克电影中的对白是世界上最精彩的,电影语言的表达也是无与伦比的。像其他少数电影天才一样,他对电影事业的发展起到了巨大的推动作用。

  ——安德烈·巴赞  

  使我感到无比震撼的是:在他的影片中,所有的爱情场景都拍得像凶杀的场面,而那些凶杀的场面又都像爱情场景……在希区柯克的作品中,爱情与死亡的主题是紧密联系在一起的。

  ——弗朗索瓦·特吕弗  

  希区柯克是个伟大的导演,我有幸与他合作过4次。我个人最满意的作品是《后窗》,我在片中扮演的角色难度非常大,他必须整天坐在轮椅上。希区柯克通过观众的反应来渲染影片的紧张气氛,事实证明这是非常有效的。由于他的巧妙处理,观众也参与到影片的情节中来了。希区柯克比任何人都更擅长制造银幕上的紧张气氛,许多人都在模仿他,但是没有人能在电影中再现希区柯克模式的恐怖效果。

  ——本片主演 詹姆斯·斯图尔特  

  摄影记者杰弗瑞由于一次意外而摔断了一条腿,经常到处周游的他如今也不得不在轮椅上度过一段无聊的日子了。时值纽约的盛夏,周围的邻居们日夜都敞开窗户,闲来无事的杰弗瑞总是喜欢透过后窗观察周围的邻居们——一位体态迷人的舞蹈女演员每天都身穿胸罩短裤、迈着优美的舞步干家务;一位独居的作曲家经常坐在钢琴前创作;一对无子女的夫妇常常在3楼阳台上消暑,每天把小狗放下去玩耍;2楼推销商苏先生的妻子久病卧床,不时可以看见两人口角;1楼的单身女子似乎总也找不到伴侣,被杰弗瑞称为“寂寞芳心”;一对新婚夫妇搬进公寓后就忙不迭地亲热,随即便放下窗帘,此后就难得亮相了……杰弗瑞也并不寂寞,因为如慈母般耐心照料他生活的护士斯泰拉和聪明美丽的女友莉莎经常陪他聊天。

  一次,杰弗瑞看到对面窗口的推销商夫妇又一次发生了争执,当晚他就发现那个苏先生3次冒雨拿着大皮箱走出家门。第二天,杰弗瑞发现苏先生正在包裹刀和锯条,苏太太也从她卧病很久的床上消失了。3楼的小狗在楼下玩耍时,总爱在花坛边不停地刨着什么……一切都令杰弗瑞不安。莉莎来了,她也注意到苏先生正在准备一个大箱子,还从太太的包里拿出首饰、戒指,两个人由此得出苏先生杀人分尸的结论。

  于是杰弗瑞找来当警察的老友调查此事,但对面楼的房东却说苏太太乘着夜间车去外地疗养了,老友对杰弗瑞和莉莎的杞人忧天不无嘲讽。可过了不久,那只小狗被杀了,杰弗瑞、莉莎和斯泰拉再度紧张起来,为了找到真凭实据,两位女士决定亲自出马。

  莉莎在苏先生家中寻找证据时被堵在屋子里,幸亏杰弗瑞及时报警才使她免遭毒手,为了除掉后患,苏先生很快找到杰弗瑞,试图杀人灭口,正当两人扭打的时候,老友带着莉莎和警察赶到,但杰弗瑞还是从楼上摔了下去。

  又是一个白天,“寂寞芳心”小姐在作曲家的屋里正欣赏着他的作品;苏先生的住处在重新粉刷;又一只新的小狗出现了;女舞者和一个矮矮的士兵相恋了;新婚夫妇还是经常挂着窗帘……一切又似从前又有了改变。杰弗瑞的双腿都敷上了石膏,莉莎静静地伴在他身边。

  希区柯克的“后窗”

  希区柯克的电影风格可归结如下:细致深刻的心理刻画,讽刺性的幽默,当然,还有扣人心弦的悬念。但是,希区柯克所贡献给电影艺术的绝对不仅仅是纯电影的技巧,就像他的电影中的人物往往有多重人格一样,希区柯克的电影人格也是多重的。他是悬念大师,也是心理大师,更是电影中的哲学大师。很少有人能像他那样如此深刻地洞察到人生的荒谬和人性的脆弱。希区柯克的电影是生与死、罪与罚、理性与疯狂、纯真与诱惑、压制与抗争的矛盾统一体,是一首首直指阴暗人心的诗。

  希区柯克在他的电影中淋漓尽致地表现了愤世嫉俗的人生观。他想要告诉人们的似乎是,在美国人正常的表面之下,暗藏着最惊人的政治腐败、道德沦丧、心理异常和性变态。在他看来,在美国人的生活中,最有趣然而也是最可怕的是人们对平庸的心满意足。但是这种平庸的生活实质上是最不正常的,其中的一个标志就是美国人对看电影的热衷,而这实际上体现了美国人的窥视狂倾向。窥视狂成了希区柯克的电影要揭露的一项重要内容,这在影片《后窗》一片中得到了最为彻底的表现。

  《后窗》粗看似乎只是一部平常的侦探片,而深入其内部我们才发现这实际上正是“看电影”的寓言。当杰弗瑞拉开公寓后窗的窗帘,也就预告着一部电影的上演。坐在轮椅上的杰弗瑞也就是一名电影观众,他对窗外情景的体验也就是一名电影观众的体验:身体被固定着,对窗外(电影上)发生的一切都无能为力,只能观看、评论、推测、同情、兴奋……
通过一个个的画格,杰弗瑞捕捉着邻居们的表演,邻居们也成为演员。每一个住家好像都在上演着一场小电影,不仅有演员,有故事,甚至有镜头的变换,从远景镜头(肉眼观察)到特写镜头(望远镜观察)一应俱全。

  但是,如果电影观众混淆了电影和现实的界限,试图参与电影的表演,失去了旁观者的身份,麻烦也就来了。


  影片的结尾是让人深思的,杰弗瑞捡了一条命,但另一条腿却也摔断了,要比影片开始时更为虚弱可怜。他决定不再窥视,拉下了后窗的窗帘,而电影也就闭幕、散场了。从来没有一个导演能够拍摄如此激动人心的电影,同时又对电影的激动人心做如此辛辣、深刻的自嘲。希区柯克的电影,其实也是希区柯克心灵的后窗。(方舟子)

  ☆《蝴蝶梦》是希区柯克从英国来到好莱坞的第1部作品,影片由著名影星劳伦斯·奥立弗和琼·芳登主演,讲的是一个举目无亲的少女在法国南部遇到了绅士德温特,他们很快结合到一起,婚后回到了豪宅曼德利庄园。在这里,少女遇到了乖戾的管家丹佛斯太太,发现了丈夫的秘密……最后,一场大火结束了以往的一切,曼德利和丹佛斯太太在火中消失了,一切宛如噩梦般地结束。

  ☆《绳索》又译《夺魂索》,是希区柯克的一部让人永远都应该记得住的影片。希区柯克在影片中运用的连续的、几乎不经任何修改的镜头开创了电影界的先河,使它成为20世纪40年代的一部经典作品。影片的故事令人毛骨悚然,两个年轻人认为自己比他们的另外一个朋友更加优秀,于是密谋用绳索将他勒死,并把他的尸体放进一只书箱中。为了炫耀自己的“智慧”,他们在书箱上铺起台布,置好餐具,然后邀请死者的父母、未婚妻、同学和老师前来赴宴。大家都没有发现什么异常情况,而罗伯特教授却发觉事情有些蹊跷,或许是因为他在席间总能闻到一股不同寻常的味道……
宾虚
优美绝伦的战争巨片,奥斯卡史上令人瞩目的奇迹

  经典史诗式的巨著,历史宫廷片的巅峰之作

  极具时代张力,蕴涵着无可比拟的神圣与深沉的神秘力量


  1959年出品

  导 演:威廉·惠勒

  主 演:查尔顿·赫斯顿

  休·格里菲斯

  《宾虚》改编自卢·华莱士的长篇小说《基督故事》,影片场面壮观,气势恢弘,荣获了11项奥斯卡大奖,创下了奥斯卡史上前所未有的纪录。它以新约时代为历史背景,以犹太人宾虚同罗马指挥官玛瑟拉之间的爱恨情仇为主线,通过个人之间的冲突反映了罗马帝国对异族异域的侵略扩张和残暴统治,表现了犹太人民反抗压迫、争取自由的决心和不屈不挠的坚定信仰。当两个人几经波折,终在赛马场上重逢,借着一场空前的马车战,他们的恩怨随着滚滚黄沙湮没在风中……

  对于神的谦恭之感和敬畏之情成为影片中最具张力的一种力量,影片以“基督在世时”为特定的历史背景,探索了在基督的故乡这一特定地域中的“动荡不安的政治及宗教形势”,耶稣在主人公宾虚的一生当中反复出现,但从来没有露出过面容,“那只手仿佛从天而降,从银幕之外伸进来,递给苦难者一瓢水和求生的欲望”……浓厚的宗教色彩贯穿影片始终,但这种色彩不是神秘,也不是迷信,而是一种骄傲,一种信仰,一种坚毅而深沉的力量。

  《宾虚》一片成功地表现出了基督教与罗马文化的融合过程。宾虚和玛瑟拉的斗争是两种文化的较量,前者代表着新潮的基督教文化,后者正是古罗马原有文化的维护者,后者的死亡说明守旧的东西总是要消失的。从深层意义上讲,《宾虚》还带有美国政治的冷战情结。

  ——纽约影评人协会  

  屈指算来,米高梅公司所获得的奥斯卡最佳影片并不算多,且大部分是20世纪四五十年代夺得的,而《宾虚》则是个异数,它被提名12项,夺奖11项,堪称是米高梅电影公司的高峰之作。其波澜壮阔的布景和宏大雄伟的战争场面确实取悦了观众,因而被视为名垂影史的力作。

  ——乔治·萨杜尔  

  《宾虚》是我最喜爱的一部影片,因为我一直迷恋希伯莱文化,宾虚是个犹太王子,犹太人反抗罗马帝国的入侵中那些可歌可泣的历史一直深深地打动着我。另外,我震撼于片中表现的男性的美、男性的力量和男人之间不同于女性的友谊的方式,在这部史诗片中,音乐、画面、故事、演员……所有的细节都让我着迷。

  ——影评人 Maggie  

  故事发生在古代罗马军队入侵以色列国的时期。耶路撒冷新任总督奎忒斯抵达以色列,其部下、军团司令官玛瑟拉凯旋回到故乡,得意非凡。他遇见了儿时的伙伴——改信基督教的犹太王子宾虚,玛瑟拉希望宾虚配合他治理此地,并要宾虚将那些犹太反叛者的名字告诉他,正义的宾虚严辞拒绝了,两人成了冤家。

  宾虚偷偷地爱上了贩卖奴隶的商人的女儿埃丝特。一天,奎忒斯率领官吏巡市,宾虚的妹妹伊拉丝在自家的楼上观看欢迎队伍,无意中将屋顶上的瓦片碰落下去,正巧掉在总督的头上。

  于是玛瑟拉下令将宾虚一家当做谋反者统统抓起来,宾虚被流放,而他的母亲和妹妹则被罚做苦役。

  在流放的途中,被毒打、炎热、口渴和疲劳折磨得奄奄一息的宾虚,遇到了一个与他同样年轻的、有着神奇的力量的年轻人,他不但救了宾虚的命,而且还给予他生存下去的信心和力量。宾虚被卖做奴隶,在兵舰上当了一名划桨的水手。一次,兵舰遭到了海盗船的袭击,在危难时刻宾虚救了舰队司令官阿列斯的性命,并多次阻止了他的自杀。也许是宾虚特有的气质、眼神以及不卑不亢的态度打动了阿列斯,他给了宾虚自由,并将他带到罗马,收为养子。

  宾虚来到罗马的竞技场上,他英勇无比,成为了一名著名的角斗士。后来他重返耶路撒冷时又和玛瑟拉相遇了,玛瑟拉十分妒忌他,提出要同他来个战车竞赛。在竞赛那一天,两人加鞭催马,互相追赶,竞争场面十分残酷,玛瑟拉不时地暗害宾虚,而宾虚却凭借着自己的沉着、坚定的意志力和高超的技艺战胜了玛瑟拉,玛瑟拉被掀翻在地上,他的马蹄和战车从他自己的身上碾过……

  当宾虚得知自己的母亲和妹妹得了麻风病,被送到了病人谷时,他赶去带走了母亲和妹妹,他的心中涌动着仇恨,不久以后他也患上了重病。女友埃丝特劝宾虚不要在仇恨中生活。宾虚在不经意间遇到了当年在流放途中救他一命的人,他正被钉在十字架上,原来他就是耶酥!宾虚舀了一些水去给耶稣喝,他在耶稣的脸上读到的是“宽恕”,他马上意识到自己的复仇带来的将是更多的仇杀与痛苦,于是他放弃了“流血”的念头。

  突然间天地黑暗、暴雨倾盆,耶稣的血从十字架上流下,奇迹发生了——宾虚和他的母亲及妹妹的病竟然神奇般地好了,不幸的一家在信仰的阳光下终于团聚了,天主赐给了他们生命的永恒……

  奥斯卡历史上一个突破性的记录

  20世纪50年代,好莱坞整整盛行了10年的古装史诗巨片,大制作、大规模、大场面,制片商们急功近利、好大喜功的商业意图一览无余。1959年的电影《宾虚》称得上是这股巨片热潮中的巅峰之作,它同时也宣告了这个巨片时代的结束。

  从无声片时代起,《宾虚——基督的故事》这部小说就曾先后数次被搬上银幕。而由米高梅公司出资拍摄、由威廉·惠勒执导的这部《宾虚》,场面壮丽,气势雄伟,其出色的对白、多彩的异国情调和赫斯顿的粗线条的出演相得益彰,被看成是其中最成功的一部。在第32届奥斯卡颁奖礼上,影片共获得11项大奖,首创奥斯卡奖历史上的最高纪录。

  由于获奖,《宾虚》的身价猛增,世界其他许多国家纷纷要求放映。美国制片人协会等组织也贴出了“影片之好,前所未有”的广告海报,几百家在“倒闭危机”中苟延残喘的影院因此有了生机。

  《宾虚》空前的放映收入不仅成为米高梅影片公司的骄傲,也使陷入财政困境的公司起死回生,同时它的成功也促使米高梅公司调整了他们的经营理念,他们想方设法在更广泛的领域中扩大成果。例如在宣传中,他们还大力抬高在《宾虚》中大显神通的最佳男主角奖获得者查尔顿·赫斯顿和最佳男配角奖获得者休·格里菲斯的身价。

  上一世纪四五十年代,正是电视这一大众消费品日益崛起的时期,由于电视的冲击,好莱坞电影曾几度显得不甚景气。1959年美国各公司拍摄的影片只有160部,后来,正是由于《宾虚》的出现才再一次唤起了成千上万观众的注意力,使电影界重新活跃起来。
导演威廉·惠勒在谈及这部电影作品的艺术性时说:该片的拍摄是一次对电视“防卫性的突击”,相对于电视而言,充分显示了电影场面的宏大、人物的众多、镜头运动的强烈和画面的宽广等优势。

  《宾虚》的成功似乎带有某种偶然因素,而好莱坞则从《宾虚》身上发现了一条可借鉴的新路:大公司若集资几百万美元用来拍摄几部质量上乘的影片,不仅可以赚到数额可观的
钱,还可防止“电影帝国”被日趋强盛的电视集团蚕食鲸吞。

  总之,在电影史上,《宾虚》的成功被看成一个奇迹,它不仅为它的制作公司带来了巨大的收益,同时也为电影界带来了新的理念和新的出路,并使20世纪50年代末的电影重获生机。

  ☆《斯巴达克斯》是一部大制作的古罗马史诗式的电影,它叙述了古罗马的奴隶因不堪奴隶主的暴虐而奋起反抗,但最终被镇压的史实,是一部歌颂罗马奴隶斗士追求自由解放的影片。裴多菲的著名诗句“生命诚可贵,爱情价更高。若为自由故,二者皆可抛”在这部影片中得到了最高的价值体现。其中的细节堪称经典——奴隶主以死来威胁敢于反抗的奴隶斯巴达克斯,他狞笑着问:“还有什么比死更可怕的吗?”而斯巴达克斯的回答是:“有,人格的受侮比死亡更可怕!”

  影片在雄伟壮丽的外观之外,亦有着细腻生动的对主要角色的内心世界和人生戏剧的描写,因而呈现出远胜同类作品的悲壮气氛和深度内涵。

  ☆《决战猩球》改编自1986年的科幻冒险片《浩劫余生》。故事发生在2029年,它的起始点设置在一个由猩猩统治的混乱国度,人类在这里沦为次等公民,只能做猩猩的奴隶。为了自由,人类同猩猩展开了一场空前绝后的大战。《决战猩球》颠覆了以人类为主体的思考模式,给了人们更深意义上的思索,被誉为是“2001年必看的十大影片之一”。
西区故事
百年经典的主题与现代艺术的融会贯通

  美国“街头音乐歌舞片”的经典之作

  一幕“罗密欧与朱丽叶”式的现代都市爱情悲剧


  1961年出品

  导 演:罗伯特·怀斯 

    杰洛姆·罗宾斯

  主 演:娜塔莉·伍德

  罗斯·坦布林

  理查德·贝默

  第三十四届奥斯卡最佳影片、最佳导演、最佳摄影、最佳男配角、最佳女配角、最佳服装设计、最佳音响、最佳剪辑、最佳歌舞片配乐、佳艺术指导十项大奖

  美国百部经典名片之一

  《西区故事》原是由著名舞蹈家杰洛姆·罗宾斯设计的歌舞剧,经常作为百老汇的保留节目,久演不衰。1961年,电影导演怀斯与罗宾斯合作,运用电影手段,将它相当完美地再现在银幕上。

  影片从摄影棚布景的圈子里跳出来,把观众引到纽约街头,以曼哈顿西部贫民区为背景,展现了现代罗密欧与朱丽叶的爱情悲剧以及流氓阿飞的暴力活动情景。《西区故事》是美国“街头音乐歌舞片”的经典之作,其中许多歌舞场面都是在真实的环境中展开,罗宾斯设计的舞蹈动作奔放明快,充满活力,颇具纽约芭蕾舞剧团的风格,加上导演的处理富于跳跃感与社会气息、摄影机的移动自如,结果使影片大获成功。片中许多歌曲如《玛利亚》、《晚上再见》等都随着影片的热播而迅速流传开来。

  当时好莱坞正处于新旧交替之间,对具有新意的作品和新冒出来的人才比较推崇。《西区故事》触及种族矛盾问题,音乐的处理颇有独到之处,充满美国式的活力,这些迎合了时代潮流与大众所好,因此独占第34届奥斯卡10项大奖,其获奖项之多仅次于《宾虚》。

  以动作为主导的中国武侠电影进入西方人的电影视野,首先是由于他们看到了武侠电影所蕴藏的具大的商业潜力。其实,在动作设计上由于美国电影缺少像中国电影那样完整的根基——就像中国歌舞片缺少像美国百老汇那样坚实的舞台剧的根基一样——所以中国至今没有像《西区故事》那样脱胎于完美的舞台艺术的音乐歌舞片。

  ——著名影评人 贾磊磊  

  这是一部根据百老汇的闻名舞台剧改编拍摄的“罗密欧与朱丽叶”式的现代歌舞片。影片运用电影手段,将现代戏剧、现代歌舞剧和现代芭蕾舞融为一体,摒弃了传统的舞台表演模式,让演员置身于真实的生活环境,随着摄影机的运动,银幕上充溢着青春的活力,为美国的现代歌舞片闯出了一条新路。

  ——影评人 王 纲  

  《西区故事》既不是舞台原作的豪华模仿,也没有大牌明星压阵,根据莎翁名剧改编的革新模式也并不新鲜,但它却能以充满动感的韵律而博得人们的好感,其处处体现的热情奔放的现代风格让人们陶醉,而街头舞蹈与现代音乐相结合的方式也成为此后好莱坞歌舞片公认的模式。

  ——佚 名  

  这部改编自《罗密欧与朱丽叶》的音乐剧获得的巨大成功是有其原因的,因为剧中多处直指美国的社会问题,这在一定程度上引起了人们的关注,同时,著名指挥家兼作曲家伯恩斯坦创作的音乐理性而感人,也是影片获得好评的一个重要因素。

  ——佚 名  

  20世纪上半叶,西区是纽约的贫民窟集中地,那里鱼龙混杂,来自各地的不同种族的人汇集在一起,种族矛盾尖锐。在不断的争斗中,有两个流氓集团势力逐渐强大,一个叫“火箭帮”,由当地的白人组成,它的头目是里弗;另一个叫“鲨鱼帮”,由外来的波多黎各人组成,头头是贝尔纳多。两个帮派势不两立,经常挑衅争斗,酿成流血事件。本地区的警官克拉基曾多次在其中调和,才使他们之间的争斗没有升级。

  一天夜里,西区举行了一场规模盛大的舞会,两个帮派之间也展开了一场独特的“竞赛”。贝尔纳多的女友艾妮塔和妹妹玛利亚也参加了这场舞会,艾妮塔警告玛利亚不要接近“火箭帮”的人,可玛利亚并没有在意。

  在众人的呼喊声中,里弗的好友托尼和贝尔纳多的妹妹玛利亚相遇了。两人一见钟情,全身心地投入,就像在梦中似的一起跳着舞。贝尔纳多发现了他们,他暴跳如雷地扑过来,强行让手下带走了玛利亚。

  回到了家的玛利亚还在回味着同托尼跳舞的情景,正当她收拾停当准备上床时,忽然听见有人在窗子下面呼唤她。她走近窗口,看到了托尼。两个人都很兴奋,他们在月光下互诉衷肠。

  可是,两个人的恋情公开后,“火箭帮”和“鲨鱼帮”的人都被惹恼了,他们相互警告、威胁着,警官克拉基努力从中斡旋,但都无济于事,他们约定展开决斗。

  玛利亚听说这件事后,便偷偷地去找托尼,希望托尼能去阻止他们。托尼答应了。

  晚上,“鲨鱼帮”和“火箭帮”在街头相遇了,两伙人正准备动手,托尼匆匆赶到,他试图阻止他们之间的斗殴,但贝尔纳多不但不理睬,还一拳把托尼打倒在地。里弗见状便动了手,当里弗用刀逼住贝尔纳多时,托尼要里弗停手,里弗稍一犹豫,贝尔纳多的刀先捅进了他的胸膛。托尼奔过去抱住了里弗,贝尔纳多又持刀向他刺来,托尼眼明手快,拿起里弗的刀刺进了贝尔纳多的胸口。

  玛利亚对哥哥的死十分伤心。贝尔纳多的女友艾妮塔用最污秽的话骂她,责备她,但她始终忘不了托尼。托尼不知从哪儿获悉玛利亚忧思而想轻生,便陷入了绝望。

  贝尔纳多生前曾希望妹妹嫁给他的好友奇诺。但奇诺看到玛利亚钟爱的竟是杀兄的仇敌,一时狂怒之下,身藏着手枪去找托尼算帐。玛利亚得知之后迅速赶到托尼处报信,但就在那一刹那间,奇诺的枪响了,无情的子弹夺去了托尼的生命。玛利亚悲痛欲绝……

  评百老汇的名作《西区故事》

  一部音乐剧的诞生是整个创作团队齐心协力创作的结果,是集体智慧的结晶。在创作过程中,导演、制片人必须与作曲者、编剧和舞蹈编导不断沟通,以寻找大家共同的创意诉求。

  良好的人员配备可以打造梦幻创作团队,这一点可能在百老汇名作《西区故事》身上体现得最为明显。这部作品可以说集合了20世纪50年代活跃在音乐剧舞台上的最为出色的大师们,无论是编曲、剧诗创作还是编舞,都是当时最为显赫、最为有名的创作大师。让我们看一看《西区故事》豪华的创作阵容:配乐者伯恩斯坦是当时在百老汇乐坛闯荡20余年的领军人物;剧本作家亚瑟·劳伦斯在当时百老汇剧本改编界是最为著名的;制作人兼导演普林斯是当时刚崛起的导演大家,日后更是一手开创了百老汇的导演时代;舞蹈编导罗宾斯更不用多言,在当时的舞蹈界可以说是呼风唤雨、炙手可热;剧诗作家是年轻的桑德海姆,这个年轻人后来成为百老汇历史上最出色的作曲家之一,但在这部作品中他向世人展现的是他同样出类拔萃的戏剧才华。除此之外,这部剧作的蓝本是大名鼎鼎的莎士比亚的名作《罗密欧与朱丽叶》,这部家喻户晓的著作无疑成了剧作的“活广告”,观众们在理解剧情方面几乎不会遇到任何困难,所有这一切都预示着《西区故事》将取得极大的成功。
伯恩斯坦在剧中的音乐创作充分显示了他深厚的专业技巧,他的音乐极富时代气息,充满活力的节奏和新颖别致的曲调完美地结合起来,生动地刻画了纽约西区街头帮派的那种咄咄逼人的气势和粗俗率真的性格特征。剧中那首婉转动人的《玛利亚》已经成为百老汇的经典歌曲,而《晚上再见》则让你可以领略年轻人那活力四射、粗野奔放的情绪。可以说,伯恩斯坦的音乐为《西区故事》提供了一个富有想像力和创造力的灵魂。


  劳伦斯在剧本创作方面也毫不逊色,他成功地将戏剧主题通过一个个鲜活的艺术形象来实现和昭示。剧中的人物形象一个个栩栩如生,美丽善良的玛利亚、热情正直的托尼、血气方刚的贝尔纳多……他们都给观众们留下了深刻的印象。同时,该剧的悲剧结局也揭示了那些挣扎在社会最底层的青年人的悲惨境遇,以此来呼吁并引起人们和整个社会的重视。

  年轻的桑德海姆尽管是第一次参与到这么大的创作团队中,但他没有显示出半点的生疏和胆怯,他的戏剧才华在他创作的剧诗中表现得淋漓尽致。

  至于罗宾斯在舞蹈方面的贡献,这里就不用赘述了。《西区故事》正是罗宾斯最为得意的一部代表作,他创造性地引入芭蕾,将现代戏剧、现代歌舞、现代芭蕾和谐地融为一体,打破了传统歌舞片的陈旧模式,为现代歌舞片闯出了一条新路。

  普林斯作为该剧的导演和制作人之一,可以说是功不可没的。他不仅很好地完成了剧作的排演和编导任务,更为重要的是,他成功地将整个团队中的大腕们很好地团结起来,从而能够促进他们的交流和沟通,使之充分发挥各自的特长,达到最佳状态。

  《西区故事》上演之后,该剧的深刻内涵和高超的编排技巧让观众们为之神魂颠倒,随之风靡百老汇,并最终成为经典剧目之一。可以说,这些成就的取得是同该剧豪华的梦幻创作团队分不开的,由此可见,只有齐心协力的梦幻团队,才能够有经得起时间考验的经典音乐剧作品的问世。(黄定宇)

  ☆由舞王金·凯利自导自演的《雨中曲》被公认为是电影史上的最佳歌舞片。本片虽然没有在奥斯卡角逐中赢得任何奖项,但并不影响它在影迷心目中的崇高地位。尤其是金·凯瑞一个人在雨中边舞边唱一场戏更是歌舞片中经典中的经典,呈现出好莱坞电影在歌舞片中所能达到的最高水准。

  《雨中曲》的原创音乐由纳斯可·哈勃·布朗和兰尼·海顿联合谱写,片中几首插曲如《摩西以为》、《让他们笑》以及《早晨》等配合舞蹈场面的演出都发挥了不俗的烘托之功,词曲与情景的水乳交融,气氛与技艺的相互辉映,使得这部影片成为不朽之作。

  ☆《红菱艳》的故事是从安徒生童话《红舞鞋》演变而来的,它被誉为是一部观赏性与艺术性并重的影片。影片描绘了一个年轻的芭蕾舞女演员和一个青年作曲家的爱情悲剧,它向人们提出了一个疑问:当爱情跟事业发生冲突的时候,到底应该怎样抉择?

