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编辑 | 删除 诚意之作,恰到好处的风格

Comel 发布于:

     《推拿》是一部表现盲人群体生活状态的电影。一般来说,表现边缘人群的电影都会刻意展示该群体的悲惨面,然后用低俗煽情的方式来消费苦难、赚人热泪,意图依靠观众的同情心来换取对电影的认可。但《推拿》并未像这些电影一样“循规蹈矩”,而是以不卑不亢的态度去正视盲人群体的生存状态,不刻意煽情,不刻意贩卖苦难。这是娄烨的追求,更是对自己电影的自信。 

 

  娄烨对自己作品的自信还体现在选角方面。电影没有选取大量的明星出演,虽然明星具备强大的票房号召力,但一群明星饰演盲人的场面也会让电影失去了真实感。娄烨选择了真实,于是观众可以看到电影中的角色真实普通,甚至不美观,所以观众可以彻底将注意力放在电影本身,而不是明星的服装发饰等无关紧要的元素。 

 

  由于电影是正视一个群体的故事,因此选择了推拿这个具有众多盲人的题材,让不同的盲人代表不同的主题指向。如沙老板对美的纠结,小马对爱的渴望,郭晓冬对钱的安全感等等。 

 

  电影对细节十分讲究,对盲人的演绎不仅仅依靠演员的表演,更从片头的旁白报幕,到无处不在的盲文、盲人手杖等盲人道具都可以看出导演的用心。对盲人群体的表现,甚至创新应用试听手法,大量旁白&台词的指示、配乐营造的氛围,让真正的盲人观众也能理解故事的发展。 

 

  盲人群体的生活给观众展现了一个没有光明的世界。如电影旁白所说的一样,健全人士是无所不知的神,而电影中的盲人却还在健全人所见的光明中,探索着自己的黑暗。电影用了很多场景旨在让视力健全的观众去理解盲人的黑暗状态,如盲人之中,彼此亲热的情况对方却无法得知,仅靠急促的呼吸去理解;默默流泪无人知道,但放声哭泣却需要担心身边是否有人;无法欣赏的美,只能依靠健全人的判断……盲人在盲人之中可以“光明正大”做坏事,但在健全人面前却如图躶体般毫无安全感。这种安全感的落差才是盲人内心最深刻的痛,也是与正常人无法破除的隔阂。所以作为边缘群体的盲人小马,也只能跟同是边缘群体的失足姑娘小蛮相互慰藉。 

 

  电影最后的发展不算成功,梅婷的受伤及离开,沙老板的吐血等情节被导演安排的痕迹过于明显,观众几乎可以感觉到电影准备走向尾声。因此众人各奔前程的收尾无论从那个角度来看都是主旋律式的败笔。 

 

  电影原声很好听,小马视角的混沌状态也与娄烨的标志性晃动镜头相得益彰。电影最动人之处在于沙老板和梅婷两人在跳舞,彼此都在微笑,这本是多么幸福开心的事,但突然想起他们无法感知对方的微笑,那么他们又如何去感受生活的幸福呢?

推拿 Blind Massage(2014)

7 .8 / 8 .0

推拿(2014)

影评(192)

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编辑 | 删除 模仿的风格,细致的内容

Comel 发布于:

     跟彭浩翔之前的作品的怪咖风格相比,《伊莎贝拉》算是回归正常,甚至让人耳目一新。 

 

  作为迷影导演,彭浩翔在电影中可以看到很多电影的影子。最突出的应该是镜头语言风格,无论是片头的字体风格,还是半遮式镜头风格都像是偷师王家卫,成功地配合了电影情绪;而电影开始时,将打乱顺序的情节插入,又有点早期昆汀的味道。 

 