  影片的表演如行云流水,一气呵成。同时影片用特技手法避开舞台限制,让人感觉新鲜。影片还穿插了不少芭蕾舞剧片断,如《红舞鞋》、《吉赛尔》、《天鹅湖》等,充分体现了芭蕾浪漫而轻盈的美,令人陶醉。

  《红菱艳》在英国上映后,得到了“英国电影艺术手段的一个胜利”、“技术上的辉煌成就令人目眩”、“压倒一切的是色彩”等赞誉。在美国,《红菱艳》被列为当年十部优秀影片之一,并荣获奥斯卡最佳故事片提名。
音乐之声
电影史上传颂最广的一部活泼、温馨的音乐电影

  好莱坞音乐歌舞片经典中的经典

  艺术与娱乐最成功的平衡之作,人类最珍贵的永恒佳品


  1965年出品

  导 演:罗伯特·怀斯

  主 演:朱莉·安德鲁斯

  克里斯托弗·普鲁默

  ·第三十八届奥斯卡最佳导演、最佳影片、最佳配乐、最佳剪辑、最佳录音五项大奖

  ·一九六六年金球奖最佳影国音乐片巨匠罗伯特·怀斯

  电影《音乐之声》取材于玛利亚·奥古斯都·特拉普的同名自传体小说,根据美国百老汇的同名音乐剧改编而成,是美国音乐片巨匠罗伯特·怀斯新风格音乐片的又一力作。在编、导、演的天衣无缝的配合下,这部影片成为电影史上最经典的音乐片之一。

  天性自由、善良的美丽修女玛利亚,奥地利美丽的阿尔卑斯山的山坡、清澈的湖泊、雅致的别墅,一群活泼可爱的孩子,以及反纳粹、追求自由的勇气,这一切都深深地打动着世界各地人们的心。

  《音乐之声》清新有致,雅俗共赏。既有幽默的情趣,又有深沉凝重的感情,在各国的民意测验中经常被评为“最受欢迎的影片”,是全世界票房最高的电影之一。其中流传最广的几首经典音乐,如表达玛利亚对大自然热爱的主题曲《音乐之声》;轻松愉快的《孤独的牧羊人》;特拉普上校演唱的深情无限的《雪绒花》;欢乐大方的《哆口来咪》;以及可爱的孩子们演唱的《晚安,再见!》等等,都成为人们记忆中最值得珍惜和细细回味的艺术佳作,被视做人类最珍贵的永恒佳品。

  许多人都曾问过我最喜欢的电影是什么,可能他们认为我作为功夫名星,应该喜欢那种带有暴力色彩的影片,可是说出来或许会很让人奇怪,我最喜爱的电影既不是史泰龙的枪炮,也不是施瓦辛格的特技,而是充满温馨的《音乐之声》。因为在这部影片中,我所感到的是人世间那种最淳朴、最简单的友爱和挚爱之情,这部影片让我的全身心都感到放松。

  ——国际巨星 成 龙  

  从来没有一部电影如此深入人心,不但里面的角色、情节、人物经历家喻户晓,主题歌曲也被广为传唱,由它带来的影响面之广、覆盖面之大、被感染的人之多可谓空前绝后、独一无二,它就是来自著名的阿尔卑斯山脉的《音乐之声》。

  《音乐之声》来自生活,高于生活,它以乐抒情,以乐动人,到处充满阳光气息与温馨浪漫,它把抽象的音符、大自然的和谐美景和人文景观完美结合,体现出人与自然和谐融洽、相互依托的关系,鼓励人们乐观向上,追求纯洁美好,争取自由和享受生活,消除邪恶杂念,达到真善美的理想境界。虽然里面的主要角色都被刻意美化,但丝毫无损主题和形式上的出类拔萃,幽默的对白和情节,更把观众逗得前俯后仰,乐不可支。《音乐之声》称得上是电影史上绝妙的神来之笔,是一部影响深远的作品,它甚至超出了艺术作品的范畴,从艺术史、社会学、心理学、教育学、哲学等角度来衡量都值得研究和借鉴。

  ——影评人 Waddle  

  《音乐之声》取材于1938年发生在奥地利的一个真实故事。

  见习修女玛利亚是个性格开朗、热情奔放的姑娘。她爱唱歌、爱跳舞,还十分喜爱大自然的清新、宁静和美丽。修道院院长觉得玛利亚不适合过与尘寰隔绝的生活,于是介绍她去萨尔茨堡当上了前奥地利帝国海军退役军官冯·特拉普上校家7个孩子的家庭教师。

  冯·特拉普是个善良勇敢的爱国者,他的妻子早逝。家里没有歌声,也没有笑声。

  玛利亚来到上校家中,发现上校管理孩子的方法简单而粗暴。只要他的哨声一响,孩子们就从各自的房间里以最快的速度奔跑出来,排好队,按水兵操练的要求通报自己的姓名。

  一开始,孩子们对玛利亚带有排斥情绪,总是想法设法捉弄她,但是玛利亚理解孩子们在成长过程中的所作所为,她引导他们,关心他们,帮助他们,赢得了他们的信任,很快就成了他们的知心朋友,同他们建立了深厚的感情。

  上校准备离家去维也纳,在这期间,玛利亚和孩子们排练歌曲、做游戏、去大自然中游玩,整个家庭平添了许多笑语、欢乐和生气,充满了音乐之声。

  当上校带着准备与他结婚的男爵夫人回来时,发现家中呆板、冰冷的空气完全变了,他的“水兵们”已被训练成一支很有素养的家庭合唱队。

  看到男爵夫人的到来,玛利亚知道她将成为孩子们的新妈妈,于是她留下了一封信就离开了上校家,回到了修道院。然而由于男爵夫人太一本正经,孩子们不能和她融洽相处。同时,由于玛利亚给这个家带来的变化激起了上校对生活的热爱,唤回了逝去的幸福,也唤起了他对玛利亚的爱情。于是上校最终拒绝了男爵夫人,他来到修道院找玛利亚,他们终于结成了美满的伴侣。

  这时正是30年代希特勒吞并奥地利的前夕。在萨尔茨堡举行奥地利民谣音乐节的当天,上校和玛利亚接到了柏林的来电,命令上校参加纳粹的海军,并把他和全家置于严密监视之下。借着参加民谣音乐节的机会,特拉普家庭合唱队在奥地利同胞面前奉献出他们心底里的歌,并在朋友和修女们的协助下,全家跨过阿尔卑斯山,逃出了多难的祖国,来到了自由之地。

  永远带来欢乐的《音乐之声》

  《音乐之声》是一部影响了几代人的电影,无论从哪个标准来评,它都是美国音乐片的经典之作。有趣的爱情故事、悦耳的歌曲、活泼的孩子、温馨的人情、天真无邪的笑料,构成了一幅美好的生活画卷;动人的音乐、优美的风光、积极的生活态度,引发着人们对生活无限美好的瑕思。

  歌曲《音乐之声》是影片中的点题之曲,影片开始时由玛利亚在山顶独唱。上校赴维也纳期间,玛利亚把这首抒发自己对故乡、对大自然、对音乐的无比热爱的歌教给了7个孩子,让他们在男爵夫人到来时为她演唱。上校长久禁锢的心被这家中久违了的美妙、纯真、动人的歌声融化了,他从原来那位不苟言笑的上校变成了一位和蔼可亲的父亲,和7个孩子拥抱在一起……

  影片里以电影音乐的原貌参与了故事叙事的当首推那首脍炙人口的小歌《雪绒花》(《EDELWEISS》)。

  上校在玛利亚和孩子们的盛情邀请之下,接过吉他自弹自唱了这首自己最喜爱的、已多年不唱的奥地利民谣:Edelweiss edelweiss(雪绒花,雪绒花,)

  Every morning you greet me. 清晨迎着我开放。

  Edelweiss edelweiss 雪绒花,雪绒花,


  Bless my homeland forever. 永远祝福我家乡。(注:采用薛范译词)

  上校沉醉在对故土、对祖国的一片深情之中,忘我地唱着。玛利亚的镜头数次切入,她站在门口凝视着上校。歌声使他完全变成了另外一个人,在那饱含真情的歌声里,玛利亚发现了一个男人丰富、博大、敏锐的内心世界。音乐悄悄地把两颗高尚的心灵连结了起来,爱情的火花开始燃烧。当两人在家庭晚会上和谐地共舞之后,掩饰内心已经变得非常困难了。

  而要说这首小小的歌曲作为一件重要的音乐道具在整个故事结构中发挥了巨大作用,那还是在音乐节上。拒绝为纳粹服务、决不背叛自己的祖国和人民的上校准备冒险带全家离去。临别之际,他为家乡的父老乡亲献上的还是那首他最喜爱的歌。但一曲未了便已哽咽,玛利亚默契地接唱下去,并带动全场观众加入大合唱。这是全片最令人心潮澎湃的感人高潮。看似最简单、最不起眼的一首小小民歌,在影片所用的全部歌曲中凸显了出来,促使观众开始正视故事所属的阴云密布的时代——片头字幕所说的“30年代萨尔茨堡最后的黄金岁月”。它使一部洋溢着欢声笑语的喜剧片在此刻展现出了严肃、深刻、崇高的人道主义内涵。音乐节上全体观众高亢、洪亮地合唱着《雪绒花》,表达了奥地利人民反对侵略的正义心声和不畏强暴的必胜信念。

  30多年过去了《音乐之声》永远带给你欢乐,带给你思考。(佚 名)

  《音乐之声》以后的故事

  电影《音乐之声》讲述的是一个真实的故事,影片结尾处是上校一家最终勇敢地逃出了纳粹控制的奥地利,也许许多人认为这个故事就结束了,正像所有的童话故事结尾时所说的那样,“从此过上了幸福的生活”。

  可是,真实的冯·特拉普一家人在此之后到底去了哪里呢?他们的生活到底怎样呢?

  1938年,当这家人出走奥地利的时候,玛利亚正怀着冯·特拉普上校的又一个孩子约翰尼斯。没有了花团锦簇的家园,他们成了一文不名的逃亡者,一家人的生活立刻就是个大问题。但是冯·特拉普一家人并不气馁,也不在意一切都要从零做起。 这个家庭组成了合唱团,浪迹天涯,卖艺为生。从生日婚嫁的宴会到皇家乐馆的演出,无所不为。1939年,当他们来到美国进行演唱旅行时,发现了佛蒙特州小镇斯托附近的一片农庄。小小的农庄让他们想起了奥地利的家园,他们立刻爱上了这片土地。于是就用积攒下来的钱买下了这片土地,并建成了自己远离故乡的家。在此之后的几十年间,冯·特拉普一家每年都要到世界各地去演出,足迹遍布30多个国家,但是,他们一直把斯托的这处农庄当成自己永久的家。

  1947年,玛利亚在斯托成立了特拉普家庭音乐营。随着音乐营的扩展,她家提供过夜的客房渐渐不敷使用,于是她就建起了特拉普山庄。

  他们也曾因为不谙社会环境而大吃苦头。1949年,玛利亚将一家人的经历写成了传记,立刻引起了强烈的社会反响,但是当首次有人出价收购她的故事改编电影时,玛利亚却被欺骗,没有得到自己应有的权利和报酬。

  不尽如人意的际遇并没有使他们生出怨天尤人的哀叹,挫折和教训也不能使这个移民家庭倒下去。

  1965年,电影《音乐之声》在全世界发行,演出了“真善美”的一幕,玛利亚成了家喻户晓的人物。但在1980年,一把大火把辛辛苦苦建造起来的特拉普山庄化为灰烬。然而,1年半之后,在原来的房基上又是一幢崭新的特拉普山庄,并且在山麓和湖边还建造了星罗棋布的客舍接待游人。如今特拉普山庄已经远近闻名,每年接纳成千上万对特拉普家的经历和他们的歌声情有独钟的游客。(佚 名)

  ☆古典与流行精妙融合的音乐影片《艾薇塔》讲述了阿根廷人心目中“伟大的女性”艾薇塔传奇的一生,包括她对阿根廷社会、劳工、教育所做出的突出贡献。

  本片女主角由麦当娜主演,据说她为演好该角色,专门学习了3个月的声乐,她所付出的几倍于他人的努力终于得到了回报。当麦当娜出现在总统府阳台上,高唱《阿根廷,别为我哭泣》时,4000多名群众演员和摄制人员都被深深地感动了。

  ☆《红磨坊》是澳大利亚的国际知名导演巴兹·鲁赫曼的一部融合了古典绚丽与美感的音乐歌舞片,被美国《娱乐周刊》列为“2001年必看的十部影片之一”。

  导演鲁赫曼细腻地自当代的视角望出,看到了下层社会自成一格的绚丽与斑斓,以及无数个悲喜夹杂的动人故事,成就了呈现在人们面前的一场高格调的、令人陶醉的盛宴。

  ☆2002年的音乐电影《芝加哥》是一部光彩夺目又载歌载舞的黑色幽默片,它以20世纪20年代芝加哥的浮华气氛和爵士乐为背景,讲述了两位能歌善舞的女主人公在同样因为涉嫌谋杀被关进大牢的时候,各自利用案情大做文章,一面争夺报纸头版头条,一面争夺她们那位英俊的代理律师的青睐。虽然影片的主题曲名为《他只在乎爱》,然而电影的真实主题其实根本与爱情无关,而是虚荣、欲望与嫉妒。

  《芝加哥》的成功令行业内外都热衷于谈论音乐电影,据说就连大导演史蒂芬·斯皮尔伯格也说自己想拍一部音乐电影,而在此之前,他从未对人谈及在音乐电影方面的想法。
教父
反映一个家族在困境中生存、在逆境中挣扎、在顺境中力图重生的轨迹

  一部最具史诗气魄的揭露黑社会明争暗斗内幕的影片

  一幅气势恢弘的“社会图卷”_


  1972年出品

  导 演:

  弗朗西斯·福特·科波拉

  主 演:马龙·白兰度

    艾尔·帕西诺

  ·第四十五届奥斯卡最佳影片、最佳男演员、最佳编剧奖

  ·第三十届金球奖最佳导演奖等五项大奖

  ·好莱坞最有气势的十大巨片之一

  ·美国百部经典名片之一

  电影《教父》是根据美国作家马里奥·普佐的同名小说改编,由好莱坞青年导演科波拉执导的一部经典黑帮片。影片描述了黑手党的产生、发展的全过程:外来移民为生活所逼,铤而走险,靠走私、赌博、贩毒、谋杀而在美国社会中争得一席之地。他们依赖非法营生而逐步发展壮大,其势力也渗透到各个领域,在政府枢纽部门也有了他们的代理人。当他们羽翼丰满时,便不满足于现有的非法地位,力求融入合法社会,毫无恐惧地享受他们的财富。然而,具有讽刺意味的是,他们由非法社会向合法社会的过渡却偏偏是依靠非法的暴力行为得以完成的。影片的深层意义在于它为美国电影史上一个十分悠久的经典类型——犯罪片开拓了宽广的前景,它不仅拓展了犯罪片的表现领域,其思想意义和内涵也远远超越了暴力的范畴,并将主题升华为人类社会中最常见的权力交替中的深层意义——权力与罪恶的关系。影片在70年代初曾轰动一时,取得了商业和评论上的双重成功,片中“教父”的扮演者马龙·白兰度带动的“马龙·白兰度热”像旋风一样几乎波及整个世界,而导演科波拉也从此奠定了他在好莱坞中的“教父”地位。

  马里奥·普佐当年创作的小说《教父》是美国文学创作中的一个转折点,它使黑手党问题引起了举国上下的普遍注意,从20世纪70年代初开始,反映黑手党的作品就如雨后春笋一般繁盛起来,但是我们认为,没有一部能同《教父》相提并论。

  ——美国《旧金山时报》  

  科波拉的《教父》以精细的笔墨描述了黑手党全盛时期的家族恩怨,在这部格局庞大、情节复杂、人物众多的大制作中,科波拉把整部影片处理得有条不紊、扣人心弦,其高超的专业技巧不得不令人叹服。科波拉在选角方面的独到之处也叫人刮目相看,他大胆起用在影坛沉寂多年的马龙·白兰度饰演教父一角,不仅使其成为奥斯卡影帝,也让他再次成为超级巨星。《教父》系列共拍了3部,它的续集也得以进入美国百部经典电影之中,它是惟一一部挤进“百大”的续集电影。

  ——美国电影艺术与科学学院  

  《教父》是自《公民凯恩》以来最出色的一部美国影片,它把黑手党作为一个隐喻,不仅暗指非法生意的腐朽,而且暗指着所有的权力中心──其中主要包括政府的腐败。

  ——《纽约时报》  

  在《教父》里,自然与文明的对立似乎已不存在,银幕上呈现的是一个单一的世界,科莱昂早已通过暴力建成庞大的家族,获得了稳固的社会地位,匪帮也已从过去对商业组织的模仿变成了真正的企业,并向社会各领域渗透,在这里,自然与文明已经不知不觉地融为一体了。

  ——著名影评人 冯凯 国胜连  

  纽约的教父维托·唐·科莱昂通过与政府要人互相勾结,不择手段地扩展势力,成为科莱昂家族的首领、黑手党的头子。他与美国东部地区和纽约的其他几个大家族明争暗斗,争权夺利。科莱昂育有三子一女,长子桑尼性格凶猛,脾气暴躁,是他的主要助手;次子弗莱德胆小怕事,有些窝囊,不受重用;小儿子迈克尔刚从军队回来,长相斯文,遇事稳重;女儿康妮年轻貌美,性格温柔。

  康妮同卡洛结婚了,但婚后不久即遭到卡洛的暴力,桑尼痛打了卡洛一顿,对方一直怀恨在心。贩毒黑帮头子索洛佐要同教父合作,但由于他最近已同塔塔格利亚家族有了联系,而塔塔格利亚家族又和巴士尼家族串通一气。为此教父拒绝了索洛佐的要求。

  一天,教父在上街的时候被暗算,连中数枪。与此同时,他的军师汤姆也被索洛佐劫持,但索洛佐的目的是要他为自己跟桑尼讲和进行斡旋,之后就将他放了。这时一个手下匆匆从外面回来,轻声告诉索洛佐,教父并没有死。

  教父的险遭不测使桑尼怒火中烧,他根本不理会汤姆的劝告,决心要为父亲报仇,并不让弟弟迈克尔参加,迈克尔只好决定先去探望父亲。在医院里,迈克尔发现警长麦克洛斯基已加入敌对的一伙,自己和父亲差点丧命,十分震怒。

  桑尼派了上百个人去跟踪索洛佐,图谋暗杀。而索洛佐却托人捎信来,建议谈判,并要求迈克尔去。于是,经过周密策划和安排,迈克尔赴约了,在会谈中,他以异乎寻常的冷静和大胆干掉了索洛佐和麦克洛斯基,为家族报了仇。

  教父基本伤愈出院,返家疗养,他得知迈克尔因杀了索洛佐和警长后已经躲藏起来的消息后很不以为然。

  由于卡洛的出卖,桑尼被暗害了,教父受到了沉重的打击,但他不愿追查下去,倾向于和谈,而各大家族虽然举行了会谈,达成了“和平协议”,但暗中的仇杀、倾轧、排挤并没有结束。

  流浪在西西里的迈克尔被一位名叫阿波萝妮娅的女郎迷住了,两个人举行了婚礼。当他得知大哥桑尼被害后,复仇心切,决定马上回纽约。然而临行前,被收买的保镖法勃利齐奥在迈克尔的车上装了炸弹,迈克尔虽幸免于难,却痛失爱妻。

  迈克尔回到了纽约,教父见他有雄心,有魄力,便让他继承了家业。

  不久,迈克尔找到了以前的女友凯,两人结婚成家,并生有一子。

  教父病故了,迈克尔一方面觉得失去了依靠,一方面又觉得从此可以自行其道了,于是开始执行多年的复仇计划。他先是除掉了几个其他家族的仇敌;为了给桑尼报仇,他亲手勒死了出卖桑尼的卡洛;接着又一枪结果了法勃利齐奥的性命,为前妻报了仇。

  迈克尔终于满足了,他成了新一代的教父。

  小说《教父》

  1969年出版的长篇小说《教父》是美国出版史上的头号畅销书,它详尽地描述了美国纽约5大黑帮势力集团之一的维托·唐·科莱昂一家采用各种极端手段,实现了在整个美国黑帮势力团体中的独尊地位的全过程。在这场斗争中有黑帮团伙之间的火拼,有走私贩毒的嚣浪,有赌场的烟云,有红灯区的人欲横流……本书被认为是描写资本主义社会中黑社会现象的最具权威的作品。许多人在评论《教父》时都说:“这是一部令人拍案叫绝的成功之作……是揭露阴险的犯罪集团的权威性小说。生动的故事所揭示的政治和社会的真理,比起所有的政治家、政论家和一切新闻报道合起来所揭示的还要多。”

  《教父》这本小说在美国乃至世界上的影响力恐怕很难用一两句话加以概括。由于这本小说的出版,黑手党在美国的命运被彻底改变了。美国政府和人民在震惊之余开始动用强大
的国家机器展开对黑手党的扫荡。黑手党再也不能像在西西里那样肆无忌惮,他们在FBI的穷追猛打之下,逐渐地分崩离析,步步瓦解。虽然我们不能说是《教父》直接导致了这一结果,但至少它是一剂催化剂,调动了社会的关注情绪,使黑手党暴露于公众面前,加速了它在美国的衰灭。

  ☆在《教父》获得成功后,1974年,科波拉与《教父》的原作者普佐再次合作,改编和拍摄了《教父Ⅱ》。《教父Ⅱ》以登上教父位置的第2代科莱昂的奋斗史为主线,并在这条主线延续的同时,不断插入第一代科莱昂的奋斗史作为影片的副线。影片以现实与回忆交织的手法对两代教父的性格进行了对比。而这种有历史渊源的人物品格的描写,也使得影片主人公的形象更具深度。

  1990年,科波拉再度拍摄了《教父Ⅲ》,它使影片的思想和意义更为系统和深刻。

  ☆影片《现代启示录》是科波拉的一部反映越南战争题材的精心力作。该片改编自英国作家约瑟夫·康拉德的名作《黑暗之心》,体现了科波拉对于战争暴力所造成的人的异化的深切反思。在影片中,科波拉巧妙地将古老的情节模式与现实主义的主题融合在一起,以旅程本身为情节,展开了一种近乎荒诞的“实况记录”。这种战争题材与“歌剧式”手法的叠加使影片具有了一种强烈的讽刺意味和荒诞感,它不仅是对人性本质的探讨,也是对战争的深刻反思。

  ☆马丁·斯科西斯的新作《纽约黑帮》承袭了他一贯的风格:把所有的精力倾注于对美国社会底层场景的描述。它淡化了影片的故事性,而着力描述了1846年到1863年间发生在美洲新大陆上的移民纷争,力图向人们展现19世纪中期混沌无序和血腥的社会画卷。黑帮的火拼,儿子替父报仇等等都是背景,真正走在前台的是那些邋遢肮脏的人群、狡猾的女扒手、交易的政客、无耻的警察,甚至是那些骚乱后留下的焚埋了4天4夜的尸体……影片以独特的视角阐释了“美国诞生于街头”这个论点,这种不同寻常的铺排而成的历史画卷对每个影迷来说无疑是一次饕餮大餐。
人证
一幕无法挽回的人生悲剧

  一部探讨人性沦落的杰作

  以反省历史来揭露世俗社会对人性的压抑


  1978年出品

  导 演:佐藤纯弥

  主 演:冈田茉莉子

    乔治·肯尼迪

   三船敏郎

  ·一九七八年十大卖座影片第二名

  ·世界侦探推理电影的代表作之一

  森村诚一是20世纪30年代日本的社会派推理小说作家,他的作品想像奇特,充满了社会责任感,最著名的作品是“证明三部曲”系列,即《人性的证明》、《野性的证明》、《青春的证明》。其中,《人性的证明》在10个月内再版30多次,半年中畅销300万册,被认为是日本文坛的一个奇迹,也成为世界侦探推理小说史上的一部精品。

  1978年,《人性的证明》被拍成电影《人证》之后,在短短的时间内迅速风靡世界各国,在我国上映时更是引起了极大的轰动。影片所讲述的女主人公八杉恭子与她的黑人儿子焦尼之间哀婉动人的故事让人感伤不已,儿子对母亲的眷恋与失去母爱的悲哀同母亲为了维护自己的名誉而杀害了千里迢迢来寻找自己的儿子构成了鲜明的对比,深刻剖析了不同种族之间面对亲情的尴尬人性。影片悬念丛生,情节跌宕起伏,扣人心弦,在展示被社会扭曲的人性的同时也揭露了日本社会上层的黑暗与腐朽。

  影片的主题曲《草帽歌》曾携着凄厉的气息飘过大江南北,催人泪下——“妈妈,就在那个夏天,我那草帽,不知怎么啦,跌进了深渊,你还记得吗?妈妈……”

  在我的小说里,我所描绘的全是人间的戏剧。我认为一个作家应当关注社会问题,以反省历史来揭露社会弊端,追求人生的真谛,这才是我写作的目的,也是我生存的意义。

  ——小说《人性的证明》的作者 森村诚一  

  《人证》可以说是日本旧电影向新电影发展的历程中的一条分界线,也正因为它是分界线,所以当时受到的评价褒贬不一,有人说它太写实,有人说它违背了日本电影讲求含蓄的传统。现在过了很多年,这部影片在日本仍然受到欢迎,作为导演,我的心情也很复杂,但我坚信,随着时代的变化,电影也应该有所变化。

  ——本片导演 佐藤纯弥  

  《人证》的社会意义在于它不单单是一部推理电影,更重要的是它反映出来的主题,它反映出了许多其他电影没有反映出来的东西,不但风格富有悬念,对于人物的刻画也细腻入微,并且更深一步地注重挖掘犯罪者的精神世界,总之,这是一部开拓了悬疑片的社会深度的好电影。

  ——日本著名评论家 小泉健一郎  

  善恶本是一念之差,在名誉与亲情的抉择中,将罪恶的双手伸向亲生儿子……这是人的魔性战胜了人性。影片展现了隐藏在人的内心中最黑暗的一面,它是那样丑恶,那样鲜血淋漓。而主题曲《草帽歌》更是凄婉动人,流露出一个儿子对母亲的眷恋和哀怨,也恰到好处地烘托了影片主题。

  ——网友 唐 离  

  在东京皇家饭店的高楼上,一年一度的服装设计奖展出大会正进入高潮。国会议员郡阳平的妻子、著名服装设计家八杉恭子参加了这次展出大会,也在紧张地忙碌着。这时,有消息说饭店电梯里死了一名黑人青年,据电梯服务员讲,被害人死前嘴里直用英语喊着“麦秸草帽,麦秸草帽”,在他的风衣里面还有一本《西条八十诗集》……黑人青年怎么会死在这里?杀人凶手是谁?警方紧张地展开了调查行动。

  警犬从被害人的死亡地点一直嗅到了皇家饭店附近的清水谷公园,警察在草丛里发现一滩血迹和一顶草帽,说明这才是真正的罪犯作案地点。一对曾在公园里幽会的年轻人报告说,他们在公园里见过死者,而且在此之前,一个穿西装的女人也离开了公园,驾驶一辆白色皇冠轿车走了。

  从海关很快查明,被害人叫焦尼·赫瓦德,是3天前从纽约来到日本的。他遗下的《西条八十诗集》和麦秸草帽,都是入境时从美国带进来的。

  经过多方搜索,警方得知焦尼的父亲威尔歇·赫瓦德曾作为二战结束时的美国驻军,在日本横须贺居住过。正好同那顶麦秸草帽和那本诗集处在同一时期。而被害人临死时留下的“喀斯密”一句话,也正好在诗集的一首诗中被发现了,指的是一个叫“雾积”的地方。

  于是警官栋居决定到雾积去,把这个案子查个水落石出。当地的人都说,中山种老奶奶最了解情况,但当栋居赶到中山种家时,已经有人抢先一步,把了解内情的这位老妇人谋杀了。栋居又调查了一些线索,得知当年在福岛县久之浜海滨,中山种是开小酒店专做外国驻军生意的,当时在店里同时做工的还有八杉恭子……

  而正在此时,设计师八杉恭子的儿子居恭平因驾车撞死了人而逃到了纽约,警长栋居也追到了纽约,在纽约国际刑事警察希弗坦的配合下,他们也同时展开了对黑人青年焦尼案件的调查。他们根据线索找到了一个叫阿达姆斯的男人家里,他反映说在几个月前,自己在驾车时,路上突然蹿出一个黑人老头,他来不及刹车,就把他撞倒了,结果被敲去了6000美元。那人名叫威尔歇·赫瓦德,而钱是根据他的要求给了他的儿子——焦尼·赫瓦德。

  于是警方推断焦尼的父亲是为了弄到一笔送儿子去日本的钱而去撞汽车的。可是父亲为什么一定要把儿子送到日本呢?

  居恭平因开枪拒捕而被击毙了。栋居得到新线索,找到了焦尼的父亲。一切终于真相大白:原来,威尔歇在任战后驻日美军士兵时同八杉恭子同居生下了儿子焦尼,美军撤出日本时他把儿子带走了。而八杉恭子不久嫁了个黑市小商人郡阳平,对他隐瞒了过去,生下了儿子居恭平。在美国的焦尼长大成人思念母亲,威尔歇于是通过撞车为儿子挣了一笔钱,让他来日本。而此时郡阳平成了一个有相当实力的资本家,八杉恭子也成了赫赫有名的服装设计艺术家,为了维护自己的地位和家庭的名誉,八杉恭子亲手杀死了来找自己的黑人儿子焦尼,同时为了掩盖自己的过去,她又杀害了知情的老妇人中山种。

  正当服装设计的颁奖礼即将结束时,栋居告诉了八杉恭子她的儿子居恭平被击毙的消息,两个儿子都死了,八杉恭子的精神崩溃了。

  从授奖大会出来,八杉恭子驾车向雾积的山峦飞驰而去。她用尽力气把手中的草帽投向山谷,自己也纵身跳下了山崖。麦秸草帽在山谷里飘落、飘落,山谷里又响起了焦尼关于草帽的歌声^悲伤的草帽

  许多人对于电影《人证》的记忆似乎更多地源于那首凄凉哀婉、如泣如诉的《草帽歌》。《草帽歌》的歌词出自日本著名诗人西条八十的同名诗作,原是一首儿童诗,诗中模仿孩子的口吻向妈妈倾诉着一种孩子式的失落感和忧伤情绪。西条八十的《草帽歌》开头是这样的:


  妈妈,我的那顶草帽怎么样了?/在那夏日从碓冰去雾积的路上,/落在溪谷里的那顶草帽!/妈妈,我爱那草帽!/可是,一阵清风将它吹走,/那时节,我是多么懊恼!

  影片的主题曲《草帽歌》是一首地道的黑人歌曲,有趣的是原唱者乔治与他扮演的剧中人焦尼的身世极为相似,也是美国黑人与亚裔的后代。歌曲以焦尼的口吻唱出,深沉、哀婉的歌声表达了儿子对母亲的眷恋和失去母爱的悲哀。

  八杉恭子的扮演者冈田茉莉子在年近古稀时回顾这部影片说:“《人证》是我表演转型时期的一部作品,在这之前我没有塑造过心理如此矛盾复杂的母亲形象。虽然这部影片是一部推理片,却具有一定的社会批判性,八杉恭子这个人物很真实,在她身上蕴涵了太多历史性和社会性的东西。”在谈到《草帽歌》时,冈田茉莉子说这是她最喜爱的一首歌曲,每次听这首歌曲,她都忍不住会掉下眼泪。

  文艺爱好者陈贤庆曾根据《草帽歌》的形式创作了一首诗,表达了对电影《人证》的感触,读来仍觉凄婉动人——

  妈妈,你为什么杀我?/我千里迢迢来到你身边,/就为了这个?

  妈妈,你为什么杀我?/人人都赞美母子之情,/这事怎么评说?

  妈妈,你为什么杀我?/人世间虽有贵贱之分,/但就该惹来这灾祸?

  妈妈,你杀了我,/你又怎能心安理得,/继续过你上流人的生活?

  妈妈,你杀了我,/也杀了弟弟,杀了自己呀,/人性会证明你的罪过。

  ☆根据日本著名作家松本清张的原著小说改编而成的《砂器》可看做《人证》的姊妹篇,故事讲述了在一个初夏的清晨,国铁蒲田停车场发现一具男尸,今西和吉村警士对案件展开了调查。蒲田站前小酒店的服务员提供线索说,曾有一男子与被害者在此饮酒,经过一系列的分析推理,最后终于查出了真相。原来,被害人是岛根县的三木巡警,他的养子和贺本名本蒲秀夫,其父本蒲千代吉得了麻疯病就要死了,于是三木将他送到了医院,并将本蒲秀夫收为养子。后来本蒲秀夫改名为和贺英良,成了知名的作曲家,他怕暴露自己和麻疯病父亲的关系会毁掉名誉、前程,于是杀死了养父三木。

  影片含有极深刻的人生意义,它将生活剖析为“生下来,活下去”,即生活的价值在于质而不是量,要靠自己的奋斗,要活出生命的理想状态,让活着的每一天都充实,都无愧于己,这在某种意义上深化了影片的主题。

  ☆著名影片《追捕》是根据日本推理作家西村京太郎的小说改编而成的,检察官杜丘为人正直,却被诬告犯有强奸和抢劫罪,杜丘一面逃避警察追捕,一面独自侦察,途中巧遇牧场主女儿真由美,二人产生爱情。杜丘在真由美的帮助下突破各种险阻,终于查明诬告人横路的下落,并使事情真相水落石出,原来因杜丘对警方判定某国会议员自杀一案持保留态度,真凶、某制药公司经理长冈便买通横路诬告陷害杜丘,以除后患。案情终于大白,长冈被击毙。

  影片在我国上映时曾引起过极大的反响,导演佐藤纯弥的执导风格再一次被肯定,而著名影星高仓健和中野良子饰演的男女主人公杜丘和真由美也给人们留下了深刻的印象。

  ☆《远山的呼唤》是日本著名女作家三浦绫子的代表作,是一部充溢着悲悯情怀与宽恕的爱心的作品,小说后来被搬上了银幕。影片由著名演员高仓健和倍赏千惠子联袂出演,他们的倾情演出将一个逃犯和一个村妇的不寻常经历演绎得凄美动人。影片产生的影响是潜移默化的,曾经感动并影响着20世纪80年代中国青年的婚恋观。








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城南旧事
具有极强的平民意识,一部纯美的散文式的电影

  一种委婉的诗意,一片宁静的意境

  近乎一幅素雅、淡泊、简约的中国水墨画


  1982年出品

  导 演:吴贻弓

  主 演:沈 洁

  郑振瑶

  张 闵

  ·第三届中国电影金鸡奖最佳导演、最佳女配角和最佳音乐奖

  ·菲律宾第二届马尼拉国际电影节最佳故事片金鹰奖

  ·南斯拉夫第十四届贝尔格莱德国际儿童电影节最佳影片思想奖

  ·厄瓜多尔第十届基多城国际电影节二等奖——赤道奖

  半个多世纪前,小女孩林英子跟随着爸爸妈妈从台湾飘洋过海来到北京,住在城南的一条胡同里。京华古都的城垛颓垣、残阳驼铃、闹市僻巷……这一切都让英子感到新奇,为之着迷。会馆门前的疯女子、遍体鞭痕的小伙伴妞儿、出没在荒草丛中的小偷、朝夕相伴的乳母宋妈、沉疴染身而终眠地下的慈父……他们都曾和英子玩过、谈笑过、一同生活过,他们的音容笑貌犹在,却又都一一悄然离去。为何人世这般凄苦?不谙事理的英子深深思索却又不得其解。

  50多年过去,如今远离北京的游子,对这一切依然情意缱绻。那一缕淡淡的哀愁,那一抹沉沉的相思,深深地印在她童稚的记忆里,永不消退……

  根据著名女作家林海音的自传体小说改编而成的电影《城南旧事》满含着怀旧的基调,它将其自身包含的多层次的情绪色彩,以一种自然的、不着痕迹的手段精细地表现出来。影片中的一切都是那样有条不紊,缓缓的流水、缓缓的驼队、缓缓而过的人群、缓缓而逝的岁月……景、物、人、事、情完美结合,似一首淡雅而含蓄的诗。

  在北京度过的25年可以说是我的金色年代,可以和故宫的琉璃瓦互映。北京城南的胡同、四合院,西山脚下的毛驴,以及脖子上挂着铃铛的骆驼……这些都给了我不尽的创作灵感。

  ——著名女作家 林海音  

  我被小说《城南旧事》中那种沉沉的相思、淡淡的哀愁深深打动了,整部小说充满了朴素、温馨的思想感情。当这部影片上映后,这种情感同样打动了无数的观众。

  ——本片导演 吴贻弓  

  看《城南旧事》,心头漾起一丝丝的温暖,因为已经很少看见这样精致的东西,因为她不刻意表达什么,只一幅场景一幅场景地从容描绘一个孩子眼中的老北京,就像生活在说它自己。那样地不疾不徐,温厚淳和,那样地纯净淡泊,弥久恒馨,那样地满是人间烟火味,却无半点追名逐利心。 

  ——影评人 凌 梦  

  20世纪20年代,小女孩林英子随着爸爸妈妈从台湾飘洋过海来到北京城,往在北京城南惠安会馆附近的一个小院里。爸爸是大学教授,家里还有一个小弟弟和乳母,英子的童年就在这种无忧无虑的氛围中度过。

  英子在胡同玩耍时,总会看到会馆门前痴立的“疯女人”秀贞,渐渐地,她们熟识了,秀贞非常喜欢英子,英子也很喜欢她。从秀贞口里,小英子知道她的情人是一个北大学生,因为参加学生运动,被反动军警抓走了,下落不明。而他们的女儿“小桂子”也被人扔到齐化门城根底下,至今生死未卜,秀贞就成了现在这种疯疯癫癫的模样。小英子很同情秀贞,答应帮她寻找小桂子。

  胡同还住着个卖唱的人家,卖唱的小姑娘妞儿是和英子一起玩的小伙伴,妞儿是个弃儿,生性老实,受尽养父、养母虐待,有时还受外人的欺侮,英子总是替她不平。

  在一个大雨倾盆的夜晚,妞儿挨了打,跑到了英子家,向她诉说了自己的身世。英子意外地发现,妞儿的耳朵后有一个痣,她想起秀贞曾说过女儿小桂子的耳后也有一颗这样的痣,原来小伙伴妞儿就是小桂子!英子立刻把妞儿拉到秀贞家,让她们母女团聚,就在这个晚上,秀贞带着妞儿去寻找小桂子的生父了,她们的身影消失在雨夜中……

  在送走秀贞母女的那个夜晚,英子病倒了。病好了之后,英子家搬家了。她也到了上学的年纪,在课堂上,她跟着老师念“国破山河在,城春草木深……”。在离英子家不远的一个荒草丛生的破院子里,英子又结识了一个新朋友,他总是在草丛里掩盖着什么。他们常常在一起聊天,英子得知他还有个学习非常好的弟弟。

  谁知,那人竟是一个小偷,不久,他就被警察抓走了。可是,英子并不认为他是个坏人,因为他曾说过自己是为了“奔窝窝头和供弟弟上学,不得已才走了这一步”的。这个朋友也“走”了。

  英子家的乳母宋妈抛下自己的儿女、家庭,到林家当佣人,辛辛苦苦地赚钱养活在乡下的男人和孩子,她的男人有时也来看看她。英子的弟弟就是吮着宋妈的奶水长大的,宋妈勤快、诚实,她很喜欢小英子和她的弟弟。

  一天,英子放学归来,看见宋妈呆呆地坐在廊檐下。原来她的儿子小栓子淹死了,她的女儿也不知被丈夫卖到了什么地方……

  英子有一个非常慈祥可亲的父亲,他喜欢书和花、鸟,更喜爱英子和弟弟。在他身边经常聚拢着一些进步的学生,他们共同商讨着革命道理。

  可是好景不长,父亲患肺病离开了人世,英子和母亲、弟弟一起,把父亲埋在北京郊区山间的台湾义地里,他们要回台湾老家去了。宋妈被她乡下的丈夫用小毛驴驮走了。英子怅惘地望着宋妈,似乎她在北京所拥有的一切都永远地离她而去了……

  淡淡的哀愁,浓浓的相思

  吴贻弓执导的《城南旧事》透过一个小女孩的纯真眼光展示了20世纪20年代老北京的社会风貌,带领人们重温了当年那笼罩着愁云惨雾的生活。影片在结构上犹具独创性,编导排除了由开端、发展、高潮、结局所组成的情节线索,以“淡淡的哀愁,浓浓的相思”为基调,采用串珠式的结构方式,串连起英子与疯女秀贞、英子与小偷、英子与乳母宋妈3段并无因果关系的故事。这样的结构使影片具有多棱镜的功能,从不同的角度映照出当时社会的具体历史风貌,形成了一种以心理情绪为内容主体、以画面与声音造型为表现形式的散文体影片。

  《城南旧事》中,导演对演员的选择和使用是得当的,英子(沈洁)的那双明亮、纯真、迷人、探索的眼睛足以使语言逊色;宋妈的朴实、含蓄、精湛的表演把人们带入那个痛苦的年代。导演没有刻意去追求直接的所谓“戏剧性”效果,而是把力量放在影片的那个无言的结尾。其实影片只表达了两个字“离别”——一个个人物在生活的历程中偶然相遇了,熟识了,但最后都一一离去了。秀贞和妞儿是那样,小偷是那样,宋妈是那样,最后,连父亲也是那样。在影片最后的5分钟里没有一句对话,而且画面以静为主,没有大动作,也无所谓情节,然而却用色彩(大片的红叶)、用画面的节奏(一组快速的、运动方向相悖的红叶特写镜头)、用恰如其分的音乐以及在此时此刻能造成惆怅感的叠化技巧等等,充分地传达人物的情绪,构成一个情绪的高潮。在这种情绪的冲击下,观众会自然地去总结全片给予他们的感受,因而也就达到了感受上的高潮。这个“高潮”并不是导演直接给予观众的,而是在观众心中自然形成的。清代文学家梁廷楠在《曲话》中说:“情在意中,意在言外,含蓄不尽,斯为妙谛。”影片《城南旧事》在艺术表现形式上追求的正是中国美学传统中这一最高境界。(佚 名)

  ☆“这部电影是我童年的一些记忆,尤其是对父亲的印象……”这是电影《童年往事》的开场白。《童年往事》是台湾著名导演侯孝贤的一部自传电影,影片以侯孝贤从小生长的凤山眷区为背景,纪录了他从国小到当兵之前的点点滴滴。在这里,侯孝贤以他特有的纪实
手法,透过固定镜头与画框的空间感,以及画面与旁白的交织,不但记录了他的成长,也同时记录了台湾当时某些角落里的世代交替。不管在政治上或是历史真实上有多少不同的讨论,这部影片确实记录了过去在这片土地上的一些人的消逝与另一些人的成长,就像电影的英文片名一样《THE TIME TO LIVE AND THE TIME TO DIE》。

  ☆电影《红衣少女》是一部很有新意的影片,它根据女作家铁凝的小说《没有纽扣的红衬衫》改编而成,通过一个16岁女生安然的目光体味和展现着变革时代的社会和人生,意味深远。影片抨击了当代社会中存在的大量带有封建色彩的陈腐的世俗观念,揭示了发人深思的具有时代特征的重大问题:在变革时期,老一辈希望下一代成为什么样的人,而年轻人要求自己做一个什么样的人?

  《红衣少女》非常敏感地描述了一个少女的生活,那种青春懵懂的意识和不谙世事的单纯,却又在朦胧之间感到大人世界的不可知,这种细腻的手法不论在当时还是在现在都是比较少见的。
莫扎特
人物传记片的顶峰之作

  轰动世界的第一流的视听享受音乐片

  深刻洞悉人性的经典之作


  1984年出品

  导 演:米洛斯·福尔曼

  主 演:汤姆·赫尔斯

  默里·亚伯拉罕

  伊丽莎白·贝里奇

  ·第五十七届奥斯卡最佳影片、最佳导演、最佳男主角等八项大奖

  ·第四十二届金球奖最佳影片、最佳导演、最佳男演员、最佳编剧奖

  ·百部美国经典名片之一

  在第57届奥斯卡颁奖礼上,音乐传记片《莫扎特》一举夺得8项大奖,轰动了全世界,这一夜也被称为“莫扎特之夜”。影片透过宫廷乐师萨列里的视角,折射出莫扎特的疯狂天才。萨列里兢兢业业,但资质平庸,莫扎特才气逼人,但不知天高地厚。妒火中烧的萨列里最终害死了莫扎特,但另一方面,他又是刚愎保守的维也纳音乐界中惟一能领悟到莫扎特作品精髓的人,是莫扎特绝无仅有的音乐知己。两人本可成为西方的俞伯牙和钟子期,却由于一方的嫉妒,最后双双以悲剧告终。嫉妒,这一人类最原始的阴暗心理,它毁灭掉了一段本应成为现实的人间佳话。

  《莫扎特》反映了艺术上的创新与模仿、生活中的天真与世故、人生道路上的善与恶的冲突,揭示了人类文化发展史上因无知和缺乏鉴赏力而扼杀天才这一可悲事实。莫扎特全名为“沃尔夫冈·阿玛迪亚斯·莫扎特”,片名《AMADEUS》正是取自中间的一段,拉丁文指“上帝所钟爱的人”,莫扎特是上帝钟爱的人,而萨列里却一手毁灭掉了他的绝世才华。上帝爱之深,庸人害之切,这是对世事的绝妙讽刺。_?在第57届奥斯卡颁奖礼上,音乐传记片《莫扎特》一举夺得8项大奖,轰动了全世界,这一夜也被称为“莫扎特之夜”。影片透过宫廷乐师萨列里的视角,折射出莫扎特的疯狂天才。萨列里兢兢业业,但资质平庸,莫扎特才气逼人,但不知天高地厚。妒火中烧的萨列里最终害死了莫扎特,但另一方面,他又是刚愎保守的维也纳音乐界中惟一能领悟到莫扎特作品精髓的人,是莫扎特绝无仅有的音乐知己。两人本可成为西方的俞伯牙和钟子期,却由于一方的嫉妒,最后双双以悲剧告终。嫉妒,这一人类最原始的阴暗心理,它毁灭掉了一段本应成为现实的人间佳话。

  《莫扎特》反映了艺术上的创新与模仿、生活中的天真与世故、人生道路上的善与恶的冲突,揭示了人类文化发展史上因无知和缺乏鉴赏力而扼杀天才这一可悲事实。莫扎特全名为“沃尔夫冈·阿玛迪亚斯·莫扎特”,片名《AMADEUS》正是取自中间的一段,拉丁文指“上帝所钟爱的人”,莫扎特是上帝钟爱的人,而萨列里却一手毁灭掉了他的绝世才华。上帝爱之深,庸人害之切,这是对世事的绝妙讽刺。

  在音乐历史中总会有一个时刻:各个对立面都一致了,所有的紧张关系都消除了。莫扎特就是那个灿烂的时刻。

  ——美国音乐学者 约瑟夫·马克利斯  

  我们不得不承认,影片《莫扎特》的音乐性、前瞻性和现实性都是极具深度的,它确实是一部高水平的、富于挑战性的影片,同样,导演米洛斯·福尔曼的导演技巧也是值得我们每一个导演学习的。

  ——美国著名导演 詹姆斯·卡梅隆  

  《莫扎特》突破了人物传记片的一般模式,它没有以一代天骄莫扎特的生平为主线,而是以追逐名利但却才能平庸的宫廷乐师萨列里与才华横溢、但不谙世事的莫扎特之间的矛盾和冲突为主展开故事情节,记录了莫扎特的坎坷而短暂的一生。它一改把古典音乐家当成“完人”或“圣人”来描绘的传统,颠覆了从莫扎特去世后由他太太开始的“贴金运动”,还原了莫扎特不完美的人生和完美的音乐之间的矛盾。

  ——佚 名  

  音乐堪称是本片一项重要的电影因素,影片的配乐中采用了大量莫扎特的原创作品,其与情节衔接之巧,烘托气氛之精妙,令人叹为观止。它让人们在为莫扎特的坎坷一生慨叹的同时,又不得不为他高超的音乐天赋而感动。

  ——影评人 刘芷丽  

  1823年一个下雪天的夜晚,在维也纳的一家精神病院里,一个名叫安东尼奥·萨列里的老人自杀未遂。他向一位神父忏悔,讲述多年前自己妒忌和暗害天才作曲家莫扎特的经过。

  在30多年前,萨列里在约瑟夫二世的王宫里任宫廷首席乐师,当放荡不羁、玩世不恭而又拥有绝世才华的莫扎特来到维也纳后,萨列里的心里开始感到了强烈的不平。

  莫扎特的才华既令萨列里惊叹,也使他陷入深深的绝望之中。心胸狭窄的萨列里由嫉转恨,决心不惜一切代价毁灭掉这个强大而可怕的“对手”。

  由于约瑟夫二世的喜爱,莫扎特一直留在维也纳写歌剧。他创作的歌剧《后宫诱逃》、《费加罗的婚礼》都是不朽之作,然而虽然莫扎特的音乐造诣超尘脱凡,但在生活中他却是个不修边幅、行为恣肆的人。在萨列里的挑唆之下,保守、刻板的维也纳主流音乐界视莫扎特为“异端”,处处为他设坎施绊。莫扎特的乐谱遭到大量删改,作品无法在剧院上演,即使能够上演,也常常不超过1星期,因此他的经济收入很少,生活日渐困窘。

  于是,萨列里一面假装是最关心莫扎特的人,一面在精神上折磨他,他甚至收买了一个女仆,把她安插到莫扎特家做奸细,以了解莫扎特的家庭和创作情况。由于他的伪装,天真的莫扎特把他视为知己。

  莫扎特的父亲突然去世,这使他悲痛万分,精神上受到了很大刺激,身体状况也一落千丈。萨列里知道自己的机会终于来了。于是,他戴上莫扎特的父亲生前用过的假面道具,敲开了莫扎特的家门,要他谱写一篇《安魂曲》,莫扎特就在恐惧和疾病的双重折磨下夜以继日地工作。不久,他所创作的歌剧《魔笛》在剧院上演了,由他自己担任乐队的指挥,终于有一天,在演出进行到一半时,莫扎特由于体力不支而晕倒在地。

  在莫扎特的病床边,萨列里还逼他写《安魂曲》,病床上的莫扎特极度虚弱无法执笔,萨列里建议由他执笔而莫扎特则口述。莫扎特的灵感像泉水般喷涌,萨列里甚至来不及记录。

  曲子完成了,天才的生命之火也熄灭了,年仅35岁的莫扎特英年早逝。而萨列里虽然阴谋得逞了,但自感莫扎特的冤魂日夜索命不休,他备受道德与良心的煎熬,最后精神失常,被送进疯人院。时光流逝,曾经显赫一时的萨列里渐渐被人遗忘,而莫扎特的作品却成为人类音乐殿堂里的瑰宝,在世间永远传唱……天才和庸才

  影片《莫扎特》主要描述了两个人物:纯洁、真挚、善良、桀骜不驯的莫扎特——他被誉为上帝的宠儿;阴冷、伪善的宫庭音乐家萨列里——一个站在上帝对面的人。萨列里曾因为对音乐的热爱和对名利的崇拜而信仰上帝,然而仅仅是因为嫉妒使他选择了与上帝为敌,变成了魔鬼。


  那个痛苦的灵魂虔诚地请求上帝:“我秘密地对上天说出一个小男孩能想到的最辉煌的祈祷词:‘主啊,让我成为一个伟大的音乐家,让我用音乐来赞美你的荣耀并且使自己扬名,让我闻名全世界,亲爱的上帝,让我不朽,在我死后让人们怀着对我的作品的爱永远记住我的名字,作为回报我将一生保持纯洁、幸福、谦恭地对待你,阿门。’”

  他苦苦地质问上帝:“我惟一的愿望就是对上帝歌唱,上帝给了我那种渴望却又让我失声,为什么?告诉我,如果他不想让我用音乐赞美他,为何要在我心中种下渴望,让我充满强烈的欲望却又不给我天资?”

  他绝望地控诉上帝:“那仁慈的上帝,他毁掉了自己的宠儿,他没有让我这个庸才分享哪怕是一点点他的荣耀,他杀死了莫扎特,却让我活活受折磨,32年的痛苦折磨,32年让我看着,看着自己慢慢消亡,我的音乐光彩越来越黯淡,最后根本没人再演奏它,而他的音乐却流芳百世……”

  当神父真诚地说着:“在上帝眼里,所有人都是平等的。”你是否能听得出其中的讽刺意味?

  嫉妒如同人心灵的肿瘤,这种痛苦使一个人神经分裂,就好像在那个黑色的铁屋里所有的人都睡着,惟独你醒来,却无论如何挣扎也出不去。你透过“那一丝不苟的笔画所围成的牢笼,凝视着一个绝美的东西”,你想再睡,却又再也睡不着了。这种痛苦足以让人敢于仇恨上帝。结尾,可怜的庸才也终于发出忏悔,而上帝也通过庸才传达了一个声音,那就是:“全世界的庸才们,我饶恕你们。”

  世界各地的庸才因嫉妒而生害人之心的事太多了。我们似乎都是被教着去谴责那些嫉妒者:要认为他们无能,丧尽天良,不仁不义。可是,嫉妒之心还是在每个人的心里隐藏着,像野草一样一有机会就疯狂地生长着,悄悄地影响人们的生活。这种不宽容更导致了嫉妒的被压抑,在黑暗中的魔鬼更可怕,他在白天伪装,这种不平衡不断积累,总有一天不在沉默中爆发,就在沉默中灭亡。请给嫉妒一种宽容的观望。

  我不下地狱,谁下地狱?

  好多事说起来容易,真正体会又是另一回事,其实,都由不得你。(佚 名)

  ☆作为印度的圣雄,甘地在无数的印度人民甚至世界人民心中是一个传奇式的人物。而影片《甘地》则通过3个多小时的时间完整而真实地再现了这一伟大人物光辉而灿烂的一生。

  本·金斯利主演的《甘地传》受到了广泛的关注,它不仅在第55届奥斯卡颁奖典礼上获得8项大奖,而且让作古多年的印度国父——甘地重新被人们怀念。影片描述了甘地为了印度的独立自主而运用非暴力的方式抗议英国政府,以及为了巴基斯坦与印度的暴力冲突而抗议,使社会秩序得以恢复的丰功伟绩。本片最大的成就就在于宣扬了这位英雄的伟人风骨,以及非暴力主义的和平思想。因本片而得奖的多位领奖人,上台后着重强调的一句话就是:真正获奖的应该是甘地本人。

  ☆影片《莎翁情史》又名《恋爱中的莎士比亚》以莎士比亚的名作《罗密欧与朱丽叶》为引线,讲述了莎士比亚本人的爱情罗曼史,并点出其创作《罗密欧与朱丽叶》的主因及过程。当时生活清贫的莎士比亚在创作一部名为《罗密欧与海盗之女伊桃》的喜剧时,与美丽的少女维奥娜相识,这为他带来了不少创作灵感。正当莎士比亚坠入爱河之际,却传来维奥娜即将嫁与一个贵族的消息,莎士比亚在悲痛之中,将他的喜剧改为悲剧,取名《罗密欧与朱丽叶》。

  《莎翁情史》获得第71届奥斯卡7项大奖,轰动一时。
芙蓉镇
一部反映建国以来多次政治运动中小人物悲欢离合的电影

  一部耐人寻味的电影,一个难以忘怀的小镇

  “电影泰斗”谢晋的扛鼎之作


  反映了“文革”前后十几年人物命运的升沉变迁

  1986年出品

  导 演:谢 晋

  主 演:刘晓庆

  姜 文

  ·第七届中国电影金鸡奖最佳故事片、最佳女主角奖等四项大奖

  ·第十届电影百花奖最佳故事片、最佳男演员、最佳女演员奖等四项大奖

  ·第三十三届西班牙瓦亚多利德国际电影节评委特别表彰奖和观众奖

  ·法国第五届蒙特利埃国际电影节金熊猫奖

  谢晋是中国电影史上泰斗级的人物,他的作品得到了国内外数以亿计观众的承认和喜爱,被海外影评家们誉为“当今国际影坛上最有名望的中国人”!谢晋的影片充满着人性、人情、人道主义精神,具有深刻的内涵和鲜明的个性,他曾说过:“我深信一部影片必然倾注导演最大的激情,是艺术家人品、修养的结晶,也是一次生命的燃烧。”“我拍影片更多地追求美育作用、警世作用 ,希望对祖国、对人类贡献美!”