  电影主要是模仿王家卫,印象尤其深刻的是,晚上醉酒街道、逼仄楼梯、寻狗的郊外废墟取景都与《花样年华》的场景十分相似,甚至连摄像机运动都是类似的横移;片末杜汶泽对镜刮胡子一分钟,让人想起《阿飞正传》片末的梁朝伟;电影也大量使用了长镜头,虽然有些固定长镜头效果一般,但机位选择却挺不错;电影也插入大量历史事件,体现回归前的不安心理。 

 

  虽然电影借鉴之处很多,但情节却是原汁原味的彭氏风格。如一开始就是“父女乱伦”的情节,一下子吸引了观众的注意力。而在情节的推进方面,也随处可以看到彭浩翔的小聪明。如用父亲“干活”时关掉电闸等恶作剧来推动双方的感情进展;用小狗被抛弃的待遇暗示女儿的状态及诉求;用女儿背后的泪痕来体现感情…… 

 

  导演或许是担心难以驾驭单线的感情叙事,或许是存在更大的野心,电影情节的可以分为三部分。主线当然就是“父女”情,与其他电影单纯以细腻取胜不同,《伊莎贝拉》算是另辟途径。首先电影有强烈的恋父情节,甚至愿意在“父女”关系的预设下发生关系,而在别人面前女儿也都是以父亲情人的身份自居,这一情感相当体现了童年父亲身份缺失所带来的创伤;其次在恋父情节的基础上,双方之前的感情是从父女情逐渐向一般人的关系发展。随着女儿身份的真相大白,双方之间的关系逐渐显得复杂,但这丝毫不影响双方的情感。这复杂性是电影所吸引人的地方。 

 

  假亲情关系的设置让人想到韩国影片《儿子》,但《儿子》的假亲情是刻意营造来感动观众的,因此真相大白时观众感觉被愚弄而不爽,也让之前的感动化为乌有;而《伊莎贝拉》的成功之处在于,电影中的假亲情关系是误打误撞而非刻意营造,因此真相大白时,反而让观众产生遗憾的心理,而当双方关系修复之后,又让电影情绪摆脱了父女情的套路,转向普遍性的“超越关系的世人大爱”的触动之中。编剧水平,高下立判。 

 

  除了主线之外,还有几条支线:支线之一是杜汶泽的渎职替罪,结合大量体现时事的字幕,将回归前的种种动荡和惊慌心理影射出来,只是这次回归的是澳门而不是香港;支线之二是曾国祥与梁洛施的发展,这可以看做是杜汶泽的宿命重演,只是曾国祥截然不同的性格展现了另一个改过自新的时空,杜汶泽也因此幡然醒悟,改过自新;支线之三是小狗伊莎贝拉,这可以看做是父女情感的暗示,早期小狗被抛弃影射着被抛弃的母女。后期小狗以“当当”的身份名字生存,却依然无法改变女儿与小狗之间的感情,这又影射了“即使不是女儿身份也不影响双方亲情”的关系状态。这些支线共同丰富了电影叙事,而且互相照应支援,让电影变得厚实。 

 

  嗯,说这么多,不愧是个人眼中彭浩翔最佳之作,就此收笔。 

伊莎贝拉 Isabella(2006)

7 .5 / 8 .0

伊莎贝拉(2006)

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编辑 | 删除 【二刷】叹为观止的精致

Comel 发布于:

      事实证明,有些电影真的要反复看才能感受到电影的味道。《天国与地狱》第一次看更在意人物性格的塑造及剧情的推进发展,这次重看却发现电影之精致让人叹为观止。 
   
  电影人物之间的对立也是立体多元的,而不像是好莱坞般的二元对立。企业董事、三船、警方、绑匪四方角力。这样的背景下,电影人物形象是立体的。在得知被绑架的不是自己孩子的时候,三船行为的反差所营造的形象实在太棒。而且三船形象的转变并不是简单的反差,而是经过多次形象的转变。出场时三船表现出来的“有野心、有追求、有良知”的主角光环形象,转眼就变成“不近人情、自私自利”的平凡普通人,最后又终于克服种种心理阻碍,成为一名“英雄”。 
   