  就是在这样的观念引领下,谢晋导演在20世纪80年代执导了著名影片《芙蓉镇》,它以一个小镇上几个普通人物在“文革”前后十几年里命运的变化,从他们的个性不同程度的被扭曲、被异化,向人们展示了小人物在社会变革大潮中的踉跄足迹,以此来探讨极左思想的渊源,来反思民族的历史。由于《芙蓉镇》刻画了“文革”的动乱岁月,在当时曾引起很大争议,但谢晋力排众议,完成了这部具有里程碑意义的作品,推动了思想解放和对动乱岁月的思考,并用艺术的形式向世人宣告了动乱岁月的终结。

  《芙蓉镇》将道德批判与历史批判融为一体,以人物命运的变迁传达出深广的社会内涵,揭示了极左路线给人民造成的灾难,富于人道主义精神。影片继承和发扬了我国现实主义电影的优良传统,取得了雅俗共赏的社会效果。

  ——第10届百花奖评委会  

  总的来说,《芙蓉镇》仍然是一部谢晋式的“哀而不怒”的电影,但在当年那个特定的年代却引发了人们对“四清”、“反右”、“文革”等历史问题清算的热情。

  ——《中国新闻周刊》  

  《芙蓉镇》通过芙蓉镇上的女摊贩胡玉音、“右派分子”秦书田等人在“四清”到“文化大革命”的一系列运动中的遭遇,对中国50年代后期到70年代后期近20年的历史做了严肃的回顾和深刻的反思。芙蓉镇上的风风雨雨正是中国当代社会历程的缩影。编导者采用近乎编年史的手法,通过众多人物的升沉荣辱表现了各式人物在历史面前的真实面目,同时发出了对人性的呼唤和对美好感情的讴歌。

  ——佚 名  

  《芙蓉镇》是一部内容与形式俱佳的经典之作,是与《活着》一样细腻又激烈地描写如何在变迁的环境中保持美丽与优雅的好电影。纯粹的人性贯穿全片,放射着耀目的光芒,令人难忘。谢晋在片中把乐观与绝望,欣喜与悲伤,平静与混乱,真实与虚假编成绝妙的织体,平衡,精致,干净,暗地里又涌着股浓烈的激情,气韵非凡,浑然天成。

  ——网友留言  

  《芙蓉镇》是根据古华的同名小说改编而成。

  在山清水秀、民风淳朴的芙蓉镇,人称“芙蓉仙子”的胡玉音跟丈夫黎桂桂开了一个豆腐坊,以卖米豆腐为生。胡玉音美丽大方,待客热情,黎桂桂心地善良,忠厚老实,因此小两口的生意很红火。经过几年起早摸黑的劳作,夫妻俩用省吃俭用攒下的钱盖起了新房。落成之日,镇党支部书记黎满庚,南下老干部、粮站主任谷燕山和乡亲们都来祝贺。可这一切却引起了国营饮食店的女经理李国香的嫉妒。

  不久,“四清”运动开始了,李国香当上了工作组长,一直对胡玉音垂涎三尺的“土改根子”二流子王秋赦成了运动的“积极”人物,他们二人狼狈为奸,大抓阶级斗争。结果胡玉音家被划成“新富农”,新屋被查封,黎桂桂也被逼自杀了。曾帮助过他们的黎满庚和谷燕山都受了牵连,黎满庚是因为自幼与胡玉音青梅竹马,早年为服从组织要求而与胡玉音分手,这时被认定为阶级界线不清而降职。而谷燕山的问题则是因为曾卖给胡玉音碎米,因而也被撤职了。

  在接踵而来的“文化大革命”中,王秋赦又成为运动骨干,当上了镇党支部书记,而李国香却被赶下台,昔日以打击别人为乐的她被在脖子上挂满了破鞋游街,也尝到了受侮辱的滋味。芙蓉镇笼罩在恐怖当中。

  胡玉音成了富农寡婆后,处处受欺凌。在“文化大革命”开始后,被命令每天和“右派分子”、原地区歌舞团编导,人称“秦癫子”的秦书田一起扫大街,秦书田给了胡玉音以真诚的关怀和帮助,同病相怜的两个人逐渐产生了感情,并不顾一切地相爱了。

  而此时李国香的问题忽然得到解决,她身兼数职,又恢复了从前威风显赫的嘴脸。胡玉音怀孕后,秦书田请求王秋赦批准他们登记结婚,不料因此惹恼了李国香,厄运又一次降临,秦书田被判刑10年,胡玉音也被判刑3年,因怀孕而监外执行。

  从此,胡玉音更是忍受屈辱,挣扎求生。寒冬腊月,大雪纷飞,她因难产而险些丧生,多亏谷燕山拦下一辆军车,将她送到部队医院,才救了母子二人的性命。

  冬去春来,历史又一次发生了逆转,动乱的年代终于结束。秦书田和胡玉音得到彻底平反,一家三口终于团圆了。他们开办了胡记米豆腐店,直起腰杆开始了新生活,米豆腐摊前兴隆如初了。

  李国香又高升了,而这时运动分子王秋赦已经变成了疯子,他敲着破锣,终日嘶哑着嗓子叫嚷:“运动了,运动了……”

  《芙蓉镇》里的性史

  作为中国电影史上的力作,《芙蓉镇》对历史的反省与指控,对自“四清”至“文革”中人们普遍所遭受的伤害的揭示,都被认为是极具批判力的。而导演谢晋用个体的“性”心理动机来解释历史事件的意识和手法在《芙蓉镇》里也达到了成熟。

  胡玉音的美貌是《芙蓉镇》里的一个重要的“叙事功能”。只有在红火的米豆腐生意加上“豆腐西施”的美貌,才构成了老处女李国香、二流子王秋赦的嫉妒与艳羡,情节冲突才得以产生。

  “性”的张力在《芙蓉镇》的故事发展中无处不在。胡玉音与李国香之间鲜明的二元对立自然就是两个女人之间的美貌与丑陋。李国香对退伍军人、现为粮站干部的谷燕山眉目传情,但谷燕山对这个女人似乎视而不见,而对胡玉音则是格外地热心肠。所以对李国香来说,胡玉音是对她作为“女人”身份和幸福的侵犯与阻碍。而实际上,谷燕山因为打仗时伤到了性器官,是个没有性能力的男人,这就是他压抑着自己的性爱而把对胡玉音的感情转化为一种父兄之爱的绝佳反证。所以就不难理解谷燕山被李国香诬陷与胡玉音有肉体交易时感受到的痛苦,这是一种情感隐私、私人领域被侵犯的痛苦。这样一来《芙蓉镇》历史批判力的深度也陡然上升,“四清”也好“文革”也好,种种大革命群众运动的天生缺陷就在于对私人领域的监视和否定。


  而李国香也在借助政治运动的力量,在合理合法的外壳下,惩罚了“情敌”胡玉音与谷燕山。具有讽刺意味的是,李国香在“文革”中被批斗时查抄出来许多“男人的东西”,脖子上挂上破鞋游街,这一段和谷燕山被诬陷的情节恰恰构成一种互文本关系:李国香诬陷谷燕山和红卫兵批斗李国香其实都是对“偷窥癖”的满足的行动后果,但却都是假借正义公正之名。因此实际上最不人道的事情就是对私人情感领域和隐私的侵犯。所以,《芙蓉镇》批判的矛头就绝不仅仅是“运动”了,而是人性。

  “性”张力同时也集中表现在王秋赦的身上。在故事的开端阶段,在一个镜头中我们看到了王秋赦对胡玉音性感的乳房的垂涎,而在正常的社会秩序里,二流子王秋赦是无法得到性满足的,因此通过政治运动改变社会秩序和自身地位是王秋赦的直接目的。所以,在已成为镇领导的王秋赦听说秦书田要和胡玉音结婚时大怒,问秦书田:“难道你和她睡了?!”并恼羞成怒地把秦书田判了刑。

  而王秋赦与李国香的二度合作也是建立在二人性关系的基础之上,尽管这段情节的交代是模糊的、潜台词的、暗喻的。王秋赦把自己收拾打扮精神来讨好李国香,开始李国香只是矜持地述说革命话语,待二人拥抱后,李国香冒出一句:“没洗脖子。”可见李国香早已经明白王秋赦的心意,两个人是心有灵犀一点通,在政治宽赦和为共同革命事业工作的外衣保护下,老处女李国香和光棍王秋赦的“性渴望”得到了些许的满足,也可以反过来说,李国香和王秋赦的性结合也形成了政治运动上的一股势力,在谢晋看来,政治运动是可以用“性”的问题来做个人化的解释的。

  记得看《芙蓉镇》时,看到胡玉音和秦书田依偎细语、相拥而眠的时候,一位朋友就说:“爱情还是很美好的嘛!”其实我也觉得王秋赦和李国香拥抱的那场戏也很富于人性味道,对于这两个用冷漠的政治面孔异化自己的人来说,人性底色的外露,哪怕是掺杂了一些猥亵,也还是让我们看到了人性里脆弱的部分。(佚 名)

  ☆拍摄于1961年的《红色娘子军》通过女奴琼花成长为革命战士的过程,表现了30年代初海南岛一队“红色”妇女“砸碎铁锁链,扛枪为人民”的英雄业绩。影片故事情节曲折动人,有浓厚的传奇色彩。编导的构思新颖巧妙,处理手法简洁清晰,曾获首届百花奖最佳故事片、最佳导演、最佳女演员和最佳配角4项大奖,标志着谢晋导演艺术的日渐成熟,他日后追求的“雅俗共赏”的美学原则,在这部影片中已经有了清楚的显现。

  ☆电影《牧马人》是根据著名作家张贤亮的小说《灵与肉》改编而成,由朱时茂和丛珊主演。影片讲述的是20世纪80年代初,老华侨企业家许景由从美国归来,找到了在西北敕勒川牧场工作的儿子许灵均,决定带他去美国继承遗产。而30年来,许灵均经历了孤儿到右派分子的痛苦,他是在牧民的关怀下才鼓起了生活的勇气,结婚生子,并走上了教师的讲台。这一段无法忘怀的往事使许灵均决定留在祖国的大草原,而许景由最终也理解了儿子,找到了重温父子之情的共同语言。《牧马人》是“文革”结束后,谢晋的又一部“右派”题材的影片,影片上映后产生了极大的轰动,并获第6届电影百花奖最佳故事片奖。

  ☆《高山下的花环》根据李存葆的同名小说改编,是谢晋执导的另一部脍炙人口的佳片,影片塑造了梁三喜、赵蒙生、靳开来等一批个性鲜明的人物,反映了对越自卫反击战中战士们在血与火的洗礼中经受了考验,以及他们一心为国,以保卫国家和人民的安全为己任的高尚品质。影片获第8届电影百花奖最佳故事片奖,被誉为是反映中越战争故事片中的“最有深度、最具逼真感染力度的翘楚之作”。
红高粱
用恶作剧的达观态度来演绎沉重得不能再沉重的历史

  犹如一声霹雳,惊醒了西方人对中国电影所持的蔑视与迷幻

  具有里程碑的意义,以极端的表现方法表现出过去电影中没敢表现的人的精神和张扬的个性


  1987年出品

  导 演:张艺谋

  主 演:巩 俐

  姜 文

  滕汝骏

  ·第三十八届柏林国际电影节金熊奖

  ·第八届中国电影金鸡奖最佳故事片、最佳摄影奖等

  ·第十一届电影百花奖最佳故事片奖

  ·法国第六届蒙特利埃国际电影节银熊猫奖

  ·第八届香港电影金像奖十大华语片之一

  80年代末,中国电影市场的急剧变化使得曲高和寡的“探索片”难以为继,于是,中国的中、青年导演在艺术追求上开始走向分化,部分导演拍出了探索性与观赏性相结合的影片,张艺谋执导的《红高粱》就是这一时期最有代表意义的作品。

  《红高粱》是根据著名作家莫言的小说《红高粱家族》改编,它以崭新的艺术形式,描绘了中国三四十年代一伙农民古朴、野性的生活和他们与侵略者浴血奋战的过程。明快、紧凑、张弛有度的节奏,画面、色彩、光线及其所构成的生动而浓烈的视觉形象,这一切电影艺术的表现令业界对中国电影刮目相看,《红高粱》在国际影坛引起了极大的轰动,被认为是中国电影真正走向世界的新的开始。

  在《红高粱》里,张艺谋向人们展示了中国古老文明积淀而成的一个隐秘的故事,他以红色为影片的基调,通过人物的塑造歌颂了自由的生命的真谛——爱就真爱,恨就真恨,大爱大恨,大生大死,因而唤起了人们对那个疯狂而无序的年代里的英雄所具有的那种漫溢的激情、漫溢的野性和漫溢的自由的追求。

  电影《红高粱》画龙点睛,把我的小说中最精华的部分,也是我最下力气的部分选择出来了。我对张艺谋说过,我不是鲁迅也不是茅盾,改编他们的作品需要忠实原著,改编我的作品,你愿意怎么改就怎么改,小说无非为你提供了材料,激发了你创作的欲望,你放手大胆地干。电影比小说的影响大多了,1988年春天过后,我走在路上,深夜里也能听到许多人大声唱《红高粱》里的歌曲。我觉得电影确实不得了,我的小说能碰上张艺谋导演,感到很幸运。

  ——著名作家、电影《红高粱》的编剧之一 莫 言  

  《红高粱》这部电影我看了3遍,我认为这是中国拍得非常好的一部,尤其是在揭露日本兵侵略中国这个战争犯罪的事实上,影片的艺术手段表达得很充分,这真的是一部非常好的电影。

  ——日本著名作家 大江健三郎  

  喜欢张艺谋是因为看了他的《红高粱》,当时我上初中,还不知道张艺谋是谁,但是《红高粱》让我记住了张艺谋。片中那种自始至终的红让我热血沸腾,红高粱、红棉袄、红花轿、红辣椒……黄土高原的空旷,高粱地里热血男女的激情云雨,高昂粗野的西北嗓音,《妹妹你大胆地往前走》那首突破礼教、追求自由的呐喊,着实打动了我。有句话叫做:“只有是民族的,才能是世界的。”《红高粱》就是这样的代表。。

  ——网友留言  

  本片以第一人称叙事。故事发生在抗战初期的山东高密县的一个农村,“我”奶奶九儿是山东高密县某村一个美丽的姑娘,她对未来一直充满着美好的幻想,可为了换一头能干活的骡子,她却被贪财的曾外祖父嫁给了十八里坡50多岁的有麻风病的烧酒作坊主李大头。

  李大头的丑陋和猥琐我奶奶早有耳闻,可父命难违,她只好揣着一把剪刀上了花轿。当送亲队伍行至青杀口时,从密密的高粱地杀出一个劫道人,要抢轿夫的工钱和我奶奶。生来胆大的轿头余占鳌瞅准机会扑向劫道人,轿夫们一拥而上,几下就要了他的命。我奶奶在心里暗暗对勇猛的轿夫余占鳌有了好感。

  见了李大头,奶奶的厌恶感更为加深,而李大头也是个窝窝囊囊的家伙,我奶奶手拿剪刀守了两夜,他硬是没敢近身。第3天,按规矩我奶奶应该回门子了,曾外祖父牵着毛驴来接她,可他们行至青杀口,一只有力的胳膊把我奶奶抱下毛驴,向高粱深处走去。稀里糊涂的曾外祖父竟没有发觉。进了高粱地,那人把我奶奶放在地上,撕下了蒙面黑布,我奶奶发现这人竟是余占鳌,两人相对,激情迸发。从此,他就成了“我”爷爷。

  几天后我奶奶回家,发现李大头死了。从此,我奶奶撑起了这个烧酒作坊。

  不久,土匪秃三炮劫走了我奶奶,忠实的家人罗汉大爷和伙计们东拼西凑了3000块大洋,将我奶奶赎回来。我爷爷跑到秃三炮的狗肉铺,把菜刀架在他的脖上,秃三炮用脑袋保证没有动我奶奶,我爷爷才饶了他一命。我爷爷在刚酿好的高粱酒里撒了一泡尿,没想到竟酿成了喷香的好酒,我奶奶给它取名叫十八里红,后来我爷爷和我奶奶终于结为了夫妻,生下了我爹豆官。

  我爹9岁那年,日本鬼子来了,他们用刺刀逼着乡亲们踩倒高粱,给他们修路,还掳去了乡亲们的骡马牲口。罗汉大爷气不过,乘着夜色到了日本鬼子的营区里,用铁锹铲伤了无数的马腿,结果被鬼子捉住了。

  为迫使乡亲们服从其统治,日本鬼子惨无人道地逼着狗肉铺的伙计把罗汉大爷剥皮示众。这种极其野蛮的行为激起了村民们强烈的仇恨和反抗情绪。夜晚,我奶奶搬出当年罗汉大爷酿的十八里红让伙计们喝,大家放开嗓子唱着“喝了咱的酒,见了皇帝不磕头;喝了咱的酒,一人敢走青杀口……”斗志昂扬地去打日本鬼子。

  我奶奶做好了饭菜,在黄昏的时候挑着担子去犒劳我爷爷他们。路上,她被日本人的机枪打死了。愤怒的我爷爷和众伙计像疯了一样抱着火罐、土雷冲向日本军车。经过一番激烈的战斗,敌人的一辆军车被炸飞,可其他伙计们也死了。

  我爹豆官找到了我爷爷,看见他痴痴地站在我奶奶的尸体旁。夕阳如血,高粱如血,我爹唱起了古老的童谣:“娘!娘!上西南,宽宽的大路,长长的宝殿……”

  情欲的温床

  1985~1986年间,作家莫言完成了他的中篇小说杰作《红高粱》,并发表在《人民文学》杂志上。《红高粱》令人耳目一新,迅速震动文坛,评论界的反响十分热烈。莫言的名字也从此广为人知。

  遇到《红高粱》也是张艺谋的幸运。小说中对于红高粱的灵性化的描述,很容易激发像张艺谋这样的第5代导演的表现欲望,因此电影版的《红高粱》也深深地烙上了“张记”的印痕。在影片里,张艺谋几乎是身不由己地将原作藏匿于深处的情爱扯到前台,不惜笔墨地加以强化铺陈、表现,莫言小说原作里对情爱的赤裸裸的爆炸性描写,使得他共振地燃烧起来,出神入化地在高粱地里上演了一场撼动中国银幕的媾合场面,这使他压抑已久的情欲的想像真实地曝光在银幕上。倒塌的红高粱形成了情欲的温床,波澜壮阔的高粱地里设置了帷帐的屏障,无所不在的摄影镜头穿透进去,顺着姜文阳刚而伟岸的躯体,完成了对女性的俯视与压迫的情欲的主观角度再造。值得注意的是,莫言从来不讳言他不过是借他的高密东北乡的地域位置来表现他的想像中的世界,而实际上,他一炮走红的《红高粱》继承了《静静的顿河》中的偷情描写,并进行了中国化的改造,从而使得他在小说《红高粱》中的爱情描写既是中国的,同时也是舶来欧洲异域民族的。他的小说中如火如荼的爱情描写,直接影响了中国当代电影的爱情
走向。当《红高粱》中振聋发聩的野合场面震撼着东方人传统的温情脉脉的爱情观时,其实我们未尝不可以看做这是对西方人的爱情观的一次东方改写。

  也许从这方面讲,很难说第5代导演张艺谋的《红高粱》中的爱情是真正传统的中国意义上的,这种取自于西方传统民风的爱情风格再返回到国际影坛上后获得反响,就显得并不是一件什么奇怪的事情。你可以说是一种迎合,但不如说是一种回归。当你把西方人心目中的爱情以东方的面孔送回去的时候,东西方理解上的差异的壁垒可以说是不攻自破了。中国电影就是以这样的形式获得了西方评委的青睐。(佚 名)

  ☆影片《活着》是张艺谋根据著名作家余华的同名小说改编而成,该片对于人物的刻画深刻而细致,通过一个小人物的辛酸遭遇反映了整个社会的历史风貌,其间对平凡的生活悲剧发出了拷问,在普通的人生中体现出了另一种积极。

  ☆《一个都不能少》是张艺谋的又一部农村现实题材的作品,影片讲述了水泉小学的高老师要回家看望病重的母亲,村长从邻村找到只有10几岁的女孩魏敏芝给高老师代一个月课。高老师临走时再三叮嘱魏敏芝,一定要把学生看住,一个都不能少。于是魏敏芝整天让学生抄课文,每天清点人数,谁要把学生弄走就跟谁急,连村长的话也不听。班上10岁的张慧科因家中欠债无力偿还,不得不失学到城里打工。魏敏芝记住高老师临行前的叮嘱,决心把他找回来。她打听到张慧科在城里的住处,单身一人踏上了进城之路,开始了在茫茫人海里的寻找……

  影片选用的所有演员均未经过专业的培训,但却以其真诚质朴的表演,演绎出了震撼人心的故事。全剧感人肺腑,扣人心弦,激起了观众的强烈共鸣。

  ☆拍摄于2002年、花费了3000万美元制作的《英雄》是国内有史以来投资最大的电影,也是张艺谋执导的第一部大制作的商业影片,影片由杜可风摄影,程小东任武术设计,黑泽明电影的服装师、来自日本的和田惠美担任服装设计,汇集了李连杰、梁朝伟、张曼玉、章子怡、甄子丹、陈道明等大牌明星,阵容之强大在国内无人可及。

  《英雄》在上映10多天内即刷新了中国国产片的各项记录,并最终以超过2亿人民币的票房创下了国产影片的最高记录。在美国第60届金球奖中,《英雄》还获得了“最佳外语片”的提名。

  在影片中,张艺谋以自己独特的角度给了“英雄”以新的定义,在他看来,英雄并非是雄姿勃发、阳刚惨烈的形象,而是那个承担得最多的人,用他的话说:“英雄就是胸怀天下的人。”
十诫
电影史上伟大的经典之作

  透过世界上最伟大的人生契约引出满含悲悯和质疑的精神命题,探寻现代人是否能称量自己偶在生命的重负

  1988年出品


  导 演:

  克日什托夫·基斯洛夫斯基

  ·《关于杀人的短片》和《关于爱情的短片》蝉联两届欧洲电影奖最佳影片奖

  ·美国人必看的十部现代经典作品之一

  “我实在告诉你们,就是到天地都废去了,律法的一点一画也不能废去,都要成全。”——《十诫》语出《圣经》,据《圣经·出埃及记》载,十诫是耶和华所授,并命摩西颁布施行,其主要内容有:不可有别的神;不可为自己雕刻偶像;不可妄称耶和华你神的名;当将安息日守为圣日;当孝敬父母;不可杀人;不可奸淫;不可偷盗;不可作假见证陷害人;不可贪恋他人的一切所有。多少年来,摩西十诫被世界上数以亿计的人们奉为生活圭臬,成为四海通行的人生铁律。

  波兰伟大的作家式导演基斯洛夫斯基拍摄的电影《十诫》所讲述的并非上述摩西所传的上帝的诫命,而是离经叛道地将其演绎为10个以波兰为背景的现代故事。在影片里,基斯洛夫斯基为故事中的人物设置了种种极端的困境,让他们面对永恒的道德难题和棘手的选择,挑战古老的十诫。

  《十诫》是对现代人崇拜的科学理性、人道主义、享乐拜金主义、自由伦理以及各样偶像的一次深入且广泛的质疑。伴随着彻底的绝望和撕心裂肺的痛苦的,是无比悲悯人的情怀和博大的心胸。

  我称得上是基斯洛夫斯基的忠实影迷,尤其是每次看完他的《十诫》之后,都感动得一塌糊涂。

  ——著名作家 史铁生  

  基斯洛夫斯基善用命运中的偶然来最集中最突出最充分地揭示出一些人们习惯了的人生价值观的谬妄和虚无,以及人在生存困境中的软弱无力,无出路,无帮助,迷茫……仿佛让人听见个人自己在人的智慧能力尽头处,苦难中向神发出的呼号。

  ——著名影评人 乐 歌  

  我太喜欢《十诫》了,其实最先看的是基斯洛夫斯基的《蓝》、《白》、《红》,看了以后也没觉得这个导演有多伟大。但是看了他的《十诫》以后,他在我心目中的位置就不同了。

  ——著名作家 皮 皮  

  《十诫》的成功有赖于现实生活中本来就具有让观众理解其中哲学的条件。要是电影不借助用这些哲学源出的某种世界做背景,实现这一点就很困难了。原因是:类似阴阳五行、十诫、玄道、轮回、生死等带宗教的哲学是很抽象的,而电影是具体的。人们很难用具体表达抽象。

  ——佚 名  

  基斯洛夫斯基的《十诫》是观影史中一个流连忘返的驿站,同样也是一个迷宫。它可以被视做基斯洛夫斯基从早期的纪录片导演转为后期的剧情片导演的分水岭,是承上启下的关键一笔。

  ——绿 茶  

  《十诫》实际上是由10个短片构成。

  第一诫:小巴伯的父亲很迷信电子技术,相信一切都能够用电脑方程式运算出来。当小巴伯在滑冰之前按照父亲的教导问电脑冰面厚度是否可以撑住自己时,电脑的回答是“Yes”,而正当他欢快玩耍的时候,湖上的冰破了,巴伯葬身湖底。

  第二诫:讲述了妇人瓦伊达在两难境地中做出的选择及由此带来的出人意料的结果。

  第三诫:雅努什已经结婚了,但他有一个情人艾娃。在他们交往了一段时间之后,雅努什幡然悔悟,决定离开艾娃。可在圣诞前夜,艾娃却来到他的家,要求他陪着自己去找失踪的丈夫,雅努什只好答应她的要求,而他不知道,这也正是艾娃对生命的赌注……

  第四诫:讲述了关于一个家庭——早已死去的母亲、父亲、暗恋父亲的女儿之间扑朔迷离的血缘关系的故事。

  第五诫、第六诫此处略。

  第七诫:梅依卡上中学时同老师波伊特尔有了私生女,但最后被老师抛弃了,为了自己的前途,她把女儿玛嘉交给自己的母亲抚养,所以玛嘉从小就一直喊外婆为妈妈。几年过后,当梅依卡想要回玛嘉时,却发现事情变得越来越复杂……

  第八诫:伊丽莎白的心中一直有块阴影——她是犹太人,二战中父母都被关进了集中营,而一对年轻的夫妇拒绝救助她……多年之后,伊丽莎白才知道事情真相,原来那对夫妻之所以放弃救助,是因为有情报说伊丽莎白是盖世太保设下的诱饵,而他们事后才得知情报是假的……

  第九诫:凸显了夫妻间的信任与人类本身所固有的怀疑痼疾之间的矛盾。

  第十诫:亚瑟和杰西的父亲死了,留给他们的财产是生前最钟爱的一堆邮票。可不久之后,他们却发现家中的邮票不翼而飞,兄弟俩开始互相猜忌,各自向警探流露出对对方的怀疑。可当他们最终发现真正的盗贼时,不禁羞愧难当。

  世界上最伟大的人生契约

  人的一生无法离开法律或契约的规范和约束,传说中,《摩西十诫》是上帝留在世间的惟一文字,它被誉为是世界上最伟大的30份文献之一。如今它已超越了宗教上的意义,对人类的道德和法律产生了无法估量的深远影响,

  传说上帝耶和华将10条诫命用指头刻在了玛瑙石板上,传给了摩西,要求希伯来人时时事事都必须遵照这10条诫命,对其中任何一条诫命的违反都会被认为是对整个诫命的侵犯。摩西按照上帝的吩咐让希伯来人12支族都设立了祭坛,并且建造了约柜,以此供奉十诫。摩西还把羊血撒在众人身上,以示他们同上帝耶和华立下了誓约。

  摩西十诫虽然只有短短的10条基本的诫命,但字字珠玑,蕴藏着丰富的生活智能和哲理,涵盖了人类的信仰、交际、生活等方方面面,随着时代的发展,十诫的含义已超越了宗教的层面,得到多方升华,我们可以从宗教和现代的双重角度对古老的十诫进行新颖的阐述:

  生活中充满着诱惑,随波逐流有时会让你感到轻松,但那只是表面现象,无论如何你还是要有信仰;

  你崇拜他人、你听从领导者,这些没有什么错,但无论如何你要分清是他的伪装还是他的本质吸引了你;

  打着他人的旗号会让你感到威风八面,众人也会对你另眼相看,但无论如何狐假虎威的行为会让你跌得更惨,你要顺应生活;

  你拼命工作只是为了追逐金钱,自以为找到了安全感,但无论如何忙碌不代表你生活的全部,休息是为了走更远的路;认为父母的关爱永远是束缚个性发展的绳索,无法说出这想法有多么幼稚,无论如何家庭的和谐才是成功的一种重要标准;

  你若珍惜自己的生命,你必须爱惜他人的生命,无论如何你要爱人如己,亵渎他人等同亵渎自己;


  一切都是平衡的,放纵于肉欲的快感必然引起精神的堕落,无论如何都要守护好身心的纯洁;

  巧取豪夺会让你很快地获得丰厚收益,但你也要知道无论如何不当得利不能长久;

  或出于一己私利,或屈服于强权,你可能会说出虚伪的言辞,但无论如何作伪都不能让你获得最终的胜利;

  你有企图心是无可非议的,你有进取心也是值得称道的,但是无论如何你不能忽略贪婪与上进之间的分野……

  当电子时代到来时,人们一味地追求不受限制的“自由”,可最终却发现自己的生活缺乏一个真正强有力的信条和原则作为支撑,殊不知所有的自由都应该在一定的规范下才会有意义,缺少正确约束的自由只能让人落入生活的泥沼之中。摩西十诫中的诫命不应被理解成束缚人们身心成长的条框,相反它更像一条引导你通向真理、通向美好幸福生活的人生之梯,它的上面是一片清澈广阔的天空,而你是在其中自由飞翔的永恒之鸟。(叶轻舟)

  在1993年至1994年间,基斯洛夫斯基与多年搭档的好友编剧波耶谢维兹律师一起,完成了著名的电影三部曲系列——《蓝》、《白》、《红》,立刻轰动国际影坛。影片的立意源自法国国旗的三种颜色,它们分别是代表“自由、平等、博爱”。

  在这三部曲中,基斯洛夫斯基依然发扬了《十诫》以来的一贯宗旨,用包蕴着宗教哲学精神内涵的戏剧性故事情节表达了自己对当代人生存状态的深刻理解。

  ☆影片《蓝》获得了1993年威尼斯电影节最佳影片等3项大奖,它一直用音乐在向观众谱写一个关于自由的主题,这是一种灵魂上的自由,情感上的自由,而决不局限于表面。它在深层次上表现出基斯洛夫斯基对于欧洲和平和团结的向往,是一部成功的现代作品。

  ☆《白》的故事也许具有某些幽默感:理发师卡洛和妻子多明尼克在巴黎离婚,卡洛的财产被剥夺一空,为了回到故乡波兰,他不得不在地铁里行乞、卖艺,终于被好心的同胞米高拉藏在皮箱里偷渡回国。回到故乡后,卡洛开始了全新的生活并发了财,于是用自己的假死亡骗来了前妻,并把她送进了监狱。

  ☆《红》可谓是基斯洛夫斯基的作品中最为成功的一部——美丽纯洁的女模特瓦伦提娜开车无意间撞伤了退休老法官的狗,从而走进了法官冷漠孤独的世界。法官早年感情受挫,于是他便以偷听别人的电话来证明人世间充满了欺骗和不信任。瓦伦提娜的介入让法官看见了世界的纯洁和光明,于是他幡然醒悟,重回真实世界。《红》是基斯洛夫斯基的封箱之作,也是最具他独特的悲天悯人的人道主义关怀的一部。

  这三部曲就像一幅幅经典名画,是可以反复观看、思索玩味的,它们吸引人不断深入再深入,进入再进入,去一同体验和经历主人公爱情理想的被毁、精神的阴郁,从而深沉地不断地对人生,以及对人性进行思索、探究并产生对真、对美、对爱和对光明的盼望。
人鬼情未了
集浪漫爱情与惊险冲突于一体的现代爱情片

  在一段生离死别的爱情故事中探寻阴阳相隔的神秘世界,再现了生死不渝的真情境界

  1990年出品


  导 演:杰里·朱克

  主 演:帕特里克·斯维兹

  黛米·摩尔

  乌比·戈登堡

  ·第六十三届奥斯卡最佳女配角奖

  ·一九九○年全美最卖座影片之一

  ·美国百部经典名片之一

  20世纪80年代,美国社会悄然兴起了道德复兴运动,这股浪潮迅速波及到了好莱坞,于是敏感的电影人迅速推出了一批既能迎合大众心理,又能顺应时代潮流的电影作品,如《人鬼情未了》。

  《人鬼情未了》是一部杰出的爱情悲剧。影片别出心裁地将故事的发展放置到一个独特的边缘地带——阴阳界之间,以一个充满传奇色彩的现代人鬼恋情故事,在银幕上再现了为传统道德观念所褒扬的真挚爱情,体现了正义战胜邪恶的伟力,弘扬了人们期待已久的真善美。

  男女主人公苦苦相爱,但终因阴阳陌路不能相见,无法互吐衷情。影片正是借鬼魂幽灵产生了一系列的悬念和曲折离奇的情节让观众沉浸在虚幻与真实之中,时而欢乐,时而忧伤,时而为正义所鼓舞,时而又被主人公生死不渝的爱情所感动。

  《奔放的旋律》是人们耳熟能详的插曲,它既增强了故事的形式美感,又为真挚的爱情增添了无穷的浪漫色彩,因而至今盛行不衰。

  人鬼情未了》中男女主人公的隔世情缘会让每一个人感动,它的出现可以说是好莱坞电影界的一大盛事,因为它使沉迷于血腥暴力和失常性乱之中的美国观众感到耳目一新,或许人们应该重新审视一下自己的身边或自己正在进行着的某种爱情。

  ——《时代》周刊  

  你不能否认乌比·戈登堡是个伟大的、天才的演员,她身上确实有一种掩盖不住的喜剧表演的禀赋。有了她的表演,这部爱情悲剧似乎就不那么叫人悲伤了。

  ——第63届奥斯卡奖评委会  

  《人鬼情未了》讲述了一段超越生死的恋情,堪称是爱情片的经典。影片的成功之处在于多重电影元素的和谐统一,《奔放的旋律》的出现是影片的一大亮点,即使时隔多年相信很多人依然会哼唱出它的曲调和歌词。而影片中特技的运用对观众来说也是很新鲜的,男主人公的穿墙而过、他所拥有的冥界的魔力,这一切确实造成了极大的视觉冲击。

  ——影评人 吴玉超  

  偶然看了一部美国片《人鬼情未了》,整夜未眠。我从不知道还有这样沉静的爱情,缠绵、温暖,却绝口不提爱你,待到肉身不再,空余一副灵魂,才千辛万苦,一路找寻,只是为了再触摸一次爱人的肌肤,亲口说一句“我爱你”……那种震撼是不仅仅关于爱情的。

  ——吴 晶  

  萨姆是纽约华尔街的一位股票经纪人他的女友莫莉是一位艺术家,两个人深深地相爱着。卡尔是他们形影不离的好朋友。在卡尔的帮助下,萨姆和莫莉搬进了一座旧阁楼,他们把它装修一新,进行着结婚前的准备。

  在一次看戏归来时,萨姆和莫莉受到了歹徒的抢劫。萨姆在搏斗中中枪身亡,莫莉悲痛欲绝。萨姆的肉体死亡了,然而他的灵魂却作为他的另一种形式存在着,他可以看见一切,但谁也看不见他。

  萨姆发现了谋杀自己的凶手威利,为了报仇,他找到通阴阳的灵媒——黑人女巫奥达,恳求她的帮助。于是在奥达的努力下,莫莉相信了萨姆灵魂的存在。

  一个偶然的机会,萨姆发现卡尔竟然和威利在一起,原来,卡尔利用电脑盗窃巨款从事毒品交易,被萨姆无意中发现,临时改变了密码,为了得到这密码,卡尔雇威利杀死了萨姆。萨姆悲愤极了。

  卡尔又来到萨姆家,他诱惑莫莉,情急之下,萨姆的灵魂撞倒了同莫莉合影的镜框。莫莉顿时恢复了理智。

  在萨姆的指引下,奥达取出了巨款,并捐给了修女。萨姆惩罚了凶手威利——他被迎面而来的汽车撞死了,一群厉鬼立即把威利的灵魂拖进了地狱……

  萨姆和奥达把一切都告诉了莫莉,莫莉却将信将疑。这时卡尔追来了,他用枪逼着奥达要支票,并以莫莉为人质,萨姆用自己的力量同他搏斗着,这是幽灵对恶人的复仇。卡尔倒下了,破碎的玻璃刺穿了他的胸膛,他死了,厉鬼们把他的灵魂也拖进了地狱……

  萨姆终于完成了心愿,他要前往天堂了。在消失之前,莫莉终于见到了显出身形的萨姆,两人紧紧地相拥在一起……

  穿越时空的爱恋

  爱情到底是什么呢?是天空中飘过的云朵?还是涨潮后留在沙滩上孤苦无依的贝壳?

  或许爱情是一种亲身的体验,需要两个人的真切付出和感悟,它是一种任谁都说不出的感觉,100对恋人沐浴在爱情中就说得出100种感觉:有浪漫的,有痴缠的,有绚丽的,有伤感的,有隽永淡雅的,也有人鬼殊途的……世事沧桑,人潮汹涌,相信爱情的人已是越来越少,乏味庸常的现实生活和多姿多彩的银幕爱情使爱情的信仰者常常不得不面对一个悖论:橘红的温暖和粉色的浪漫只存在于虚幻的光影世界中,越多的美丽色泽和感人画面,越反衬出这种爱的虚拟性质,即便不虚伪,起码也遥不可及;如果身边有爱,那绝不是电影中的样子,在大多数情形下,它呈现的是电影不愿表现的苍白和平庸。

  然而,看过电影《人鬼情未了》后,你还是这样认为吗?还记得影片的结尾处吗?当萨姆的灵魂即将升天时,他的原形显现了,“萨姆!”莫莉含泪呼唤着她的爱人,现在她能够如此真切地看见萨姆了。这是上天的美意,是他们生死不渝的爱情感动了上天。萨姆深情地亲吻着莫莉,现在的他不再怯于表白自己的爱了,他终于说出了“我爱你”,然后他的肉体毁灭,灵魂飞升,升入一片光体之中……

  从自然界的角度来说,刹那的光辉是不能够代表永恒的。然而在寂静的夜晚,在风尘仆仆的望不断的天涯路上,在心灵深处发出的震颤,刹那间便成为了永恒。

  人鬼情未了,既然人是有灵魂的,那么生生世世的守候,就成为爱人们誓言的延续,人鬼恋情,灵魂之约,那一刻,即使阴阳相隔,缠绵的爱情依然无法阻断。

  《人鬼情未了》体现了爱情的最高境界,男女双方深情相恋,但一转眼却又生死两茫茫。片中的超现实的爱情故事并不罕见,可是从没有哪部同类影片拍得如此情深意切、让人回味无穷。爱情的温馨气氛完全驱散了人们对幽灵的恐怖,让人感觉到的惟有超越生死的柔情。☆《隔世情缘》是一部温馨浪漫的爱情喜剧,它描述了一对相隔了100多年的恋人之间的旷世奇情。19世纪奥尔巴尼郡的第3代贵族公爵利奥波特因一次偶然的机会打开了一条时空隧道,并且身不由己地通过这条隧道降落到了100多年后的21世纪。时空的转变把这个生活在19世纪的大男人搞得晕头转向,就在这时,他在街头巧遇纽约某大公司的主管凯特,善良的凯特竭力试图安慰这个从天而降的陌生男人,在发生了一系列乱七八糟的事情之后,两个人之间发生了爱情……而两人之中,无论让谁放弃过去的一切去适应对方的生
活似乎都是不公平的,而惟一能把他们联系到一起的,就只有彼此心中的爱恋,他们将如何面对这份跨越100年的缘分?他们的爱情将何去何从?

  ☆由关锦鹏执导,张国荣、梅艳芳主演的影片《胭脂扣》是一部阴阳相隔的爱情悲剧。影片根据著名女作家李碧华的原著小说改编,背景是30年代香港的塘西风月区和50年后已经变得十分现代化的城市,藉着两段相差半个世纪的爱情的相互比较,令人产生“问世间情为何物”的慨叹。梅艳芳饰演的名妓如花与张国荣饰演的富家公子十二少产生了爱情,但如花不为男方家长接受,两人相约吞食鸦片殉情。不料如花的阴魂50年后才发觉十二少未死,而是在垂老之年落魄地当了一个临时演员。于是如花的阴魂重返阳间,一个在报馆上班的编辑与女友无意中知道了她的身世,便帮助她寻人,也因而在这一过程反省了他们自己的爱情关系。本片十分细腻动人,塘西风月的部分拍出了港片罕见的颓废美感,洋溢着浓厚的哀怨缠绵气息。
与狼共舞
多元化地展现文化、历史、种族与和平的复杂主题

  将写实主义风格与浪漫主义情调融为一体的伟大史诗

  世界电影史上一部永垂不朽的西部传奇


  1990年出品

  导 演:凯文·科斯特纳

  主 演:凯文·科斯特纳

  玛丽·麦克道尼尔

  ·第六十三届奥斯卡最佳影片、最佳导演奖等七项大奖

  ·金球奖最佳剧情片、最佳导演、最佳编剧奖

  ·全美电影评论家联合会最佳影片、最佳导演奖

  ·德国柏林国际电影节银熊奖、个人成就特别奖

  《与狼共舞》是凯文·科斯特纳的导演处女作。该片耗资1800万美元,动用了3500头野牛、300匹马、130多名技术人员和400名临时演员,堪称是一部大型的西部史诗巨片,同时,它也是美国电影史上第一部配有印第安语字幕的影片。

  在《与狼共舞》的首映式上,科斯特纳邀请了许多印第安人观看影片。3个小时过去了,电影院里掌声雷动,经久不息。在此之前,西部片早已不受重视,甚至有人宣告西部片的时代再也不会到来,而凯文·科斯特纳却以其独特的视角和内涵为《与狼共舞》注入了新鲜而强劲的活力,使之成为世界电影史上一部永垂不朽的西部传奇。

  影片成功的真正原因应归结为其深刻的主题内涵。随着二战的结束,人道主义在文学艺术上被提到了相当的地位,历史的反思使战争题材和西部开拓史成为电影的两大主题。《与狼共舞》反映的就是这种极难把握和表现的西部拓进的历史和思考,它提出了民族间应放弃斗争、和平共处的理想,奏起了友爱、平等、和平的旋律。这些艺术上的成功之处最终使影片在奥斯卡奖的角逐中取得了辉煌的胜利。

  凯文·科斯特纳不仅是一位才华横溢的电影大师,在生活中他也是一个真正坚持原则的人,他关心和同情身处困境里的努力奋斗的人们,并且乐意帮助他们。就是这样,他才有勇气在西部片不景气的时刻拍出电影《与狼共舞》,他说:“我所要表现的是印第安人在那个时代的遭遇,是一部土著人的历史。”他自信它必然会引起人们的强烈兴趣和关注、支持,果然,他成功了。

  ——《时代》周刊  

  这部影片在形式上是一部西部片,而在内容上却是一部历史文化片。它展示和颂扬了印第安人的灿烂文化和优秀品质,揭露了白人在西部拓荒过程中对印第安人进行的种族灭绝的血腥罪行,同时通过一个白人背叛自己原有文化的历程,热情讴歌了跨越两种文化的友谊与爱情。总之,它是多元主义文化观在电影界的一次成功折射。

  ——《新闻周刊》  

  《与狼共舞》以“修正主义”的角度演绎了一段美国印第安人和白人之间可歌可泣的历史故事,影片的历史意义和社会意义值得人们反思。

  ——影评人 吴立申  

  南北战争中的英雄邓巴中尉为了寻找一种新的生活方式,骑着战马西斯科来到了神奇的西部。大草原的壮美深深吸引了邓巴,他决定在无人的哨所中住下。

  邓巴独自过着平静而单调的生活,这无边无垠的苍天原野仿佛就是他的天堂。他发现总有一只狼在周围出没,但它好像并无恶意,而是好奇地关注着这里的一切。由于它的两腿前端呈乳白色,好像套了一双袜子,于是,邓巴便称它为“双袜”。在这荒野上,双袜和西斯科是邓巴最忠实的伙伴。

  有一天,邓巴正在河里惬意地游泳,被一个印第安人——苏族人的巫医“踢鸟”发现了。回到苏族的营地后,踢鸟向部落首领“十熊”报告了看到白人的情形。部落里对于如何对付这位白人反应不一,踢鸟认为此人能单独在此地立足必有某种法术,或许可以通过他与白人达成约定,而勇猛的武士“风中散发”则不愿容忍在自己的土地上看到白人的出现。

  邓巴决定主动去找苏族人。在途中,他救起了一位想要自杀的苏族女人“挥拳而立”,她原先也是白人,但自小就失去了亲人并被苏族人收养。在把挥拳而立交还给苏族人之后,邓巴骑马离去。

  邓巴的来访极大地震动了苏族人,他们一致同意去回访邓巴。就这样,双方开始了缓慢而友好的接触。渐渐地,邓巴成了苏族人的朋友,他还有了一个印第安名字,叫做“与狼共舞”。与此同时,邓巴与挥拳而立之间也产生了真挚的感情。

  在凶残的帕尼族人来袭时,邓巴倾其全力,将哨所里的枪支弹药分给了苏族人,帮助他们战胜了仇敌。邓巴再次成为苏族人的英雄,所有的苏族人都很敬慕邓巴,他们祝福邓巴与挥拳而立的相爱和结合。邓巴深切地认识到了印第安人的朴实、善良和友好,他决定同苏族人一起生活。然而,就在邓巴想要去哨所取回日记本,永远地住到印第安人中间时,他发现那里已经驻扎了一队白人士兵。对方看到印第安人装束的邓巴就开枪射击,爱马西斯科死了,邓巴也成了囚犯。

  邓巴为印第安人的辩护招来了一再的虐待和毒打,他们认定邓巴是叛徒,并派一队士兵押送邓巴回海斯要塞。苏族人发现了这一情况,他们消灭了押送队,救出了邓巴,双袜也受了伤。

  严冬来临了,苏族人在深谷中住了下来。为了不连累苏族朋友,邓巴谢绝了挽留,带着妻子挥拳而立离开了苏族人的村落。18年后,苏族人被迫与政府签订了协议,放弃了他们世代相传的土地。

  一首对美国西进历史的挽歌

  西部片曾经在好莱坞甚至世界电影史上都占据着重要地位,它以金戈铁马的豪情和气吞山河的魄力贯穿在美国的电影发展史上,重现了一段又一段的辉煌历史和篇章,产生了一代又一代的英雄人物和英雄事迹。但在80年代后,新好莱坞时代似乎不再青睐西部片,而城市警匪片、太空科幻片等新的类型片,则接过了西部片的题材与手法,争取了年轻一代的观众。

  1990年,勇敢的探索者凯文·科斯特纳首次执导并主演的《与狼共舞》在西部片逐步走向衰落的时候取得了辉煌的成功,横扫当年奥斯卡,震惊世界影坛。它不但重新唤起了人们对西部英雄的缅怀和关注,更以一个全新的角度和视点,把旧西部电影中被忽略和丑化的印第安部族作为主要角色,重现了他们不为人知的真实面貌和真挚情感。

  影片在银幕上第一次完整地再现了一个世纪前印第安人质朴纯真的生活,对美国政府犯下的灭绝种族、毁灭印第安文化的罪恶进行了大胆的揭露,对好莱坞西部片的叙事主题进行了革命性的冲击,科斯特纳抛弃了西部片的怀旧色彩,全片张扬着一种全新的自我意识,使西部片在好莱坞重振雄风。在接近4个小时的激情演绎中,凯文·科斯特纳表现出令人敬佩的专业操守和专业水准,他不但在影片的取材上大胆颠覆以往白人至上的西部电影传统,更通过写实主义的手法彻底打破了种族界限,以平等的角度对少数民族进行客观的描述和评价,对淳良质朴、勤劳勇敢等传统美德进行了赞美,并对和平共处、友爱互助等民族相处之道给予了肯定和支持,使充满浪漫主义的跨种族爱情故事感人肺腑、意义深远。影片中甚至对西部开拓的历史在一定程度上提出了疑问,对野蛮的战争和争斗进行了控诉。《与狼共舞》所表现出来的进步思想
和深刻内涵不但得到主流社会的高度评价,在少数部族中,尤其是印第安土著中引起的反应更是空前激烈,凯文·科斯特纳也因而赢得了人们的普遍尊敬。佚 名

  ☆《走出非洲》是一部充满传奇色彩的爱情伦理片,影片根据丹麦女作家艾萨克·丹森的同名自传体小说改编拍摄,由美国演技派女星梅丽尔·斯特里普和最富于魅力的银幕偶像罗伯特·雷德福主演。

  这是一部描写从获得到丧失的影片——丧失了像田园牧歌般美好、淳朴的生活。影片描述了非洲土著人的生活,将迷人的非洲奇观同动人的爱情故事完美地融为一体,产生了一种震撼人心的艺术感染力。

  ☆《天地无限》是凯文·科斯特纳自《与狼共舞》问世13年后的又一部西部片,科斯特纳在片中同样一人身兼制片、导演、主演3职,此片被认为是《与狼共舞》的姊妹篇。

  19世纪80年代是放荡不羁的牛仔时代,蛮荒而美丽的北美西部平原是一片既自由又混乱的土地,在这里,拓荒者可以任意占有西部平原上任何一块无主的土地,并选择将自己的生命永远留在辛勤的劳作与坚实的草原之上。不过与此同时,也有着喜好自由的蛮荒骑士,他们以放养牧牛为生,在自由的平原上畅游。查理、苏、莫斯和老板斯皮尔曼就是这样一支生存在蛮荒时代尾声的拓荒队伍。

  对于没有边界可言的新西部,放牧本是自由的工作。但是随着更多拓荒者的到来,土地有了自己的价值,放牧者渐渐成为不受欢迎的对象。但查理和他的伙伴们却还对这些莫名而来的敌意毫无戒备。直到队中的莫斯在前往附近的小镇采购补给品却一去不返时,伙伴们才发现自己的处境已经不妙。当他们赶到时,镇上的“土皇帝”巴克斯特已经联合警长设下了圈套,将莫斯以破坏秩序为名揍了个半死,并且还毫无隐讳地放下话来:只要斯皮尔曼等人再出现在小镇周围,他们就决不会再让他们活着离开。于是被逼得走投无路的西部牛仔们拿起武器并肩作战,发誓要为蛮荒的西部时代留下自己的血泪与热情……










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情人
一段伤感而唯美的异国之恋

  一段大胆、炽烈、郁闷而又无奈的叛逆恋情

  一堵无法逾越的经典叹息之墙


  1991年出品

  导 演:让·雅克·阿诺

  主 演:梁家辉

  简·玛琦

  ·法国戛纳电影节入选影片之一

  ·法国一九九一年度《电影手册》佳片之一

  法国著名女作家杜拉斯在她曾经的中国情人去世12年以后,写下了小说《情人》,她以饱含深情、疯狂而又肆无忌惮的文字回忆了自己16岁时的那段异国之恋,小说在1984年获得龚古尔文学奖,使她成为当今世界上最负盛名的法语作家。《情人》是杜拉斯的巅峰之作,它对性爱故事和其他生活的描写具有音乐一般的韵律美,使这部小说成为了备受推崇的现代小说范本,后来此书又被翻译成多种文字,风行世界。

  1991年,法国著名导演让·雅克·阿诺将这部小说搬上银幕,影片由曾获香港金像奖及台湾金马奖的影帝梁家辉和法国年仅15岁的模特简·玛琦主演,其艺术性的性爱镜头令人叹为观止,上映之初即打破了法国影片的票房记录,并入选戛纳电影节,受到了广泛的好评。

  《情人》讲述了一段注定没有归宿的爱情,这段感情被演绎得如诗如画,如痴如醉,到头来却又让人痛彻心扉。它让越来越多的人开始重新审视世间男女的关系——男人和女人都是要在对方的瞳仁里才能看见自己的,世界只有在男人和女人的对视中才能达乎完整。

  杜拉斯的《情人》聚焦于个人的心灵史,折射着人生与社会的现实,具有着洞烛世事的人性的亮度与意义。其间的情感力量充满着巨大的活力,在时间的长河里生生不息,令人惊叹。肉体的欢爱是短暂的、瞬间的,而情感的审美在时间与距离中显得恒久、真实而又可贵。

  ——法国龚古尔文学奖评委会  

  凭良心说,除杜拉斯的《情人》之外,近十几年来没读到过什么令人满意的小说。我喜欢过不少小说,但这些小说是帮我解决人生中的一些疑惑的,而《情人》解决的是有关小说自身的疑惑。这本书的绝顶美好之处在于,它写出了一种人生的韵律。书中的性爱和生活中别的事件都按一种韵律来组织,使我完全满意了。

  ——著名作家 王小波  

  法国电影一直以其骨子里的优雅、细腻成为世界电影中的贵族,虽然这个贵族一度艳丽精致的蕾丝外衣如今已暗淡了不少,但绝没有人在提及世界电影时会遗忘法国。法国电影有时真实得近乎赤裸裸的风格使得它自身走向人性的极致,就像《情人》那样,它绝对是一部惊世之作。

  ——佚 名  

  《情人》描述了一段颇具东方情调的异国之恋,它以其悠远如诗的抒情风格再现了一场从一开始就注定了分离的无望爱情。影片公映后,梁家辉扬名世界,在法国,在英国,在日本,不计其数的女性为他痴迷,把他封为“法国王子”。梁家辉是这样笑谈“王子”这个称号的:“我到现在还没有看到过一个30多岁的白马王子呢!”