  值得关注的是,电影在刻画三船挣扎的过程中,精心插入了各种推动内心砝码的元素。如司机可怜兮兮的形象、觉得身负责任的妻子和儿子,这都让三船不忍;同时咄咄逼人的助手又不断提示三船的前途,这互相角力的元素让三船和观众都十分煎熬。等到第二天早晨,三船终于下定决定不付赎金时,又适时安排司机的“理解及服软”及助手的“叛变”,继续动摇三船原有的决定,其内心的冲突及矛盾不断加强。电影元素的适时编排实在极佳,也让三船形象的崩塌让人理解,即使三船做出不付赎金的决定时,也让观众不忍苛责,成功维护了三船的“英雄”形象,让电影角色变得更加真实可信。 
   
  电影情节编排方面可谓是高潮迭起。从企业内部的斗争到绑架的发生一气呵成,甚至连场景都没改变,吸引观众的情节层出不穷,可谓是全程无尿点。而题材方面打破了一般绑架题材的窠臼,绑错对象却依然充满威胁,考验的不再是普通绑架案的情感纠纷,而是人道主义的选择;同时让三船巧合地陷入两难境地,让剧情变得更为有趣复杂的同时,也多了对人性的叩问。这非同一般的绑架案让主角陷入两难的境地,让在场的警方也不忍目睹三船挣扎的场面。警方的同情及无奈,又何尝不是观众的感受? 
   
  电影后半段转为犯罪片,情节铺排也是简单的线索调查,这本应该是乏味的题材。但因为后三船的境遇让观众充满同情,从而对绑匪咬牙切齿。观众的心理活动,让电影后半段的调查、擒凶情节更让观众期待,而不至于沦落至枯燥无味。 
   
  其他细节值得一提。首先是前半段几乎毫无配乐,第一次出现配乐的时候是三船接回被绑架的孩子,此时插入悲壮而无奈的配乐,彻底将前半段三船的憋屈爆发出来;其次电影是黑白的,唯一的彩色来自粉红色的烟雾。这处理可谓是点睛之笔,光用画面就让观众眼前一亮,也预示着希望的曙光;最后是媒体的报道,让三船成为“英雄”,但英雄此时的境遇却是前所未有的惨。这让人想起《七武士》的武士,即使成为最后的英雄,但胜利者却是农民,此处三船成为英雄,但却因此失去了一切事业,这真是对“非黑即白”的价值观最绝妙的讽刺。 
   
  很多人批评电影的线索处理过于巧合,电影后半段也更为说教,这些都是显性的元素;只要忽略主题,去欣赏电影的细节安排,就会了解到电影是多么的精致。

天堂与地狱 Heaven and Hell(1963)

8 .4 / 9 .0

天堂与地狱(1963)

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编辑 | 删除 黑泽明的闷骚治愈系

Comel 发布于:

       第一次看《红胡子》时,觉得电影又长又说教,过于主旋律而不喜欢。这次重看却觉得没有想象中那么差,甚至有些片段能让人感觉到人间的温暖。 
   
  电影名是《红胡子》,但电影却不是只介绍红胡子,因为红胡子在电影中露脸的时间可能只有50%。准确来说电影想表达的一是弘扬红胡子所代表的医德,二是展示人世间的种种苦难,三是宣扬人世间的大爱。所以《红胡子》其实是一部主旋律治愈系电影,丝毫不逊色现时代的心灵鸡汤电影。 
   
  电影所表达的一切内容及主题,都以刚毕业的医学院学生加山雄三为主视角,用了一个类似于旁观者的第三方去审视这一切,让观众的视点与加山视点相重合,拉近观众与电影的距离感,也试图让电影情节能够打动观众。所以电影开头就制造了强烈的冲突——加山的自私自利、好高骛远与红胡子的踏实可靠、固执强硬形成鲜明的对比。观众也依托加山的视角,见证了红胡子形象改变的过程,跟主角一样,体会到从不解到拜服的心理历程。 
   