  ——影人评论  

  川流不息的湄公河,宽阔的河面,喧闹的渡口……这一切都是1929年越南码头的情景。当时的越南还是法国的殖民地,因此在越南的土地上有很多法国人。

  在开往西贡的渡轮上,一名15岁的法国少女头戴一顶很奇特的男式礼帽,凭栏而立。她在西贡女子寄宿学校读书,每逢假期便回家,假期结束再返回学校。她的家境很不幸,没有父亲,母亲的收入也很少,大哥皮埃尔吸毒成瘾且横行霸道,二哥保罗生性懦弱,这种家庭环境常常使她感到窒息。

  一辆黑色的豪华轿车驶上了渡轮,打断了少女纷纭的思绪。从车上走下来一位阔少爷——东尼,他是华侨富翁的独生子,刚从巴黎归来,奉父亲的命令完婚。东尼已经注意了少女很久,他缓缓地来到她身边,用流利的法语同她交谈,他们相识了。

  东尼用车将少女送到了学校。在接下来的几天里,他每天都守在少女的学校门口。一个星期四的下午,黑色轿车又来到了学校,少女终于上了轿车,随东尼疾驰而去。

  东尼把少女带到了一幢幽暗的住宅里。他并不掩饰地告诉少女,这里是他经常同女人幽会的外宅。从此,两个人陷入了一场惊天动地的情欲纠葛中,他们一次又一次地约会,一次又一次地结合。

  由于少女常常夜不归宿,校方通知了她的母亲,但母亲太需要钱了,少女向东尼要钱给母亲,母亲则告诉校方给女儿自由。

  东尼真心地爱上了少女,虽然少女经常说她不爱中国人。东尼向父亲提出结婚的要求,却遭到了父亲的坚决反对。他强迫儿子娶门当户对的中国妻子,否则就要把他赶出家门。

  受到打击的东尼从此开始酗酒、吸毒,彻底地颓废下去。不久,他同一个并没有感情的中国女子结了婚,盛大的婚礼完全按照华人的传统,分外热闹、排场。少女在远处目睹了婚礼的全过程,沉默无言。

  东尼为少女的大哥皮埃尔还清了鸦片烟馆的债,还为他们预定了船票,送他们一家回法国。

  少女在临行前约东尼再去他们从前约会的那幢屋子,但东尼没能赴约。人去楼空,少女孤独地躺在那张大床上,心中泛起莫名的惆怅……在回国的渡轮上,少女突然潸然泪下,不再自信地认为自己不爱东尼,因为她突然醒悟到,东尼恐怕将是她一生中最挚爱的情人。

  ☆ 孙周执导的《周渔的火车》改编自北村的小说《周渔的喊叫》,并将原小说中一个男人和两个女人的爱情故事改为一个女人和两个男人的故事,延续并深化了小说的爱情探讨主题。

  周渔(巩俐饰)是一个美丽善良的女性,她每周都要乘火车到省城看望她那带有自闭倾向的诗人丈夫(梁家辉饰),对丈夫的无微不至的关爱和服从,使她觉得自己失去了独立的人格,爱情变成了一种负担。这时她遇到了一位粗犷且具有男性魅力的出租车司机(孙红雷饰),在他的追求下,周渔对丈夫的爱情发生了动摇,于是她每周在丈夫与情人间穿梭,火车上经常出现她的身影,火车似乎成了她心灵栖息的地方……

  ☆被美国《时代》周刊评为“1997年度十大佳片第二名”的《甜蜜蜜》讲述的是一对恋人之间的真情故事。内地青年黎小军告别了女友小婷,一个人从无锡来到香港,他最大的理想就是等有了钱能把小婷接来成婚。在香港,他认识了来自广州的女孩李翘,两个孤独的人成了朋友,而且偶然地,他们发现对方都很喜欢邓丽君的歌曲。直到有一天,他们发觉其实对方并不是自己来香港的理想所在,于是他们分手了,小婷终于成了黎太太,李翘也跟了在黑社会做事的豹哥。日子仿佛就应该这样继续,但他们在内心深处始终是惦记着对方的,也慢慢醒悟到自己其实一直爱着对方。多年以后,一场变故使两人再次相遇,他们在纽约唐人街一家商店的橱窗前一起听到了邓丽君去世的消息,当四目相对时,耳畔传来的又是那首他们在香港时经常唱过的《甜蜜蜜》。
沉默的羔羊
一部让人惊心动魄的侦破片

  一部令人紧张得透不过气来的心理分析片

  好莱坞最令人激动的恐怖片之一


  1991年出品

  导 演:乔纳森·戴米

  主 演:朱迪·福特斯

  安东尼·霍普金斯

  ·第六十四届奥斯卡最佳影片、最佳男女主角、最佳导演、最佳剧本改编五项大奖

  ·美国百部经典影片之一

  恐怖片是好莱坞最令人激动的类型片之一,然而长久以来,它却难登大雅之堂,与奥斯卡等电影大奖一直无缘,不过好莱坞的电影大师从未放弃过对理想恐怖片的追求和对奥斯卡的冲击。终于,在第64届奥斯卡颁奖典礼上,好莱坞电影导演乔纳森·戴米以恐怖片《沉默的羔羊》当之无愧地赢得了5项奥斯卡大奖,使好莱坞的恐怖片在奥斯卡角逐中扬眉吐气,争得了应有的地位。

  《沉默的羔羊》根据著名小说家哈里斯·托玛斯的同名小说改编而成,是20世纪90年代以来深刻反映美国社会犯罪问题的经典之作。影片故事继承了好莱坞恐怖片的传统,然而影片的叙事方式却突破了恐怖片的模式,它颇具匠心地将恐怖片与侦探片巧妙地结合成一体。虽然影片的场景设置以封闭的室内环境为主,缺乏激烈火爆的动作性,但由于采用了希区柯克式的悬念手法和现代恐怖片的心理分析方法,使得整部影片的情节扑朔迷离,将观众引入了一个象征性的人类潜意识的世界。影片通过探索人物心理疾患,试图探寻当代美国社会恐怖的根源,这使得影片的主题得以深化,寓示了好莱坞文以载道的策略。

  《沉默的羔羊》是一部具有复杂的情节和激烈的戏剧冲突的影片,也是一部相当出色的娱乐片。它的艺术性也很为人称道,那种精神上的对抗、那种“天使和魔鬼”的鲜明对比、那种建立在较缓慢节奏上的内在哲理性给人的印象是深刻的,所以它能在电影史上留下一笔。

  ——第64届奥斯卡奖评委会  

  除了恐怖气氛的营造,影片的社会命题也很有嚼头。警察为了捉一名杀人狂魔而不得不求助于另一名杀人狂魔,这本身就具有强烈的荒诞与讽刺意味。影片一直在寻找人类社会的恐怖之源,最后得出了一个“由于秩序本身的问题造成的,反过来危及秩序的犯罪病例”的结论,这使得影片从另一层面上讲又具有了一定的社会意义。

  ——《华盛顿邮报》  

  说《沉默的羔羊》是一部“恐怖小说”并不为过,在100多天的翻译中,我就历经了噩梦的折磨,几度在半夜醒来而感觉着恐惧的缠绕。人是奇怪的动物,闻所未闻见所未见的事偏要去闻去见,这也就是大家明知其为恐怖小说却依然要来阅读的原因吧,其情形大致与小孩子既怕又渴望听鬼怪故事相仿佛,都是感觉着一种异样的刺激或颤栗。

  ——《沉默的羔羊》小说翻译者 杨昊成  

  克拉丽斯是联邦调查局的见习特工。她所在的城市发生了一系列的命案,凶手是一名专剥女性的皮的变态杀人犯“野牛”比尔,迄今为止,受害的女性已达5人。克拉丽斯的任务是去一所戒备森严的监狱访问精神病专家汉尼拔博士,同他进行面对面的交谈,以此获取罪犯的心理行为资料来帮助破案。

  汉尼拔被关在地牢里,他是一位智商极高、思维敏捷但有些精神变态的中年男子,并且是个食人狂,他要求克拉丽斯说出个人经历供自己分析以换取他的协助。克拉丽斯的思维能力完全不是博士的对手,她临阵败逃了。不久,警方又发现了一具女尸。根据验尸分析:凶手使受害人活了3天,死前没有强暴或虐待的迹象,凶手喜欢身材较胖的女子,常常把她们饿得皮肤松弛之后才杀死。克拉丽斯又发现了两个新的线索:其一,死者背部被剥去了两块菱形的皮;其二,死者喉咙里有个小手指大的虫茧。据昆虫专家分析,这是源于亚洲的一种蛾,被称为“地狱昆虫”。

  又有一位女子被绑架了,这一次是参议员的女儿。克拉丽斯向博士求助,博士仍对她进行心理分析,克拉丽斯说出童年的最痛苦的回忆是父亲去世后的一段日子,她寄住在办牧场的姨母家里,可是两个月后就逃走了,但从此常常听到羔羊的惨叫……

  博士提示克拉丽斯,蛾的特征是变,由虫变成蛹,又由蛹变成蛾,“野牛”比尔也想变,由于童年时遭到过继母的虐待,比尔产生了一种变态心理,他去过变性手术中心,但是遭到了拒绝……他们的谈话被主治医生齐顿窃听去,他想抢头功,于是对汉尼拔进行严酷的审讯,然而一无所获。克拉丽斯闻讯赶来,经过一番心理分析,汉尼拔了解了克拉丽斯为什么总会听到羔羊的惨叫,可正当博士要说出凶手的名字时,齐顿带卫兵赶来把克拉丽斯架走了。不久,博士利用齐顿丢下的圆珠笔做成钥匙打开了手镣,杀死了卫兵,逃之夭夭。克拉丽斯一个人继续寻找线索,逐渐把对象锁定在一个叫詹米·冈的人身上,因为他曾在海关提过一箱来自苏里南的活毛毛虫,还去过变性中心。

  克拉丽斯找到了“野牛”比尔的住处,她和凶手在阴森的地下室里发生了激烈较量,最后克拉丽斯击中了比尔,救出了参议员的女儿。“野牛”比尔被击毙了,然而更危险的人物却又出现了。在庆功会上,克拉丽斯接到了汉尼拔博士的电话,电话挂断后,汉尼拔戴着墨镜,无声地进入人流,寻找他的猎物——齐顿去了。

  为什么是羔羊

  看过电影《沉默的羔羊》,一直心存着这样一个疑虑,就是这么一个恐怖的故事,为什么竟取了“沉默的羔羊”为名呢?影片虽然在男女主人公的对话中几次提到“羔羊”一词,可自始至终“羔羊”的影子一次也没有出现过。所以直到翻译此书之前,对此一直不甚了了。

  前不久拿到小说,花了两天时间通读一遍后发现,“沉默的羔羊”实际上应当译做“羔羊的沉默”,也许从女主人公克拉丽斯的身世来分析“羔羊”更为妥帖。克拉丽斯的父亲是家乡小镇上的一名巡警,后以身殉职。于是,克拉丽斯被送往姨母家中寄养,当时她只有10岁。姨母和姨父是牧场主,主要饲养羊和马,可这些牲口大多有些毛病,不是腿瘸就是眼瞎,它们宰杀后被做成胶或肥料,活着拉走的则将成为狗的食品。克拉丽斯发现这一切后,一颗童心受到强烈的刺激,羔羊凄厉的叫声从此便长久地萦绕在她的耳边和心里。这一情节在全书所占的篇幅并不多,但它却是克拉丽斯童年生活的一个创伤。

  在同博士汉尼拔接触的过程中,博士要她“投桃报李”,即要她提供经历给自己分析,以此作为追捕“野牛”比尔的条件,于是克拉丽斯深埋在心底的那段往事就这样被博士一点一点地挖出来。汉尼拔是心理分析的高手,他知道克拉丽斯现在心中时不时听到的羔羊的尖叫声更多的是具有了象征的意义,它代表了弱者、受害者,象征了这些人在孤苦无援中所发出的呼号。尤其当克拉丽斯看到被凶手杀害的女性后,所有的一切便凝聚到一个声音上:羔羊在尖叫,尖叫,尖叫!只要这声音一天不止,克拉丽斯就不得安宁,就会做噩梦。自然,克拉丽斯最终成功了,她逮住并击毙了“野牛”比尔,所以她终于可以“睡得很沉,很甜,因为羔羊已经安静了”。这大致就是这个令人发怵的故事与“羔羊”之间的联系。电影的片名“The Silence of the Lambs”更令人深思,请注意其英文名称使用了复数,即lambs。《圣经》中说,众生是羔羊,上帝是牧羊人,影片正是借这一典故告诉观众,羔羊不光是寓示着某一个单个的人,所有生活在现实社会中的人们亦都如是,而在那沉默背后则也许正潜伏着属于我们每一个人的不同的恐怖与危机!(杨昊成)


  ☆在亚历桑纳州凤凰城上班的玛丽恩·克兰打算携公司的40万巨款同情人萨姆到加州重新生活。当夜色降临时,天空下起了倾盆大雨,于是他们决定在路旁的贝兹汽车旅馆休息一晚。吃完晚餐之后,玛丽恩回到房间准备洗澡,当她进入浴缸拉起浴帘时,一个恐怖的故事随即发生……

  由著名导演希区柯克执导的电影《精神病患者》40多年来一直被认为是恐怖惊悚片的代表作。在1960年的当时,这部影片可谓好莱坞影响最大的一部电影,当年有不计其数的观众被片中的变态杀手和那场脍炙人口的浴室杀人戏吓得不敢一个人洗澡。该片被美国电影机构选为最重要的100部美国影片之一。

  ☆用短短的75天就成功拍摄完成的恐怖片《正义守望者》由著名影星基努·李维斯主演,在片中,他是一个杀人狂,基于扭曲的变态心理在芝加哥恣意向年轻女孩下毒手,而这并非他的目的——他真正的目的竟是要让FBI探员坎贝尔走向崩溃的死路,这猫追老鼠的过程正是他精心设计布局的游戏。全片弥漫着令人窒息的气氛,直捣人心最深层的恐惧:你永远不知道凶手在哪一个角落窥探着你,你确切地知道下一个受害者是谁,却还是逃不开变态杀人魔的魔掌……
牯岭街少年杀人事件
锐利的现代感和青春化特征的真实结合

  一曲青春的悲歌,一幕夹杂了少年初始的懵懂之美的戏剧

  展现与夜色、血腥和猫王的歌声联系在一起的别样的青春


  1991年出品

  导 演:杨德昌

  主 演:张 震

  杨静怡 

  王启赞

  ·第二十八届台湾电影金马奖最佳剧情片、最佳原著剧本奖

  ·第四届东京国际电影节评委会大奖

  ·第三十六届亚太影展最佳影片奖

  ·第三十八届《电影旬报》电影奖最佳外国导演奖

  ·第四届《中时晚报》电影奖商业映演类评审团大奖

  《牯岭街少年杀人事件》是一部以青春为载体的影片,它所蕴涵的少年的罪恶是有边缘性的,自觉的;里面没有毒品,没有性,没有体验,但却有着不成熟却要做出成熟的样子来的爱;里面没有足够酷足够性感的故事与镜头,它甚至不是一个关于“成长”或者“堕落”哪怕是“变化”的电影。导演杨德昌只是从少年小四的生活中拈出了一段,很是平滑,但就是在这不疾不徐的叙述中,一切都随着他那刺向女友小明的刀而结束,小四最终走向了极端,他的青春也结束在牯岭街上。

  在影片里,杨德昌设计的是一种现实的残酷,一种针刺破气球的瞬间的停顿,一种把悬在半空的理想剥个一丝不挂的血淋淋。所以当他把这幅60年代台湾的社会图卷以另一种方式展开的时候,人人都震惊于那灰暗绝望的年代。

  杨德昌也许不是故事中的任何一个角色,但那毕竟是他成长过的年代和他深受影响的氛围,于是透过光影的魔术,他重新去检视回顾,那政治的、文化的、两性的、同侪之间的各种压抑与亟欲突破的挣扎,都在片中重构的世界里仿佛活了过来。

  影片中的小四多少有着杨德昌本人的投影。小四对60年代的台湾社会的观点正好代表了杨德昌本人的观点,小四父亲所经历的白色恐怖,也就是杨德昌本人要传达的一点政治讯息。本片中不时出现的坦克车,就正有上述的暗喻,电影里的美国流行曲,少年帮派举办的舞会,显示了60年代台湾深受美国文化的影响之深。片中的大部分情节都在夜间发生,主角好比身处于一个蒙昧不明的黑暗时代,身处于一个黑暗的社会。如果从这个观点来看本片的话,导演的用心也许更见明显吧。

  ——香港《明报周刊》  

  杨德昌常常以非常的距离处理全面物化社会下的人际冷漠感,但在这部影片中却出现一大批纯真而不冷感的青少年,藉着逝去的60年代,杨德昌投射出对过往不可复见的纯洁性的追怀,而小四等人在片中秉持的道德要求与纯真梦想都一再为迈向利益世故的社会所摧毁,成为时代的祭品。“少年杀人”此时已演变为“时代杀人”,人人都是“恐怖分子”的主题于是再现,小四只是被推向暴力极端的牺牲品而已。

  ——著名影评人 焦雄屏  

  《牯岭街少年杀人事件》的叙述手法严峻而含蓄,电影语言丰富深邃,以复杂的结构和开放式的结局展现了浓烈的心理分析色彩和表现强度。导演杨德昌以熟练巧妙、似散实密的技法把性格各异、来自不同社会和家庭背景的少年串联在影片中,纵横交错而达到内容和结构上的平衡。影片疏离而压抑,深入都市文化心态的内核,与之前几部影片相比更加老辣成熟。

  ——网友 黄小邪  

  60年代初的台湾好像一切都是灰的,浑浊的空气里也流动着灰暗的味道,失落和绝望的情绪笼罩在城市上空。来自四面八方的外省人操着他们各自浓重的口音,山东话,上海话,苏北话,四川话……在这个城市奔波忙碌着。随军逃到台湾的家眷们形成了一个个被人们称为“眷村”的小村落,在这样一个城市里,小四、小明、小马、老二、小猫王、飞机、滑头、小虎、小翠……他们成长着,并且拉帮结派地出来混,“小公园帮”和“217眷村帮”逐渐成了势不两立的对头。

  在台北,建国中学夜间部的男生小四是个置身学校帮派对立之外的好学生,父亲是奉公守法的公务员,母亲在小学代课,家里共有5个孩子,大姐为了帮父母承担家庭重担,放弃出国的愿望;二哥和小四一样,沉默寡言;三姐是个虔诚的基督徒,谦卑忍耐;张震是家里的老四,所以被叫做小四;家里最小的小妹是个发育迅速的小女孩。

  小四与家世不幸的女孩小明十分投缘,暗生情愫,“小公园帮”的老大哈尼也倾心于小明。小明父亲早逝,母亲把一切希望都寄托在她身上,她过早地成熟,同时周旋于几个男生之间。

  由于帮派之间的纷争,哈尼一个人去对抗“眷村帮”,结果被对方的老大山东推到了火车轮下。小四参与了围剿“眷村帮”替哈尼复仇的行动,山东被杀。

  小四父亲涉嫌政治被迫写交待材料并被解聘,受到迫害,近乎神经质;母亲受牵连被免掉了教职。小四因为冲撞校方被勒令退学,转学日间部。

  小明的母亲到马司令家帮佣,马司令的儿子小马是小四的朋友,是一个变形的早熟的少年,小明又移情于小马。

  家庭和学校所发生的事件让小四难以承受,而小明与小马的交往又使小四陷入友情和爱情的矛盾中,他与小马吵翻。在牯岭街的旧书市上,小四看见了小明,再次向她表明心迹,而小明却断然拒绝了。失去控制的小四接连向小明捅了7刀,小明当场死去。小四被拘捕,被判了16年徒刑。

  小猫王录了他唱的英文歌《阳光灿烂的夏日》送给小四,却被警员随手丢进垃圾桶。

  不是偶然

  “小公园帮”和“217眷村帮”的矛盾构成了影片的主体框架。主人公小四一开始徘徊在各种争斗的边缘,基本上处于旁观状态,在各种力量的左右下,他一步步被动地卷入了矛盾的核心,直至成为最后的杀人者。影片中的故事看似很偶然,但杨德昌是位极有野心的艺术家,他并不满足于线性地描写一起青少年犯罪的偶然事件,而是以此为借口一刀捅入社会的心脏,鲜血淋漓地刻画了60年代台湾转型期的社会风貌,由此构成了影片的另一主体框架,即以小四一家为代表的自大陆撤退到台湾的上一代和土生土长的下一代台湾人。有能力表现这一主题的台湾影人不止杨德昌一人,但大概只有杨德昌能拍出既热血奔涌又犀利冷酷的惨烈味道。

  小四的兄弟姐妹

  总觉得杨德昌不是在用胶片拍电影,而是拿一架放大镜冷静观察,所有细节都得以最大程度地展示,他却仍旧躲在暗处不动声色。他很少用煽情的特写和背景音乐,对少年人的爱情和青春也几乎没有任何外露的渲染,只是静静填在一个个零碎的镜头里。大姐的青春是入世和光明的,她漂亮的长裙,流利的英语,戴手表的姿势,还有教训弟妹的家长口气,就像是她妈妈留在上海的韶华。二哥的青春混沌而压抑,在家里永远处于被忽视被责罚的位置,流连于弹子房也可解释为内心中被接纳被承认的渴望。三姐把青春的信仰奉献给了上帝,她的声音一直都是低沉而平静的,但最后得知小四杀人时歇斯底里的尖叫却充满了对神的愤怒和绝望。小妹衣服上的钮扣总是掉,裙子总是嫌短,那是她迅速成长的青春。小 四

  对于小四来讲,周围的一切都是残酷的。家庭,本来奉公守法的父亲却突遭横祸,一个完好的家庭变得支离破碎;学校,官僚的训导处长(那个最让人恶心的老头)不公正的对待;朋友,最铁杆的朋友之一小马居然同自己的女友小明好。这一切不是哪个少年人承受得了的,于是他想用自己渺小的力量去对抗这个世界。小明很聪明,她死之前最后一句话说得很
好:“我就好像这个世界一样,是不会为你而改变的!”你想要改变这个世界,你不改变你自己,好了,你去死吧。于是,小四一头撞向了这个世界充满各种游戏规则的铜墙铁壁,或者说这些铜墙铁壁挤掉了他每一寸生存空间,把他活活地压死了。

  小 明

  小明是一个很复杂的人物,杨德昌加在她身上的已远远超出十几岁少女的负荷。与母亲相依为命的她对残酷现实的体会远比小四透彻,贫穷、动荡、寄人篱下,时刻处在一种没有安全感的不稳定状态中,这使得小明身上体现着矛盾的美感,既有少女的清纯羞涩,又有成熟女人的冷酷。同小四家热闹温馨而相对稳定的气氛相比,小明和母亲总是在为明天的落脚点担心。母亲曾忧伤地说:“你一定要快快长大。”这沉重的期待和严酷的生存环境剥夺了小明真正享有青春的权利,她在最单纯的年纪就迅速地被这个世界同化了。如果说在小四由明转暗的青春里,小明是他最后的亮色;那么,在小明早已暗淡无光的青春里,小四也是她惟一的亮色,而这惟一的一星光亮,最终还是被她自己掐灭了。

  青春?青春!

  小四终于用匕首杀了小明,被判入狱16年。小猫王拿了自己录制的磁带去看他,却被看守随手丢进垃圾箱。空气中传来小猫王细声细气模仿猫王的歌声:“Are you lonesome tonight?Do you miss me tonight”歌声稚嫩,是他们单纯而认真的青春。我怎能不为青春的死去痛哭?在杨德昌鲜血淋漓的青春里,有谁能够不失声痛哭?(佚 名)

  ☆边缘学生小马与新志无所事事,便做了“逃学威龙”,最后被逐出校门,小马被昔日欺负过的学生围殴,既羞且怒,遂找家小型拳馆苦练身手,永远相随的新志也随他去了,谁知踌躇满志的小马却发现新志的拳击天分比他高,教练也为之侧目,鼓励新志参加新秀拳赛。小马顿感不是味儿,悄然引退,其后他摇身一变,已是山口组的人气古惑仔……这是日本首席电影大师北野武的半自传式作品——《坏孩子的天空》,它把少年人的理想及迷惘尽化在拳手的蛮劲与悠悠的单车路上,其中的少年情与暴力风的结合达致完美,被看成是北野武最具情怀之作。

  ☆“无论在什么体制下,青春都是极其伤身的。”日本著名导演大岛渚的《青春残酷物语》对这句话做了最好的诠释。影片通过对姐姐由纪和妹妹真琴不同人生和对立的描写,生动地反映了20世纪60年代青年被欲望冲击着的颓废行为及悲惨命运,以及他们的奋斗与挣扎。然而,他们的青春始终在夜晚在道德和法律都照不亮的地方狂奔着、迷乱着,最后沦落到社会边缘直到崩溃。

  ☆《小毕的故事》讲述了私生子小毕的妈妈为了生计,嫁给了大自己20岁的毕父,毕父对小毕视如己出。但小毕国中时期十分叛逆,并和一些不良少年时有来往。一次,小毕偷了钱并顶撞父亲,毕父口出重言,毕母心痛难过竟开煤气自杀……经过此次的惨痛事件,小毕挥别懵懂的少年时光,投考军校开始另一种生活。影片是根据著名女作家朱天文的短篇小说改编而成的,透过旁观者以第一人称女性的倒叙手法来呈现这个以成长为主题的故事,其清新生动的写实风味带动了80年代同类型文学电影的流行。
霸王别姬
充满生生死死的戏剧冲突,反映着新旧社会的梨园血泪和梨园风气

  通俗中见斑斓,曲高而和者众

  一部绚烂、令人陶醉的史诗


  1992年出品

  导 演:陈凯歌

  主 演:张国荣

  张丰毅

  巩 俐

  ·第四十七届英国电影学院奖最佳外语片奖

  ·第四十六届戛纳电影节金棕榈大奖

  ·国际影评人联盟大奖费比西奖

  ·第五十一届金球奖最佳外语片奖

  ·法国电影恺撒奖最佳外语片奖片最成功的代表作之一

  《霸王别姬》是导演陈凯歌的第5部影片,它选择中国文化积淀最深厚的京剧艺术及艺人的生活,细腻地展现了对传统文化、人的生存状态及人性的思考与领悟,是两岸三地电影人合作拍片最成功的代表作之一,也是中国电影雅俗共赏的典范作品。影片充满激情地叙述了一个延续半个世纪的故事,内中二男一女的情感纠葛,同性恋与异性恋的冲突,极具张力地展示了人在角色错位及灾难时期的多面性和丰富性。不仅具有纵深的历史感,更将小人物的悲欢离合掺着半个世纪以来的中国历史发展盘旋纠错地展现出来,兼具细腻的男性情谊与史诗的格局。

  “霸王别姬”本是一幕历史逸话,而在这里,它演变成一段梨园的血泪,一缕梨园的风气,一幅时代的画卷,一个历史的烙印。主人公也由两个痴情男女变换为两个相互重叠的男人——段小楼与程蝶衣,他是花脸,他是青衣,他的坚毅和他的温柔,他的唇吻轮廓刚毅凝固,他的眼角眉梢爱意满溢,他是叱咤纵横的霸王,他是从一而终的虞姬。也许什么都不是,只是那一个苍凉的手势——天黑前最后一幕灰蓝,是那个特定时代的风花雪月,是那些随风飘远的红颜遗事……

  陈凯歌选择中国文化积淀最深厚的京剧艺术及艺人的生活来表现他对传统文化、人的生存状态及人性的思考与领悟是很聪明而独到的。《霸王别姬》一片深刻地挖掘了中国文化历史及人性,影像华丽,剧情细腻,内蕴也更为丰富深广,银幕影像的张力更具历史深度。

  ——国际影评联盟评委  

  很多大导演都拍过同性恋题材的片子,这些严肃的艺术家并非猎奇,而是因为他们探索人性找到了一个新的现实的起点,因为艺术关注的是人类视野之内的一切事情,对于艺术来说,从来没有表现的盲区。在《霸王别姬》里,同性恋题材的展现可以视为电影艺术对世俗禁区的突破,也可以反过头来,视做社会开放所带来的边缘空间的进一步扩大。无论如何,华语同性恋电影的国际反响之强烈,所体现的异质的声音之高扬,必将带来传统行为方式与道德观念的裂变,对社会的进步和人与人的和谐共处都会起到推动作用。

  ——《新闻周刊·让爱变得真切勇敢》  

  《霸王别姬》的成功来自故事,来自人物,来自导演,来自戏里戏外不能分割的爱恨纠缠。这样的电影看一次就是一次消耗,回头张望自己和命运的连接时,前生来世的惊觉轮回是不能用言语描述的。

  ——台湾青年网络作家 藤井树  

  这是中国电影史上的一个新高峰,也是中国电影史上的旷世巨作。

  ——《纽约时报》  

  《霸王别姬》改编自香港女作家李碧华的原著小说,描述的是新旧社会梨园里一段凄婉悱恻的“爱情”故事,影片并不着重记述风云变幻的世事更迭,而是以野史般的笔触渲染近半个世纪的一段情愫……它描述了老北京的两个京剧艺人在时光流转的岁月中,在艺术上、心灵上的阴晴圆缺,以及那被情感爱恨纠缠的欲说还休的迷离人生……

  20世纪20年代,9岁的小豆子随着做妓女的母亲来到关家科班,恳求关师傅收留他学京戏。小豆子眉清目秀,却长了六指。六指是不能当京剧演员的,母亲狠下心来用刀切掉他那根畸形的指头,因疼痛和惊惧而惨叫的小豆子被按倒在祖师爷的香案前完成了入梨园行的仪式。

  同科班的孩子虽然都出身贫寒,却都歧视这个妓女的儿子。惟有大师兄小石头对他怜悯关照,豪情仗义的小石头成了小豆子的偶像和保护神。

  关师傅让小豆子学坤角,让他念“我本是女娇娥,又不是男儿郎”,虽然对于这种性别颠倒的意识他曾做过本能的抗拒,但在戏院这种环境的潜移默化的渗透下,小豆子最终接受了“女娇娥”的角色。

  在棍棒的威逼之下,小石头、小豆子的技艺有了长足进步,第一次在太监家唱堂会合演《霸王别姬》获得满堂彩。不久他们都成了红极一时的名角,小石头艺名段小楼,小豆子艺名程蝶衣。他们的演出也获得了热衷于“捧角”的权势人物袁四爷的青睐。

  慢慢地,程蝶衣的内心发生了变化,他对自己的身份产生了混淆之感,“戏如人生,人生如戏”,他对师兄的友情逐渐发展为同性之爱,在他的心里,段小楼就是霸王,自己就是虞姬。他和师兄相约要演一辈子《霸王别姬》。

  可是,一个青楼里的风尘女——菊仙的出现,改变了这种现状,她对段小楼以身相许,使程蝶衣的理想被践踏,他把自己用屈辱换来的、师兄向往已久的名贵宝剑赠给了段小楼,并声称同师兄分道扬镳。然而在关师傅的召唤下,师兄弟二人再次合作。

  抗战胜利了,国民党伤兵大闹戏院,抓走蝶衣。为救蝶衣小楼和菊仙四处奔走,但由于误解,二人再度分手。

  文化大革命爆发了,段小楼成了牛鬼蛇神。在群众斗争大会上,师兄弟和其他挨斗者一律戏妆示众,小楼忐忑不安,蝶衣却宛如当年那样精心为霸王色脸。在造反派的威逼审讯下,师兄二人相互揭发“罪行”。段小楼首先被迫揭发蝶衣,将他历史上的丑行和美丽的幻想都作为“罪行”抖露出来。震惊而惶惑的蝶衣以牙还牙,他认为小楼背叛的根源在于菊仙,大骂菊仙是“臭婊子”。段小楼又被迫表白:“她是妓女,我不爱她。”菊仙承受不了打击,最终上吊自尽。

  时光总要流逝,一切都成为往事,“四人帮”被打倒了,程蝶衣和段小楼在分离了22年的舞台上最后一次合演《霸王别姬》,程蝶衣唱罢最后一句,用他送给段小楼的那把注满他感情和幻想的宝剑自刎了,结束了自己的演艺生涯,最终实践了他的人生和艺术理想,虽然那理想是已经破碎了的。

  当爱已成往事

  当年作家老舍在文化大革命中受迫害而自杀时,得到过许多人的理解和同情,同是作家的冰心说:“我觉得(老舍自杀)很可能,因为他这个人脾气很硬。我总觉得他一定会跳水死,他的小说里死的人差不多都是跳水。我想,他这个人受不了多少委屈,他受欢迎时,听的全是称赞的话,他也惯了,他被人打是受不了的。所以我听说他死,一点都不奇怪。”所以陈凯歌在听说张国荣自杀的消息后痛哭失声,说:“他真的成了程蝶衣了。”

  或许张国荣一生都没有出戏。

  他本身就是一个传奇,他从容、坦荡,而又惊世骇俗,他对人们公开了他的同性恋身份,可丝毫不影响女人对他的眷恋,男人被他征服。


  他唱着自己的心声,演着自己的戏梦人生,生动,又恰如其分。他追求完美,所以他永远不悔地追寻。他好像是那样一种人,不像有的人那样认真,也不像有的人那样独立,不像有的人那样坚强,也不像有的人那样纯粹,也许还是一个徒劳的人,一个孤立的人,一个被自己弄得身心俱疲的人,一个怕被别人抛弃的人,一个掩盖住自己的内里不让别人去看,自己也不想看的人……

  可是这个世界本不如想像得那样美丽,或许根本就追寻不到他所要的纯粹,在苦苦追寻过后,张国荣终于无能为力。

  著名女作家张爱玲写过一首小诗,叫做《落叶的爱》:

  大的黄叶子朝下掉,慢慢的,它经过风,经过淡青的天,经过天的刀光,黄灰楼房的尘梦。下来到半路上,看得出它是要,去吻它的影子。

  地上它的影子,迎上来迎上来,又像是往斜里飘。叶子尽量慢着,装出中年的漠然,但是,一到地,金焦的手掌,小心覆着个小黑影,如同捉蟋蟀——“唔,在这儿了”秋阳里的,水门汀地上,静静睡在一起,它和它的爱。

  或许张国荣就是虞姬,就是程蝶衣,就是——那片落叶。

  还记得他在《阿飞正传》中说过的话吗?——“你知不知道有一种鸟是没有脚的?它的一生只能在天上飞来飞去,飞累了就在风里面睡觉。一辈子只能落地一次,那就是它死的时候。”

  2003年4月1日,在飞了46年之后,张国荣飞过人生中的最后一段旅程,铿然落地。那千古的唱词,仿佛依然在耳边萦绕——“骓不逝兮可奈何,虞兮虞兮奈若何!”

  ☆《茅利斯》是掀起反映英国青少年心理与生活状态风潮的导演詹姆斯·阿尔玻利的又一部表现情欲的作品,只不过这次是同性。故事讲的是受大学朋友的影响,茅利斯有了同性恋倾向,可后来他又爱上了另一个青年,于是故事就围绕着这3个年轻人展开。

  ☆《春光乍泄》是香港导演王家卫执导的一部生活伦理片,它突破了一般同性恋电影对同性恋的偏见或反面渲染,或者以“宗教”、“社会”等因素作为测度的剧作考虑,而是以两个率性而为流落阿根廷的香港人的爱情为主线,细腻地展示了浪漫化的人物情感。影片中较多生活化的对白设计和情节安排,鲜明地表达着现代爱情的真切和勇敢。

  ☆关锦鹏的《蓝宇》改编自网络小说《北京故事》,也是一部同性恋题材的影片,讲述的是游戏情场的公子哥儿捍东与东北男孩蓝宇之间的情感纠葛,他们的爱情本来是从不平等的性交易开始的,但时光如流,当无可抗拒的真情冲破一切束缚与压力之后,悲剧的结局却无可避免。

  《蓝宇》是一部奇怪的言情戏,它的奇怪不是因为相爱的双方是同性,而是因为它并不将笔墨着重于“爱情的火花”,用“冷”来形容它恰如其分。《蓝宇》就像是一个口若悬河的说书人,虽谈不上动人心弦,但却在行云流水之间把一个纯净的、感人的爱情故事娓娓道来。它的价值就在于大胆突破禁忌,诠释了一对同性恋人的命运,这在中文世界有一定的开拓意义。
辛德勒的名单
探寻和讴歌在特殊环境中的人性发展轨迹

  具有巨大影响的震撼力和深沉而令人痛苦的艺术魅力

  深具史诗的格局和撼人心魄的情绪力量


  1993年出品

  导 演:

 史蒂芬·斯皮尔伯格

  主 演:利亚姆·尼森

  本·金斯利

  拉尔夫·费因斯

  ·第六十六届奥斯卡最佳影片、最佳导演等七项大奖

  ·一九九四年金球奖最佳影片奖和最佳导演奖

  ·美国导演工会奖

  ·九十年代最佳美国电影之一

  《辛德勒的名单》是犹太导演斯皮尔伯格对二战期间德国纳粹屠杀600万犹太人惨剧的回顾,影片以悲观阴郁的基调和富于强烈戏剧张力的惊悚元素,透过主人公辛德勒的眼睛,重回二战时波兰的科拉科,带领人们经历这个城市从繁荣到废墟的一切,同时在那个没有人性的年代中努力寻找人性的微芒,最终揭示了一个主题——人类的良知在任何恶劣的境况中都不会完全地泯灭。

  值得一提的是,斯皮尔伯格并不想以历史仇恨或历史批判的眼光来处理这个题材,不是要揭开历史的伤疤,加深它的痛楚,他只是想通过讲述一个普通人在充满敌意和荒谬的世界中挣扎的超道德的故事,来检视这个事件和它对当事人以及整个时代的影响,并且将这个影响化做忠诚的记录与忠告,安慰着逝去的灵魂,警醒着幸存的生者,传递给不曾经历的人。

  战争已经结束,光明已经来临,没有什么是永恒而不可化解的,世人应谨记犹太人为了感恩而送给义人辛德勒的戒指,还有那上面一句古老的希伯来经文:凡救一命,即救全世界。

  它(《辛德勒的名单》)深刻地揭露了德国法西斯屠杀犹太人的恐怖罪行,并且具有极高的艺术性,它的思想的严肃性和非凡的艺术表现力都达到了几乎令人难以超越的深度。我们为它颁发奥斯卡大奖,对于影片的成就来说,这是当之无愧的。而史蒂芬·斯皮尔伯格也以此片第1次夺得了奥斯卡最佳导演奖,对于他的才华来说,这是一份迟到的肯定。

  ——第66届奥斯卡奖评委会  

  《辛德勒的名单》具有回顾历史、发人沉思的艺术效果,我迫切要求你们去看看这部影片。

  ——美国前总统 克林顿  

  它让德国感到震惊,让世界感到震惊,它真实地再现了纳粹屠杀犹太人的恐怖罪行,它让我们重新回忆和审视那段历史,我们愿以真挚无华的追思,共同思考和感受那段历史的伤痛。

  ——德国前总统 罗曼·赫尔佐克  

  对于我来说这是一次全新的体验,这次我感到重要的不是我的想像力,而是我的良心,突然间,我一惯用来逃避现实的摄像机直面现实,在拍摄中我哭了,我每天都流下了热泪。

  ——史蒂芬·斯皮尔伯格  

  1939年 9月,德军在两周内攻占了波兰,犹太人的生活从此陷入了黑暗。刚从家乡来到科拉科的德国人奥斯卡·辛德勒想要借着战争发财,于是他买下一个经营不善的搪瓷厂以生产食用器皿,供应军需。他找到犹太人斯泰恩,要他当会计师和助手来管理工厂。在科拉科,犹太人是最便宜的劳工,因此,辛德勒的工厂只使用犹太人。

  1943年 3月13日,科拉科的犹太人遭到了惨绝人寰的大屠杀。亲眼目睹这一切的辛德勒受到了极大的震撼,他决定去找党卫军司令官阿蒙·戈特,让他批准将自己的工厂定为一个附属劳役营,重新恢复生产,并向戈特许诺只要能达到目的一定会给他令人满意的报答。

  在德军疯狂屠杀犹太人的日子里,辛德勒开设的工厂成为了众多犹太人的避难所。1944年4月,戈特奉上级之命要把剩下的犹太人运往奥斯威辛集中营。辛德勒清楚奥斯威辛集中营的可怖,他立志尽可能多地保护犹太人,于是他向斯泰恩口授着名单,并用钱买通了戈特和盖世太保朱利斯,买下了自己的工人,拯救了一个又一个无辜的生命。

  辛德勒越来越受到违反种族法的怀疑,但他每次都很机智地躲过了迫害。同时,为了向德国军官行贿,辛德勒的工厂几近破产。

  1945年,德国终于无条件投降了,犹太人获得了解放,而作为德国人的辛德勒却要流亡。临行前,工厂中的工人们从牙齿上取出金子打铸成一个质朴的戒指,上面用希伯来文刻了一句经文:凡救一命,即救全世界。长老代表全体工人写了封信交给辛德勒,万一他被捕,上面有所有人的签名。

  辛德勒始终在为自己没能救出更多的犹太人而悔恨,可人们知道他已经尽了力……

  1958年,耶路撒冷的浩劫纪念馆宣布辛德勒为义人,1974年10月9日,辛德勒去世,他被以天主教的方式安葬在家乡的兹维塔齐尔山上,他的义举永远被犹太人铭记在心。

  施义的与受益的

  可以说,影片的主人公辛德勒与犹太人的融合是一步一步的。辛德勒是一位德国人,他利用德国人发起的战争诱使犹太商人投资,并雇佣廉价的犹太人做工,大发战争横财。获取暴利之后,他骄傲地对妻子说:“我敢说这里的人,他们不会轻易忘记辛德勒,他们会说:‘奥斯卡·辛德勒?人人记得他,他做了杰出的事,他能做别人所不能的,他空手来到这里,带着两只旅行箱离去,装满了世上的财富。’”

  然而犹太人的流血让辛德勒感到了震惊。影片里所描绘的犹太区域的减种惨案是血腥而残酷的——流血的一天开始了,无数的犹太人被从家中赶到了街上,一阵阵枪声之后,一群群犹太人倒了下去。入夜了,余下的以为安全了的犹太人从各自藏身的地方走出来,从地板下面,从床铺下面,从钢琴中,从墙的夹层里……但是他们还没来得及呼吸一口安宁的空气,耳边又响起了枪声,狡猾的纳粹军队从隐蔽处冲出来……血从天花板上渗出,从床铺下流出……残忍的戈特对辛德勒发着他的谬论:“今天是历史的时刻,今天将会被纪念。600年前,犹太人到科拉科落了脚,他们在商业、科学、教育、艺术上兴盛起来,他们一无所有来,一无所有,却发了迹。6个世纪,形成了犹太人的科拉科,到今天晚上,6个世纪的历史成为谣言,它们从未发生过,今天才是历史。”

  财富和永恒是人类个人和集群追逐的目标,让世人记住,成为历史。财富容易被易手,历史经常被改写。财富是不是能取代人生的价值,历史是不是能抹煞存在的记忆是良心发现还是信仰发生?发现和发生一样地重要,否则,没有发现,生命的起点不会实现人生的目标;没有发生,人生的目标会违背人生的起点。发生让人们有根据,发现让人们做见证。身为这场战争的亲临者和目击者,辛德勒开始重新思考价值发生的根据,重新思考记忆发现的见证。于是,辛德勒以生产军火需要大量劳力的名义,开始用战争期间赚来的金钱买下一个个必遭集中营厄运的犹太人,辛德勒的名单救下了1100名犹太人。战争结束了,德国人失败了,工人们获得了生存的自由。“辛德勒的名单”作为价值让世人测度它的财富,“辛德勒的名单”作为记忆让世人缅怀它的历史。在科拉科集中营里,幸存的犹太人用自己保存下的一颗金牙,也是他们战后仅存的惟一可触的所有,为辛德勒铸成了一枚戒指,刻上了犹太法典上的一句希伯莱经文:“救一条命等于救全世界。”作为犹太人,他们认为没有什么能与拯救世界相比,拯救世界不可能抽象地拯救人类,也许会尽可能具体地对待每一条生命。辛德勒后悔地认为自己做得不够,而犹太人却握着他的手安慰他说:“你已经做得够多。”在那缺乏人性的世界里,施义的与受益的相互感激,成就一段拯救的历史。(佚 名)


  ☆波兰导演罗曼·波兰斯基以他对黑暗人性的深刻洞察和其本人传奇式的经历执导了著名的反映二战期间犹太人悲惨命运的影片《钢琴师》。本片是根据波兰钢琴家瓦拉迪斯罗·斯皮曼的自传体小说改编而成的:二战期间,波兰犹太钢琴家斯皮曼为了生存四处躲藏以免落入纳粹的魔爪,他在华沙的犹太区里饱受着饥饿的折磨和各种羞辱,死亡的阴影时刻相伴。幸运的是,他的音乐才华感动了一名德国军官,在军官的冒死保护下,斯皮曼终于捱到了战争结束,迎来了自由的曙光。影片以悲观阴郁的基调,辅以强烈的戏剧张力和惊悚元素,讲述了关于普通人在一个充满敌意和荒谬的世界中挣扎的超道德的故事,在世界电影史上留下了不可磨灭的印记。

  ☆由法、德及罗马尼亚三国合拍的电影《阿门》曾于2003年2月在法国获得恺撒奖最佳编剧奖。影片主人公德国工程师、党卫军上尉Kurt Gerstein是历史上的真实人物,他发现自己为净化水源而合成的化学药剂竟被用来净化日尔曼族系、成为杀人毒气时深感震惊,并通过种种努力想要把这种罪行上告到中立国或教庭,借助教皇的影响进行干涉制止;而天主教耶稣会神父Riccardo是惟一愿意帮助Gerstein的人。可最后两人不但未能阻止罪行的延续,还成为了历史车轮下的牺牲品……《阿门》不是一部具有煽动性的电影,没有哀鸿遍野饿殍枕藉的镜头,也没有血肉的视觉冲击,因为导演认为:无即是有,应该把更多的思考空间留给观众。

真实的谎言
美国90年代动作片经典之中的经典,特技电影的典范

  一部宣扬美国精神的大片,揭示正义必将战胜邪恶、恐怖主义必将失败的主题

  1994年出品


  导 演:詹姆斯·卡梅隆

  主 演:阿诺德·施瓦辛格

    杰米·李·柯蒂斯

  汤姆·阿诺德

  ·第六十七届奥斯卡最佳视觉效果奖提名

  ·第五十二届金球奖最佳喜剧片女主角奖

  ·一九九四年度美国十大卖座影片之一

  《真实的谎言》用电影手法戏剧性地诠释了美国联邦特工奇特的生活经历,是一部融浪漫情调与惊险恐怖情节于一体的动作片。导演詹姆斯·卡梅隆采用“詹姆斯·邦德”式的影片套路,赋予了本片一定的社会现实主题和浪漫的喜剧色彩,本片堪称是他导演生涯的又一个里程碑。同时,这部影片也是影星阿诺德·施瓦辛格主演作品中的极品之一,他的表演在这部影片中被看做有了重大的突破,国际影评界人士一致认为,这部动作巨片是这位巨星再次崛起的象征。

  影片的独到之处在于其场面宏大,气度非凡,动作性强。在这部经典的娱乐片中,几乎每个场景、每个段落都有可圈可点之处,甚至连很多个过场戏也丝毫不见松懈,称之为经典绝不算过分。为了拍摄此片,美国空军还出动了鹞式战斗机,并配合影片的情节发射了空对地导弹,影片的实景拍摄使得许多惊险场面色彩纷呈,扣人心弦,表明好莱坞动作片的精良制作已被提高到一个新的极致。

  而对于中国的普通观众来说,这部影片曾经在大陆电影市场掀起观影狂潮,同时也被认为是中国进口好莱坞大片的开始。

  詹姆斯·卡梅隆是一个能创造奇迹的导演,他的影片总是一如既往地让人期待,由他执导的《异形》、《深渊》、《终结者》让他在动作片的领域占有重要的一席之地,而影片《真实的谎言》更可以说是他导演生涯的里程碑之作,这部影片使卡梅隆在执导动作片领域的名牌地位已不可动摇了。

  ——纽约著名影评人 哈里森·希曼  

  我喜欢充满谎言的戏剧,对我而言,这种影片反映的就是人性的不可知。我也喜欢施瓦辛格对间谍的刻画:一方面,他是一名普通的家庭成员;另一方面,他是一位不可思议的特工;更重要的是,他又是一位超级巨星,这就意味着人们对他的期望更多了。

  ——本片导演 詹姆斯·卡梅隆  

  《真实的谎言》堪称是一部视听效果强烈、电脑特技运用自如的A级制作片,它让每一个影迷都过足了瘾,这部影片当年在我国的票房居然超过1亿元大关,要知道,这是在“美国大片”刚刚登陆中国的日子里发生的,足见它惊人的魅力和无可比拟的震撼力。

  ——影评人 吴客凡  

  我不知道是什么神奇的元素使得我看这部电影时很是激动,最初看的时候是这样,过了好几年看的时候还是这样,没觉得剧情老套,没觉得表演夸张,没觉得有任何不对劲,连名字都够酷——谎言,但它还是再真实不过的。

  ——网友 A锐  

  哈里·塔斯克尔是代号为“欧米茄”的一个间谍组织的特工,他精通6种语言并能操纵多种高技能的间谍手段,此时他正受命调查着一宗某阿拉伯恐怖主义组织策划的偷窃并运输4枚核弹的案件。出于国家安全的需要,长久以来,哈里一直没有向妻子海伦说明自己的真实身份,而是伪装成一个普通商人,他们还有一个十几岁的女儿。时间一长,海伦对自己的丈夫产生了厌烦的情绪,而处于叛逆期的女儿黛娜也对“过时”的父亲阳奉阴违。

  在一次执行任务时,哈里不得不与一名女子假装相好,这使不明就里的海伦醋意大发,她开始与一汽车商西蒙厮混,而自称是“间谍”的西蒙浪漫刺激的故事让她心旌摇荡。敏感的哈里察觉到了妻子的变化后开始跟踪西蒙,发现他不过是一个旧车的推销商,只是利用某些女性渴望刺激的心理而勾引她们。弄清了西蒙的底细后,哈里就要求自己的搭档吉普帮忙,并利用自己的间谍手段侦察着海伦的行踪。

  在海伦和西蒙的一次约会时,哈里扮做假特警捕获了他们,拆穿了西蒙的面目。为了给妻子一个惊喜,他佯称海伦已经卷入了恐怖分子的活动,要想赎罪就必须为他的间谍组织工作,否则她的丈夫和女儿将会有生命危险,她的代号被称为“桃丽丝”,将接受“波利斯”的指示。海伦只好同意了。

  有一次,哈里化装成“波利斯”指使海伦“行动”,正当哈里对她进行“威胁”时,一伙恐怖分子冲进来并把他们作为人质绑架到加勒比海的一个热带小岛上。这个小岛是恐怖组织“赤色圣战”的基地,正是这个组织的领导人阿兹一伙窃取了核弹。哈里的特工身份暴露了,阿兹用尖刀抵住了海伦,威逼哈里说出核弹的秘密,哈里无奈之下告诉了阿兹:“核弹含有14.5公斤的精炼铀,引爆后爆炸力可达3万吨。”阿兹对着摄像机发表议论,叫嚣说除非美军从波斯湾撤军,否则每周将毁灭美国的一座大城市,并称进攻的第一目标将是迈阿密。

  海伦这时才发现丈夫竟是个了不起的特工,由于她的手提包里一直被哈里安放了一个监控装置,所以国防部的特工汤姆等人根据监控乘飞机火速赶来营救。同时阿兹也发现了这个装置,并发现了他们夫妇和女儿黛娜的照片。恐怖分子于是开始拷问哈里,而受过专门训练的哈里先发制人,带着海伦逃了出来。阿兹和恐怖分子打算将核弹外运,并启动了其中一枚核弹的定时器,为了国家的安全,哈里奋不顾身地阻止了阿兹的阴谋,并炸掉了“赤色圣战”组织的基地。而在枪战中,海伦重新落入了魔掌。

  阿兹命令将3枚核弹装上货车运往佛罗里达州,另一枚则由他自己乘直升飞机运往迈阿密。这时国防部的特警赶到,美国空军动用“鹞式”战斗机用导弹炸断了小岛通往佛罗里达的大桥,货车和核弹一起坠入大海。海伦和女恐怖分子珍娜在汽车里也展开了搏斗,在千钧一发之际,哈里救出了海伦。但狡猾的恐怖分子又绑架了他们的女儿黛娜,并威胁要在迈阿密引爆另一枚核弹头。哈里驾驶着“鹞式”战斗机赶到迈阿密,用一枚歪打正着的导弹消灭了恐怖分子阿兹和他的属下,同时救出了女儿黛娜,保住了城市……一年以后,哈里再次接受“欧米茄”的任务,然而,这一次他身边的搭档却换成了海伦。

  《真实的谎言》中的电影艺术

  《真实的谎言》是电影公司投入了1.2亿美元巨资的一部动作大片,高投入与高科技的结合使影片特技镜头含量极高,惊险的动作不时冲击着观众的视觉,诙谐的喜剧性又不断引起观众的会心之笑。 可以说,该片是20世纪美国特技电影的典范,为了造成强烈的感官刺激,影片创作者不惜血本,调动了大量的车辆、军火设备,甚至动用了“鹞式”飞机和导弹,并在高科技电脑技术的运用下,把各种特技镜头天衣无缝地组合起来,俨然给人以身临其境的真实感受。枪林弹雨再配以气势宏大的背影音乐,着实让观众们热血沸腾,冲进大屏玻璃墙的飞机,悬在跨海大桥上的货车,种种惊险场面更是扣人心弦,令人惊叹。


  除了浓度极高的特技镜头给人造成的强烈感官刺激外,影片也处处洋溢着不温不火的调侃及妙趣横生的幽默。特工哈里的职业特性使他一直隐瞒着自己的身份,而一直以为他只是个本分的商人的海伦因此对他的碌碌无为觉得厌烦,可转眼间,危急关头的哈里终于显露出了他那超人的魔力,而海伦也出人意料地成了他身边的黄金搭档。种种表面与实质的反差,欲言又止的情境同内心的情感冲动间的矛盾注定了该片情节的进展必然伴随着诸多喜剧内容。

  大明星施瓦辛格在片中饰演特工哈里,在表现自己“硬汉”性格的同时,他也着意突出了男子汉的大度、机智。在影片中,我们看到了满身肌肉的世界健美先生身上已似乎闪现了詹姆斯·邦德的影子,他已成了力量与智慧的化身,同时,他在影片里洒脱大方的表演和文质彬彬的气质也为他增添了无穷的魅力。(佚 名)

  ☆1991年,由卡梅隆执导、施瓦辛格主演,并被影迷们盼望已久的《终结者2》终于浮出水面,这部影片震惊了影坛,并且赚得了2亿美元的国内票房,获得了4项奥斯卡奖。《终结者2》宣告了一个时代的来临,人们终于相信,电影表现已经无所不能,惟一的制约只是人们的想像力。从此,电脑生成的影像在好莱坞大行其道,恐龙、外星人、龙卷风、小行星纷纷登场,人

  们看到了一个又一个以前想都不敢想的神奇画面。

  ☆《终结者3》的故事发生在第二集后的10年,17亿美元的预算使它成为电影史上最昂贵、也是拍摄资金最宽裕的一部影片。55岁的施瓦辛格在本片中仍像从前一样勇猛、剽悍,超凡的电脑特技及异常火爆的动作场面依然是《终结者3》的最大看点。

  ☆影片《壮志凌云》讲述了美国海军飞行员麦德林以自己的老飞行员父亲为偶像,几经沉沦终于奋起,驾驶银鹰,纵横蓝天,最终成为一名飞行精英的故事。在影片中初露锋芒的汤姆·克鲁斯、长达1个半小时的空战特技制作……所有这一切都让人无法忘记,值得一提的是,该片主题曲《令我透不过气来》真情感人,对渲染主人公的内心情感起到了不可替代的作用,它荣获了第59届奥斯卡最佳原创音乐奖,也成了风靡至今的情歌金曲。

  ☆一群十恶不赦、极其危险的罪犯要被押送到州立监狱,但这群杀人恶魔聚集在一起控制了飞机,在走投无路的情况下飞机失控,冲向了繁华的赌城拉斯维加斯……这就是影片《空中监狱》的故事。著名影星尼古拉斯·凯奇富有张力的演技和他健壮的身躯使其慢慢地走向了动作片的道路,他以威猛而不失刚毅的表演征服了观众,并被好莱坞赞为“自己本土的勇士”。

阿甘正传
美国“反智电影”的代表作

  充满着好莱坞电影回归的保守主义精神

  展现历史与个人的约定,以小人物的经历透视美国政治社会史的史诗片


  1994年出品

  导 演:罗伯特·泽梅基斯

  主 演:汤姆·汉克斯

    加里·西尼斯

  萨莉·菲尔德

  ·第六十七届奥斯卡最佳影片、最佳男主角、佳导演等六项大奖

  ·第十六届电影金鸡奖最佳译制片奖

  ·美国百部经典名片之一

  20世纪90年代,美国社会的反智情绪高涨,好莱坞于是推出了一批贬低现代文明、崇尚低智商和回归原始的影片,美国媒体称之为“反智电影”。《阿甘正传》就是这一时期反智电影的代表作,它根据美国作家温斯顿·格卢姆的同名畅销小说改编,通过对一个智商为75的智障者生活的描述反映了美国生活的方方面面,并以独特的角度对美国几十年来社会政治生活中的重要事件做了展现。它使美国人重新审视国家和个人的过去,重新反省美国人的本质。

  阿甘在影片中被塑造成了美德的化身,诚实、守信、认真、勇敢而重视感情,对人只懂付出不求回报,也从不介意别人拒绝,他只是豁达、坦荡地面对生活。他把自己仅有的智慧、信念、勇气集中在一点,他什么都不顾,只知道凭着直觉在路上不停地跑,他跑过了儿时同学的歧视、跑过了大学的足球场、跑过了炮火纷飞的越战泥潭、跑过了乒乓外交的战场、跑遍了全美国,并且最终跑到了他的终点。

  每个看过《阿甘正传》的人都会从中得到些许感悟:生命就像那空中白色的羽毛,或迎风搏击,或随风飘荡,或翱翔蓝天,或堕入深渊……

  我觉得故事里的阿甘简直就是典型的美国人,他的成长过程又正好是我们所经历的,他使我们清晰地回顾过去的历史。他是个好人,能令人落泪也能逗人发笑。

  ——好莱坞制片人 温迪·费勒曼  

  在这部影片里,我想让阿甘以一个头脑简单、纯真,而又缺乏主见的人物形象出现在银幕上,我把影片中的各个角色看做是美国国民人性化的象征。

  在我看来,这部影片的独特之处在于:它重新肯定了旧的道德及社会主体文化,宣扬了60年代美国的主流意识形态,同时它又否定了其他前卫的新文化。我想正是基于此,它才能深得美国民心。

  ——本片导演 罗伯特·泽梅基斯  

  《阿甘正传》让我们熟知了两个人:阿甘和汤姆·汉克斯。这部影片改编自温斯顿·格卢姆的同名政治讽刺小说,但影片的总体风格似乎更像是一部人生寓言,在影片中,阿甘的智商尽管并不高,但他的身上却具有这个社会已经远离许久的诚实、守信、勇敢、真诚等美德,影片的开始,我们或许会被阿甘的木讷所逗乐,在他面前,我们充满着优越感,但在影片结束时,我们却不得不被他的真诚所感动,我们突然发现阿甘的经历正是代表了我们每个人的纯真年代,而我们的身上却已经覆压着太多的偏见与虚荣。

  ——佚 名  

  天空中,一根羽毛随风飘舞,飘过树梢,飞向青天……最后,它落在福雷斯特·甘的脚下,阿甘坐在阿拉巴马州的一个长椅上,滔滔不绝地诉说着自己一生的故事——

  阿甘于二战结束后不久出生在美国南方阿拉巴马州一个闭塞的小镇,他先天弱智,智商只有75,然而他的妈妈是一个性格坚强的女性,她要让儿子和其他正常人一样生活,她常常鼓励阿甘“傻人有傻福”,要他自强不息。而上帝也并没有遗弃阿甘,他不仅赐予阿甘一双疾步如飞的“飞毛腿”,还赐给了他一个单纯正直、不存半点邪念的头脑。在学校里,阿甘与金发女孩珍妮相遇,从此,在妈妈和珍妮的爱护下,阿甘开始了他一生不停的奔跑。