  值得一提的是,时长三小时的电影,其结构用类似于故事集的形似拼接而成。导演想通过苦情戏的手段来触动并改变加山(观众)的立场,同时也意图突出人生生存的疾苦。这手段很多电影都用过,只是不像《红胡子》这般大段大段地讲述病人的故事。因此节奏上显得过于缓慢,情节推进方面过于依赖苦情戏的作用,这也是电影被诟病的地方。 
   
  人物塑造方面,红胡子虽然总是被塑造成强硬固执的形象,但这都缘于其闷骚的性格,所以偶尔的三言两语过程中反而充分展示红胡子的憨态、可爱。如其标志性的“哼”及捋胡子。其他人物都通过小片段小细节充分营造人与人之间的关怀与大爱。虽有刻意塑造的痕迹,但配上柔和的配乐,依然为电影中纯良的人物所触动。虽然电影的缺点无法忽视,但依然可以作为一部不错的治愈系电影在观众的心中留有一席之地。 

红胡子 Red Beard(1965)

8 .3 / 8 .0

红胡子(1965)

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编辑 | 删除 相对平庸

Comel 发布于:

      或许是对《星际穿越》的期望太高,以至于本人走出影院的时候毫无感觉,这电影太平庸了,起码以诺兰的标准来说。 
   
  电影算是一部太空冒险电影,以亲情作为情节辅助,且作为核心主题之一,共同撑起人类生存的终极命题。那么就按冒险电影来说,情节也算勉强过关,太空灾难、人类之间的斗争都有,但玩来玩去不过是最后一分钟营救,只是场景放在了外太空,和其他商业电影相比没有过多的亮色。 
   
  按太空电影来说,诺兰选择2D是正确的,因为画面确实没多大看头。电影大多是人物特写及近景,太空的全景镜头少得可怜(CG应该可以轻松做到),且大多作为背景出现。飞船设备的展现更是不足,镜头单调,光是飞船左舷镜头就出现了至少8次。这一切跟《地心引力》相比更是小巫见大巫。 
   
  按电影主题来说,可以简要概况为三点:一是人类之爱。“爱”这个字眼在理性的科学家口中都被说了无数次,其中重头戏算是主角的父女情,以至于诺兰花了一小时来铺排刻画。父女情还算不错,但人物性格就过于平面,来来回回就是在表现“固执”,尤其是儿子的角色更是鸡肋; 
   
  二是人类的生存。是拯救还在地球的人类还是将人类的未来进行殖民,这是个不错的话题,不过电影只是用于作为情节的冲突点,并未深入刻画,不过对于商业电影来说,算做的不错了; 
   
  三是人类在时间、宇宙面前的渺小。据说这让人很震撼,但相对论的例子已经看到够多了,对我而言时间的挑战最多只能作为电影的噱头,要震撼观众,还是有一定的距离。 
   
  总而言之,电影各方面都挺普通的,评分这么高,就当我审美观崩坏吧,但我忠于自己的判断。

星际穿越 Interstellar(2014)

8 .8 / 7 .0

星际穿越(2014)

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编辑 | 删除 只能远观,不可亵玩

Comel 发布于:

     《南海十三郎》之所以感人至深,除了江誉镠的人格魅力之外,更因为人在世俗生活中经历种种困难的情况下,还能保持傲骨的气节。因此在观看电影的过程中,观众对主角充满佩服,因为十三郎正是观众所渴望成为的那种理性人物;但同时观众也对主角充满同情,因为主角也因此承受了相应的代价。通过电影,观众也感受到相应的痛苦,因此十三郎便成为世人在电影中最好的心理投射的形象。 
   
  电影从最初就开始不遗余力地塑造江誉镠的形象:第一幕“报警”即表现出其人的狂放不羁;第二幕“下象棋”向观众展示他的才智过人;第三幕“舞会”则呈现出十三郎的痴心纯粹。三幕情节便将十三郎的性格展露无遗,之后则是进一步深化十三郎的人格。通过太史家的孟尝作风,十三郎的举止行为,各种戏剧情节都营造出传统文化氛围,更还原一个传统文人的形象。迄今为止,电影的氛围还是欢快的。 
   
  战争的到来即破坏了和平,也彻底颠覆了传统。从“劳军”一幕开始,传统的荣光不再,于是十三郎作为旧时代的代表也就成为新社会的边缘人物,坚持传统并与新社会世俗文化的对抗中,十三郎的气节得以体现,于是电影主题得以升华。 
   
  或许是只有天才才敢于逆天而行,面对世俗的目光而坦然。而平凡人只能屈服于生活,在各种条条框框的束缚中寻求生存。在这理性与现实的反差中,十三郎的形象变得尤其高大。但对世人来说,如果有机会可以变成一位天才,我相信大家还是即渴望又害怕,因为我们都只喜欢坐享天才的好处,却不愿意去承担那种代价。 
   
  李志在《梵高先生》中唱道:“我们生来就是孤独,我们生来就是孤单。”每个人都有自己的生活,都需要自己面对这个世界的种种困难。即便是凡人的我们都会不时感受到孤独之苦,更何况特立独行的天才们?他们才华横溢,同时又性格怪异,在世人的偏见中只能依靠自己的才华与作品,在这个世界上留下自己的声音与轨迹。 
   
  电影用说书的形式来引出这个故事,对十三郎来说应该是最好的缅怀,因为他只存在于传说,被众人所仰慕,却无法被世人所亵玩。 

南海十三郎 Legend of Mad Phoenix(1997)

8 .5 / 8 .0

南海十三郎(1997)

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编辑 | 删除 王家卫的自我致敬

Comel 发布于:

       在个人看来,《2046》是王家卫在《花样年华》之后盛极而衰的作品。与他之前的作品相比,形式依旧,但内容实在是空洞无味。如果要说这部电影唯一的看点,那只能看王家卫是如何翻拍自己,又是如何致敬自己。 
   
  王家卫的电影中,人与人之间的关系是独立的、充满距离感的,所以观众看来,角色表面上没有过多的联系,如《阿飞正传》的梁朝伟只在片末出现了一分钟,跟主情节看不出有一点联系;但同时每个人物又是千丝万缕的,如《重庆森林》的两段故事,虽然表面毫无联系,但彼此之间却有意无意地擦肩而过。所以王家卫的电影不是围绕着情节开展,而是围绕着角色以及与角色与他人之间的关系进行延展。这种接近于现实人生的人物关系让人着迷,也让王家卫不断地在每一部作品重复。 
   
  在《2046》中,无脚鸟、拐角路灯、树洞等元素一并出现,并通过周慕云这一角色以及“苏丽珍”这个名字,将《阿飞正传》、《花样年华》变成一个庞大的故事,将原本各个疏离的人物形成一个完整的故事结构。周慕云作为《阿飞正传》的尾声登场人物,经历《花样年华》的细腻情感,最后在《2046》中成为第二个“阿飞”公子。这样看来,《2046》既是几部作品的总结,更是是王家卫对自我的翻拍。所以电影中响起《阿飞正传》的ost,黑白画面中重现《春光乍泄》的的士“靠肩膀”画面,都是自我翻拍的一部分。 
   
  同一角色在不同的作品出现,这一“互文式形式在文学作品中经常可以看到。如福克纳的“约克纳帕塔法世系”,塞林格的“格拉斯家族”系列小说,金庸的武侠小说等。王家卫通过“互文”将不同作品的人物串接,将单部作品中营造的“现实”扩展到作品与作品之间,将“王家卫作品”变成了“现实”,这显得时尚而又有趣。 
   