  在中学时,阿甘为了躲避同学的追打而跑进了一所学校的橄榄球场,就这样跑进了大学。在大学里,他被破格录取,并成了橄榄球巨星,受到了肯尼迪总统的接见。

  大学毕业后,在一名新兵的鼓动下,阿甘应征参加了越战。在一次战斗中,他所在的部队中了埋伏,一声撤退令下,阿甘记起了珍妮的嘱咐,撒腿就跑,他的飞毛腿救了他一命。在越战中,阿甘交了两个好朋友:热衷捕虾的布巴和令人敬畏的邓·泰勒上尉。

  战争结束后,阿甘作为英雄受到了约翰逊总统的接见。在一次和平集会上,阿甘又遇见了珍妮,而珍妮已经堕落,过着放荡的生活。阿甘一直爱着珍妮,但珍妮却不爱他。两人匆匆相遇又匆匆分手。

  作为乒乓外交的使者,阿甘还到中国参加过乒乓球比赛,并为中美建交立了功。在“说到就要做到”这一信条的指引下,阿甘最终闯出了一片属于自己的天空。他教“猫王”埃尔维斯·普莱斯里学跳舞;帮约翰·列农创作歌曲;在风起云涌的民权运动中,他瓦解了一场一触即发的大规模种族冲突;他甚至在无意中迫使潜入水门大厦的窃贼落入法网,最终导致尼克松总统的垮台。

  因为“傻人有傻福”,阿甘还阴差阳错地发了大财,成了亿万富翁。而阿甘不愿为名利所累,他做了一名园丁。阿甘时常思念珍妮,而这时的珍妮早已误入歧途,陷于绝望之中。终于有一天,珍妮回来了,她和阿甘共同生活了一段日子,在一天夜晚,珍妮投入了阿甘的怀抱,之后又在黎明悄然离去。1年以后,阿甘又一次见到了珍妮,还有一个小男孩,那是他的儿子。这时的珍妮已经得了一种不治之症,阿甘同珍妮和儿子一起回到了家乡,度过了一段幸福的时光。

  珍妮过世了,他们的儿子也到了上学的年龄。一天,阿甘送儿子上了校车,这时,从儿子的书中落下了一根羽毛,一阵风吹来,它又开始迎风飘舞……

  “傻子”阿甘

  在影片中,带着美国南方口音、智力有障碍的阿甘凝视着充满野性的珍妮,仿佛和美国小说大师福克纳的名著《喧嚣与骚动》中的傻子班吉是远亲。但二者显然有着根本的区别:班吉只是一个家庭衰亡的象征,是个真正的低能儿;而阿甘这个“傻子”却几乎代表了这个时代所缺少的所有美德:诚实守信,做事认真,勇敢无畏,重情轻财,反过来说则是具备这些美德便成了愚蠢,这真是对当今某些社会状况的一个莫大讽刺。

  而阿甘所挚爱的珍妮则是堕落的象征,她染上了几乎所有的恶习,如吸毒、性解放等,最后她死于一种病毒——其实影射的是艾滋病毒。而阿甘却不计一切,始终如一地爱着她,影片在对他构成一种似是而非的责备的同时,更体现了他的纯真和善良。阿甘如同一个战士,以他貌似简单,实则更为简单的头脑和特殊的才能以及强大的体魄为武器,一次又一次地赢得了生存和发展。这是一种对上帝奖励善良的希望,同时,它更包含了一种基调:向前,跑。有人说,这样奔跑会给人带来希望。事实上,希望确实存在,这部独特的影片赢得了如此众多的观众,吸引了甚至只喜欢轻松的娱乐片的观众,便说明了希望本身和希望的魁力。


  阿甘形象的塑造颠覆了正常世界中的英雄形象,与传统观念背道而驰,具有强烈的反传统、反主流性。阿甘的经历让许多“聪明人”相形见绌,我想导演就是想通过阿甘形象的塑造来反讽社会,反映社会现状,比如对人的异化、堕落的揭露等借此来引起人们对社会与人们命运、前途的关注。有趣的是,阿甘身后总有一群尾随者,他们找不到人生的答案,盲目地追随阿甘,可以这么说,这就是美国当时社会的一种现实,人们对现实失望,找不到生存的动力与意义,只好无望地把命运寄托在别人身上。而阿甘却总能以乐观的态度面对现实,勇敢地跑下去,这不能不说是绝妙的讽刺。

  对于这样一个近年来好莱坞电影中少见的鲜明人物,阿甘无疑会被载入史册,在美国,阿甘就是战后五六十年代出生的这代群体的化身,在他们的经历中,3K党、摇滚、越战、肯尼迪、尼克松等纷纷登台亮相,在和平的混乱中他们成长,道德的重建,个性的张扬,使他们的人生道路充满着变数,他们看来似乎缺少锤炼,步履蹒跚得让人放心不下,但他们终究是长大了,并且他们跑起来的速度出乎了父辈的意料。

  在小说《阿甘正传》里,它的结尾是这样写的:“不过,我跟你说,朋友:有时候到了晚上,我仰望星星,看见整个天空就那么铺在那儿,可别以为我什么也不记得。我仍旧跟大家一样有梦想,偶尔我也会想到换个情况人生会是什么样儿。然后,眨眼之间,我已经四十、五十、六十岁了,你明白吧?”

  相信即使看到这里,每个人内心的惶惑感一点都不会减少,但同时我们也会油然而生一种超脱的感觉,就像我们仰望星空,感到一种自然的和谐和伟大的力量,虽然一些问题还是没有答案,可是已经变得不那么重要。时间总是无情地流转,它在催促我们不要因太多的思考而虚掷光阴。

  我们还是要走自己的路,然后,眨眼之间,我们已经四十、五十、六十岁了,你明白吧?佚 名

  ☆20世纪80年代,美国社会保守主义思潮泛起,好莱坞为顺应社会潮流,拍摄了影片《雨人》,开创了现代“愚人电影”的先河。这是一部展示人性、表现兄弟之间手足之情的温馨感人的伦理片,它通过一个以“金钱至上”为人生目标的弟弟和他的不明白金钱概念、患有自闭症的哥哥的相认相识、相怨相爱的经历,生动地揭示了世俗的金钱利害观与天伦亲情间的冲突、矛盾及消长的过程,并对于“如何避免因经济和金钱至上而导致的现代人感情的枯竭和退化”这一问题做出了令人信服的回答。

  ☆人物传记片《美丽心灵》取材于1994年获得诺贝尔奖的天才数学家小约翰·福布斯·纳什的生平经历,这位数学奇才在学术上傲视群雄,但在生活中,他却饱受着严重的精神分裂症的困扰,他的臆想、他的疯癫,使他的事业几经波折,也让深爱着他的妻子艾丽西亚饱经风霜……影片以鲜明的主题和对社会现实的无情揭露引起了人们广泛的思索,并一口气拿下了第74届奥斯卡的最佳影片、最佳导演、最佳女配角、改编剧本在内的4项大奖。

  ☆在第59届威尼斯国际电影节上,俄罗斯影片《精神病院》荣获了评委会大奖,影片故事发生在印古什边境的一个国际精神病院里,通过医护人员在战争时扔下病人逃生、弃病人于不顾的事件,尖锐地提出:到底什么地方才是真正的疯狂,是精神病院里边,还是它以外的世界?在今天的世界上,不正常的人到底是谁?影片以精神病人的行为和心态来反衬现实的不正常,从而凸显出战争比精神病人更为疯狂的主题。
钢琴课
细腻地展现维多利亚时代哑女深邃的情感世界

  反映女性意识觉醒的佳作

  导 演:简·坎皮恩


  主 演:霍利·亨特

    萨姆·奈尔

  哈维·凯特尔

  ·第六十六届奥斯卡最佳女主角、最佳女配角等五项大奖

  ·第五十一届金球奖最佳女主角

  ·第四十六届戛纳电影节金棕榈大奖

  ·第四十七届英国电影学院奖最佳女演员奖

  ·第十九届恺撒电影节最佳外国影片奖

  《钢琴课》是新西兰著名女导演简·坎皮恩执导的以反映女性觉醒意识为出发点的一部影片,它讲述了一个凄美感人而又令人迷醉的爱情故事,其间描写的女性沉默的激情,表现人的内在的情欲冲动,优雅浪漫而又充满原始野性。在这里,音乐成为女主人公心声流露的寄托,她将她的生命与爱全部融化进她的琴声之中,世上惟有知音和爱她的人才能领悟。就艺术效果而言,影片达到了一种极致,它以钢琴为载体,使美妙的爱的音符成为沟通思想感情的媒介,把一个将音乐作为自己心灵寄托的哑少妇和一个外表粗俗而内心情感丰富的男子有机地结合在了一起。

  导演简·坎皮恩曾经这样说:“我对剧本思考越深,就越加明白,必须有一个客体来赋予这个故事以特殊性。在诸多方案里我选择了钢琴,钢琴可以说是人类双手的神秘创造,它是文明的象征。从视觉上说,钢琴与新西兰土著人的生活构成了鲜明的对照。罗曼蒂克的激情存在于我们的生活当中,并且有时我们会为它而活。尽管我相信这并非是完全明智的生活方法,也明白它所带来的结果常常是危险的,但我仍会珍惜它,并且相信它是伟大勇气的象征。”

  备受瞩目的电影《钢琴课》是一部描写男女之间性爱力量超过理性力量的电影,影片中的女主人公不仅有孩子的拖累,而且在语言表达上也有障碍,可她却背叛了有教养且有一定经济实力的丈夫,同另一个富于男性魅力的人发生了性关系。事实上她本人并非像人们所臆测的那样狂放不羁,而是一个腼腆的、有时甚至给人以僵硬感的女人。她曾让人感到她的内心被厚厚的一层铠甲包裹住了,然而就是这样一个女人,却在某天突然委身于一个外表粗旷、内心细腻的男人。通过肉体的交流,两人产生了肉欲上的强烈渴求,继而产生了热烈的爱情,最终女主人公为此离开了自己的丈夫。换言之,理性的丈夫没有叩开她的心扉,而那个带有野性、给人以危险感的男人却通过性爱成功地走进了她的内心深处。这部出自女性导演简·坎皮恩之手的电影,通过女性自身,深刻地揭示了女性性爱的秘密,因而受到了全世界的广泛瞩目。

  ——日本著名作家 渡边淳一  

  新西兰女导演简·坎皮恩编剧并执导的《钢琴课》由不甚美丽却魅力非凡的女子霍利·亨特担纲主演,在钢琴的黑白琴键下,故事开始蔓延。似乎没有任何象征现实的意义,一切的剧情只凭着女人的直觉和感官展开,美丽、平静,却有着一种超越理性的力量。《钢琴课》便是这样一部让人不敢轻易去碰触的女性电影。

  简·坎皮恩的电影是黑白色的,一如钢琴的琴键。她电影中的女主人公有一种超越感,有着对于单纯无比的爱情的坚持,这似乎正是女性电影永远想要表现的主题……如果有人欣赏,那么这个女子就会获得幸福,否则坚持的后果便只有死亡,死于纯真的静。

  ——著名影评人 封黎华  

  19世纪中期的新西兰有着优美的自然景色和丰富的矿产资源,还有廉价的劳动力。一批又一批的殖民者纷纷飘洋过海,去那里实现自己的发财梦。

  苏格兰女人艾达是一个面目清秀、性格内向的小妇人,她不会说话,有一个9岁的女儿弗洛拉。艾达遵从父亲的安排,嫁给远在新西兰的斯图尔特——一个她从未见过面的男人。

  船把她们送上新西兰荒凉的海滩,艾达和弗洛拉等待斯图尔特来接她们。她们只有简单的行李,却有一架黑沉沉的钢琴。斯图尔特带着一帮土著人来接艾达,因为道路难走决定把钢琴留在海滩上。

  艾达思念自己的钢琴,只好求助于邻居贝恩斯,请求贝恩斯带她和女儿去海边看钢琴。他们来到海边,艾达急切地扑向钢琴弹起来,弗洛拉在琴声中舞蹈。贝恩斯默默地望着她们,他从这震撼人心的音乐中了解了艾达的心,并迷恋上了她。于是他主动提出以自己的80亩地换取海滩上的钢琴,斯图尔特很高兴,贝恩斯提出要艾达给他上钢琴课,斯图尔特也满口答应了。为了弹琴,艾达只好每天去贝恩斯的小屋上钢琴课,弗洛拉和一只小狗在外面玩。艾达专注地弹着琴,可贝恩斯却不练钢琴,只是痴迷地望着她,对于他来说,上钢琴课是一种很美的享受。

  贝恩斯知道艾达极想重新拥有自己的钢琴,于是向她提出“以物易物”:在她弹钢琴的时候他对她做些事,如果她同意,一次算一个键。艾达同意了,对于贝恩斯来说,这不是单纯的游戏,这是情欲的表达。

  斯图尔特问艾达贝恩斯的钢琴弹得怎样,艾达只是笑了笑,毫不知情的斯图尔特很满意。在长久的交往中,艾达和贝恩斯的感情与日俱增,不料他们在一次裸体相对时被不谙世事的弗洛拉发现了,她把这件事告诉了斯图尔特。而贝恩斯深深地陷入了爱情的痛苦之中,他觉得这是没有回报的爱恋。

  艾达又一次去找贝恩斯的时候被斯图尔特发现了,他用木板把门窗钉死,软禁了艾达。第二天一早,斯图尔特又拆下了窗上的木板,告诉艾达他信任她,于是出去干活了。而艾达在送给贝恩斯信物时又一次被发现,斯图尔特暴怒了,失去了理智的他砍掉了艾达的一个手指。然而,艾达是无法说服的,这也许是一种意志的力量。斯图尔特终于彻底绝望了,他带着枪来到贝恩斯的小屋,要他带艾达走。

  有情人终成眷属,贝恩斯带着艾达和弗洛拉以及钢琴离开了小岛。在船上,艾达在经过激烈的思想斗争后,终于决定抛弃这象征了她沉重的痛苦记忆的钢琴,她把它掀到了海里。

  贝恩斯与艾达组成了幸福的家庭,艾达以教钢琴为生,贝恩斯请人给她做了一个银指套,每当银指套与琴键相撞时,总会发出一种奇特的声响,它融入了钢琴美妙合谐的音符之中,创造出了另一种完美的旋律。 艾达也渐渐开始学说话,但是声音粗得吓人,她只是在黑暗中独自一个人说话,倾诉自己的心声。

  挣扎化为舞蹈

  加拿大人一直说:这世界上至少要有四片枫叶——一片给男人,三片给女人。就是说,这世界上至少要有两个人——一个男人,一个女人。如果说男人像山脉一样隆出地表,那么女人就有如河流陷入进去;如果说男人是令人颤栗的白昼,那么女人就是使人不安的夜晚;男人是极端锋利的象征,女人是无限柔软的象征;男人是战士,女人是梦想家。简·坎皮恩的《钢琴课》是一部几乎堪称完美的女性电影。所谓女性电影是指它向人们展示的不再是女人世俗意义上与男人的对抗,而是一个内心独立、能够在精神上自足的女性在经过挣扎之后,与现实达成和解的过程。

  如果你愿意,也可以把它看做是一部成长电影。这里所说的成长,不是指通常意义上的从少年世界到成人世界的青春成长,而是一个已然成熟的人,成熟的女性,如何在生存环境
和精神世界的冲突中寻求平衡,以获得内心平静的过程。

  影片把环境设置为一个幽闭荒芜的海岛,就是为了要让一切沉淀下来。在这样一个舞台上,没有声音,只有旋律,每一个人都在默默地饱受煎熬,然而把挣扎变做无奈之后,却又沉醉其中的舞蹈。

  生命是一场无休止的挣扎,男人将之化为战争,女人将之化为舞蹈。

  ☆法国电影《钢琴教师》是根据奥地利小说家和剧作家艾尔芙瑞德·杰莉妮克的自传小说改编而成的。在影片中,主人公杰莉妮克出生在一个中产阶层天主教家庭中,她的父亲死在精神病院里,她已年近40,但是仍与占有欲极强的母亲住在一起,和母亲互相敌视却互相依赖的情结压迫着她的生活。虽然外表上杰莉妮克是一位道貌岸然的钢琴教师,但心灵没有出路的她常以观赏色情录影带与偷窥作为发泄。这种长久被禁锢的欲望却被一个年轻帅气的男学生华特解除了,在华特猛烈天真的追求下,杰莉妮克却无法以一般人的爱情示人,于是与华特展开了一连串变态暴力的性冒险……

  ☆1972年,德国的年轻导演贝尔托鲁齐拍摄了一部在今天看来尤有狠毒之感的影片《巴黎最后的探戈》,这是发生在情欲之都巴黎的一个以疯狂的性欲、激情和可怕的孤独、绝望为基调的情色故事。男女主人公在一座与世隔绝的房间里相遇,两颗同样孤寂的心灵在互相寻找安慰和温暖。似乎需要达成协议,并且不容许违约。当男主人公试图越过这个界限时,女主人公结果了他的生命,理由却很简单,在两个最近的人之间,心却离得很远——这是文明的荒漠。

  影片的主题在于揭示人的欲望的可怕,它所带来的一切都将是反社会的私密一面的必然结果,它试图闯入“正常”生活的僭越行为时也注定要受到制裁。生存重归它二元的划分,或地狱般灼热的欲望天国,或天堂般冷清的理性地府。它们对立而又相互联系,但绝没有和解的可能。

  ☆《死囚之舞》的故事发生在种族偏见根深蒂固的美国南方。汉克生长在一个保守的白人家庭,和他的父亲巴克、儿子桑尼祖孙3代都在小镇监狱的死囚牢里当看守。汉克的职责之一是帮助执行死刑。最近,他们刚刚处死了一个黑人死囚,意想不到的是汉克偶然间结识了黑人死囚的遗孀莱茜娅,并与这个贫穷的黑人妇女堕入情网。结果可以想见,这个事件在固守种族偏见的家庭中掀起了轩然大波……











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肖申克的救赎

 一部揭露美国司法黑幕的巨片

  一幅用友谊和希望描绘的生命画卷

  寓含人生哲理的喻世之作


  1994年出品

  导 演:

  弗兰克·达拉邦特

  主 演:蒂姆·罗宾斯

    摩根·弗里曼

  ·第六十七届奥斯卡七项大奖提名

  ·好莱坞最有气势的十大巨片之一

  一条漫长的自由之路、一次灵魂深处的洗涤、一部不朽的励志经典,“希望”遵循神的旨意安睡在内页被挖空的《圣经》里,附着在安迪高大的身躯里,匍匐在500码的下水道里,最后,那条仅有的肮脏之路把安迪送往美丽的新世界。这段充满绝望与沉重的救赎之旅来自臭名远扬的鲨堡监狱、来自惊悚小说大师史蒂芬·金的原著、来自哲理导演达拉邦特的倾力之作。《肖申克的救赎》带来的是恒久不变的真挚友情、百折不挠的灵魂铸炼和生生不息的命运之火。

  希望不需要热情,热情的希望只是灵魂深处一次不经意的冲动。在监狱里,当生命的过程只能以时间为刻度的时候,任何高涨的热情都只能无可奈何地向失望举起双手,宿命地接受命运的安排。只有内心清澈的人才能看清人生的荒谬,否则,人只有在面对冤枉时委屈和无奈、在面对压制时愤怒和狂暴、在困境下腐烂,甚或在平常的环境中寂寞和绝望。

  怯懦囚禁人的灵魂,希望才可感受自由。强者自救,圣者渡人。

  和以往那些讲述阴暗晦涩牢狱生活的监狱片有所不同的是,《肖申克的救赎》是一部讲述友情、困顿、希望与梦想的电影,剧中的男主角冷静的心态、不屈的斗志、足智多谋的设计、锲而不舍的精神非常令人感动。这部电影最能打动人心之处,便是自始至终都能给予人们希望。

  总的来说,这是一部值得再三品味的电影佳作。

  ——《华盛顿邮报》  

  自由是什么 自由就是能在阳光下悠闲自得地呼吸。对于我们而言,它就像空气,平常得让你根本不去想失去它会怎样,但是自由对于那些高墙内的囚徒,尤其是那些注定一辈子都要呆在那里的人们又是多么珍贵而又遥不可及。安迪最后逃出鲨堡监狱,是什么实现了对他的救赎?是他心中对自由的渴望,是希望的存在!

  ——影评人 米 朵  

  在《肖申克的救赎》里,我深深地为主人公安迪对自由一刻不息的渴望震憾了,当他从下水道逃向外面的世界时,当他迎着暴雨和闪电怒吼时,我的心也随着他一同律动着,安迪所获得的身体和心灵上的自由让我觉得痛快极了。

  ——网友 灯 笼  

  故事发生在1947年,银行家安迪被指控枪杀了妻子及其情人,被判无期徒刑,关在鲨堡监狱里。

  好长时间以来,安迪不和任何人接触,在大家抱怨的同时,他在院子里很悠闲地散步,就像在公园里一样。老犯人瑞德是监狱中的“权威人物”,只要你付得起钱,他几乎有办法搞到任何你想要的东西:香烟,糖果,酒,甚至是大麻。一个月后,安迪请瑞德帮他搞的第一件东西是一把小石锤,他的解释是想雕刻一些小东西以消磨时光,并说会自己想办法逃过狱方的例行检查。不久,瑞德就玩上了安迪刻的国际象棋。之后,安迪又搞了一幅丽塔·海华丝的巨幅海报贴在了牢房的墙上。

  由于安迪精通财务制度方面的知识,很快使他摆脱了狱中繁重的体力劳动和其他变态囚犯的骚扰。不久,声名远扬的安迪开始为越来越多的狱警处理税务问题,同时他也逐步成为监狱长诺顿洗黑钱的重要工具。由于安迪不停地写信给州长,终于为监狱申请到了一小笔钱用于监狱图书馆的建设。监狱生活非常平谈,总要自己找一些事情来做,安迪听说瑞德原来很喜欢吹口琴,就买了一把送给他。夜深人静之后,总可以听到悠扬的口琴声回荡在监狱里。

  一个年轻犯人的到来打破了安迪平静的狱中生活:这个犯人以前在另一所监狱服刑时听说过安迪的案子,他知道谁是真凶。但当安迪向监狱长诺顿提出要求重新审理此案时却遭到了断然拒绝,并受到了单独禁闭两个月的严重惩罚。为了防止安迪获释,诺顿甚至不惜设计害死了知情人!

  面对残酷的现实,安迪变得很消沉……一天,他对瑞德说:“如果有一天,你可以获得假释,一定要到某个地方替我完成一个心愿。那是我第一次和妻子约会的地方,把那里一棵大橡树下的一个盒子挖出来,到那时你就知道是什么了。”当天夜里,风雨交加,雷声大作,已得到灵魂救赎的安迪越狱成功。原来20年来,安迪每天都在用那把小石锤挖洞,然后用海报将洞口遮住。安迪出狱后,领走了诺顿存的一部分黑钱,并告发了他贪污受贿的真相。而诺顿在自己存小账本的保险柜里见到的是安迪留下的一本《圣经》,里边挖空的部分放着一把几乎磨成圆头的石锤。

  瑞德获释了,他在橡树下找到了一盒现金,两个老朋友终于在墨西哥阳光明媚的海滨重逢了。

  《肖申克的救赎》和《圣经·出埃及记》

  《肖申克的救赎》是一部被广大影迷所喜爱的影片,在分析《肖》之前,我想先叙述一个故事,一个《圣经·出埃及记》的故事。

  犹太人始祖之一雅各有子众多,其中最受宠爱的是约瑟,其他几个兄弟很嫉妒他,就趁一次一起外出的机会把约瑟卖给了商人做奴隶,而对父亲谎称约瑟在野外被野兽杀死了。

  约瑟被带到埃及,又卖给一个埃及贵族做奴隶。而那个贵族的妻子看上了约瑟的才华,就百般地勾引他,结果被约瑟严辞拒绝。于是这个女人反咬约瑟调戏自己,约瑟被送进了监牢。

  一天,法老的酒政和膳长也被关进监狱,晚上,这两个人各做了一个梦,就找约瑟来解。约瑟说这两个梦说明:3天之后,酒政要被释放,而膳长要被处死。3天后,约瑟的预言果然都应验了。

  不久,埃及的法老也做了两个梦,先是梦见7头瘦弱的牛吃掉了7头肥壮的牛,又梦见7个细弱的谷穗吞掉了7个饱满的谷穗。谁也解不出这两个梦,酒政就把约瑟推荐来,约瑟从监狱到王宫,告诉法老,这两个梦实际上是一个意思,即天下将有7个丰年,继之以7个荒年,荒年之害将远大于丰年之得。他向法老提建议,在丰年蓄积粮食,在荒年售出,既度荒,又谋利。法老很欣赏约瑟,就把他从监狱里释放出来,任命他为埃及的宰相。

  事情果然像约瑟预言的那样,7个丰年之后7个荒年来到了,天下绝粮,只有埃及有仓储。犹太地区也面临粮荒,约瑟的兄弟们也要到埃及来买粮食,他们没有认出约瑟,被约瑟狠狠地报复了一通,最后兄弟和解,犹太人全族迁到埃及。由此看来,《肖申克的救赎》与《圣经》中犹太人在埃及的遭遇在基本故事走向和情节构架上惊人地一致,曾经有人把《肖》比做《基督山伯爵》,而我则认为比做《出埃及记》更恰当一些,因为后者无疑与《肖》有更多共同之处。犹太人几百年间的遭遇在《肖》中被浓缩到了20年,安迪则兼两代犹太人族长约瑟和摩西于一身。

  《肖》剧与《出埃及记》在大节上处处契合,正与西方人心理上的文化积淀引起共鸣,
这应该不是无意得之,而是精心设计的产物。

  另一方面,如果我们把视野从西方扩展到整个人类文化圈,受侮辱与损害者起而复仇、向施暴者连本带利索还的故事,从来都为人类各个民族所喜爱。几乎每个文化发达的民族都有类似的故事或传说。泰戈尔在《飞鸟集》中有语云:历史在很有耐性地等待着被侮辱者的胜利。此话就历史真实来看未必为真,但却是几乎所有人类社会成员的共同理想。

  在戏剧里,一个人被打得越狠,被踩得越低,被欺压得越万劫不复,他的报复就越让人痛快,戏剧性就越强,也最容易引起观众的认同。安迪在几乎不可能站起来的地方站起来,在几乎不可能活过来的地方活过来,从烂泥里站起来,从阴沟里钻出来,从坟墓里爬出来,这种生命力已超越了人本身,是神的光芒。大雨冲刷着他的身体,荡涤着他的灵魂,他用地狱的眼光看着曾经真真切切发生在周围的一切,他用雷一样的声音怒吼:“归还的时刻到了!”

  哪位导演能掌握住这种力量,就等于掌握住了闪电。 (王 崴)

  ☆《洛奇》是好莱坞著名影人史泰龙的代表作,也是一部描述社会底层小人物奋斗史的影坛佳作。影片爆了整个70年影坛的一个大冷门——洛奇总是在为一场他似乎根本赢不了的比赛而流汗、流泪、流血,而结果又总是他在接受人们的欢呼。洛奇是一个英雄,一个美国梦的实现者,他诞生在“水门事件”之后——一个呼唤英雄的时代,而这正是《洛奇》获得成功的原因所在,正如《学院奖图志》一书所说:“这绝非一部仅仅关于拳击的电影,它更是一部关于人的尊严的电影。人们需要人性和英雄的化身。”

  ☆《永不妥协》是基于真实事件拍摄的一部令人激动的影片。由获得两届奥斯卡奖提名的朱丽娅·罗伯茨领衔主演她最终因在本片中的出色表演而获最佳女演员奖,在剧中,她扮演一名曾两次离婚并且有3个年幼孩子的母亲,然而即使在这种情况下,当她遇到不平时,她仍会勇敢地站出来与之斗争,并最终获得了胜利。在评价这部影片时,纽约著名影评人称:“本片绝对是一部独特的、令人愉悦的出色影片,它能让你全情投入甚至忘了呼吸。”

  ☆由著名演员汤姆·汉克斯主演的《荒岛余生》是根据英国现实主义小说家笛福的代表作《鲁滨孙漂流记》改编而成的一部冒险片,片中讲述了恰克·诺兰因一次公务乘飞机时在海上意外失事,成了惟一的幸存者,不过也因此流落荒岛。在与大自然相抗争的漫长日子中,恰克学会了坚持与希望,并深刻地领悟了生命的意义。本片最吸引人之处不在于描写主人公恰克在荒岛上的求生技巧,而在于着重描写现代人在荒岛上所面临的孤独感。影片结尾,经历了4年的奋斗,恰克终于获救,但从自给自足的日子一下子回到了物欲横流的现代文明,他显然是有些不知所措了……
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