  《花样年华》未使用的旁白,在《2046》重新出现,这正是情节空洞的证明。因为没有前作,就没有《2046》。在主要亮点情节在前几作已经表达完毕的情况下,作为续集的《2046》还选择重复之前的影子,这就注定着无法挖掘更多亮点。哪怕王家卫借小说营造了另一个时空,也依然无法填满空洞的情节,更何况此片长达129分钟。 
   
  另外,合拍片感觉实在怪异,让人不得不出戏。 

2046 2046(2004)

7 .3 / 7 .0

2046(2004)

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编辑 | 删除 病态寂寞情绪的营造

Comel 发布于:

     《堕落天使》算是《重庆森林》在情绪上的延续,情节元素、风格都十分相似,不过结构上并未分成两段式,而是交叉诉说着几个人的故事。 
   
  何志武再次出现在电影中,只是这次他的角色不再是警察,而是变成了《重庆森林》中王菲,承接了《重庆森林》后半段的电影风格;而《重庆森林》前半部的风格由黎明和李嘉欣的情节所承接。虽然不同角色表现出不同的风格,但《重庆森林》的元素还是平均分到了每个人物。如金城武遇到了空姐,李嘉欣偷偷为黎明打扫房间,黎明变成了林青霞式的杀手,杨采妮变成金城武(指《重庆森林》中的金城武)式的失恋者…… 
   
  跟《重庆森林》一样,电影中的主角们是一个个孤独寂寞的个体,他们在里面做着各种古怪的事情。但《重庆森林》中的人物还算是常人可以接受的程度,本作中的角色之古怪程度可以算是变本加厉。在这样的情况下,导演如何将这些有悖于现实的行为变得合法化呢? 
   
  为制造跟电影角色行为相符合的情绪,电影采用了大量的广角镜头脸部特写,这让电影角色在镜头中显得十分怪异。广角镜头中,场景线条显得十分扭曲,居中的人物脸部特写显得有些病态。特写镜头彻底放大角色们的孤独情绪,同时也让观众得以“近距离”直接审视角色们的表情及感受他们的情绪变化。这也直接向观众构建出一个“病态”的孤独情绪世界,”因此角色们的种种古怪行为及人物关系也就让观众能够接受。 
   
  对本人来说,续集一般质量比较差,而《堕落天使》作为另一种形式的续集,只不过再一次翻拍了自己,除了镜头和李嘉欣(太美了)之外,并无更多的亮点。从角色关联性来看,也算是给以后完成60年代三部曲做了一次基础尝试。

堕落天使 Fallen Angels(1995)

7 .7 / 7 .0

堕落天使(1995)

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编辑 | 删除 完美的影像&浓烈的情绪

Comel 发布于:

       《春光乍泄》与《阿飞正传》是本人最喜欢的王家卫电影。《阿飞正传》的粗糙让人觉得电影很生猛很有力量,而《春光乍泄》则是因为精致华丽而让人着迷。 
   
  《东邪西毒》以来,王家卫一直在发挥他的华丽影像,在《春光乍泄》算是达到了巅峰,以至于随手一个截图都能作为电脑桌面。配上精心挑选的音乐,更让人在观看过程中十分享受。所以在如此的华丽构图摄影下,异国情调成为孤独寂寞情绪的最好场所。 
   
  与以往一样,电影尽情发挥了影像美,那么故事也因此变得相对弱化。但与以时间串联情节而显得零散的《东邪西毒》相比,本作继承了《重庆森林》的情感线索。所以电影虽然从叙事结构上显得零散碎片,但因为有完整的情感线索,电影的情绪却未因此而削弱。 
   
  由于过于注重情绪的营造及表达,如何在一个半小时的电影安排情节,以维持电影情绪的推进,是一个重要问题。在《重庆森林》中,王家卫的处理就是直接将电影分成两段故事,以牺牲情节篇幅的代价来维持情绪。本作则通过增加3号角色作为叙事分支,维持了情节的平衡,同时还能将人与人之间的关系进一步深化。 
   
  这招效果明显,使得电影整体变得十分完整,情绪与叙事之间也达到了平衡。其实这跟《阿飞正传》中片末的梁朝伟是一样的,只是篇幅更多了些。这在王家卫的电影中经常见到,如《蓝莓之夜》的诸多配角,如王家卫最新的作品《一代宗师》中的张震,这些插曲都给电影增添了许多趣味。 
   
  电影营造的情绪让人着迷。置身于异国,更让影片的主角们如弃儿一般。世界尽头的冷漠如同内心的寂寞,使得人与人之间的片刻亲近成为了观众所期待的永恒。所以当张国荣抱着被子哭泣,梁朝伟被瀑布打湿而分不清水与泪时,仿佛电影的孤独也包围了自己。

春光乍泄 Happy Together(1997)

8 .5 / 10 .0

春光乍泄(1997)

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编辑 | 删除 东方形式美学的华丽

Comel 发布于:

 《花样年华》的精致华丽让人赞叹。电影再次充分展现王家卫的视觉魅力及东方审美,WKW风格影像一如既往,慢镜渲染氛围,遮挡式镜头,华丽的旗袍及色调,让人陶醉。但王家卫的改变在于,以往的作品有更多的独白并依赖旁白推动情节,而《花样年华》除了几处字幕卡之外,基本上都靠视听推动情节,试听手法的运用上好看不少。 
   
  影片的东方美学展露无遗,其中最典型的特点之一便是对称。同一天租房,同一天搬家,轮流跟对方伴侣门前对话,同款的领带与手提袋……梁朝伟与张曼玉简直是镜子中的彼此,其两人的情节段落对称地铺满整部电影,叙事结构对称得如故宫的布局,严谨而巧合,由此营造的情感纽带也得以贯穿影片。 
   
  电影主题依然是都市人的孤独,这也是王家卫一直以来的的电影母题。梁朝伟、张曼玉各有家室,但伴侣反而成为最熟悉的陌生人,倒是陌生人的怀抱更能提供温暖及安慰。一般情况,婚外情总是作为道德的反面而存在,但王家卫让主角的伴侣先行出轨,让主角的婚外恋反而得到观众们的理解及同情。但社会舆论又注定婚外恋的种种束缚,主角们小心翼翼地寻求慰藉,观众看在眼里便生成了无限的怜爱。当张曼玉的老板说“还是旧领带好,已经习惯了”时,俩人的关系发展已经有所注定,这样的人际关系表达出强烈的无奈及永久的寂寞。 
   
  《重庆森林》发生在繁华都市,但镜头始终对准四位主角,好像世界其他人与他们毫无交集,这进一步将主角们的孤独隔绝。《花样年华》与之十分相似,只是将两个人的经历同时进行而不是分段式。为制造被世界所隔绝的孤独感,故事被安排到遥远的60年代,让观众可望而不可即。同时王家卫甚至没让他们的伴侣露个脸,让主角俩的寂寞只有他们彼此互相关注。 
   
  另外,有趣的是,电影中到处都可以看到王家卫对以往作品的复刻,如雨中的拐角路灯,跟《阿飞正传》的刘德华张曼玉一段十分相似;如出租车上的依靠,又依稀让人想到《春光乍泄》的张国荣梁朝伟。 
   
  总之,《花样年华》精致得犹如一个工艺品。我不否认影片的完美及成熟,但也因为影片过于精致,让人捧在手中生怕不小心捏碎。所以我还是更喜欢《阿飞正传》及《春光乍泄》,电影的随意性发挥和偶尔的粗糙感,让人感觉到无限生命力。 

花样年华 In the Mood for Love(2000)

7 .5 / 9 .0

花样年华(2000)

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Comel (广州)

男 30岁 

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