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黑暗中的笑声

{ 电影及其它问题}  快乐来自于渺远,笑声包含一切!

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编辑 | 删除 绘画的文学性:既是空间,又是实践

黑势力在唱歌 发布于:


 —— 臧棣

 

    自现代以来,艺术家的工作方式似乎发生了重大的变化。艺术家仍然不缺少天赋,技艺的磨练,敏锐的直觉,丰富的想象,甚至仍享有着很高的社会声誉。人们常常惊叹,绘画艺术品在拍卖行的魔术里所达到的令人咂舌的天价。但是从参与历史实践的角度看,艺术家的经验也从未现在这样受到了惊人的忽视。这种忽视反映了现代社会对绘画艺术的一种浅薄的肢解:一方面从人文价值上关注绘画的社会效益,但最后的结果往往是,这种社会效益多半会被商业行为所掩盖和扭曲。另一方面,则是对艺术家在其工作方式中积累的人文经验的极度的漠视。不论是社会的交流机制,还是人们的认知习惯,都倾向于将艺术家的内心感受和艺术想法冷藏在公共视野之外。造成这种情形的原因很多,但归结起来,缺少倾听艺术家的人文习性和缺乏理解艺术家的社会耐心,是根本的原因。因为组建社会和艺术家之间的交流方式需要长时间的细致的工作,而且从社会效益的角度说,它的收益虽然牵涉到文化的基础建构,但却是隐蔽而漫长的。从这个角度说,诗人泉子对他所结识的这些艺术家的采访,就变得尤为可贵了。虽然泉子本人很低调,将这些访谈看成是一次“尝试”,但是,它们所展现出来的交流形式却有着深远的人文意义。

通行的艺术交流准则是,对于诗人,人们只要读他们的诗歌就好了。对于画家,人们只要看他们的作品就大吉了。艺术品的交流也就完成了。至于诗人本人的想法,至于画家本人的感受,则最好不要被纳入到阅读和欣赏的环节中来,也不要被归入到人们的认知实践中来。除非在诗人或艺术家死后,他们的言谈或趣闻,或许才有机会被编辑成“文学艺术箴言录”出版。这种编选死者箴言录的做法,有很大的随意性,而且筛选机制也不健全,多半还浸透着艺术势利眼的小算盘。这种艺术交流准则,表面上将阅读行为和欣赏行为简化为对艺术作品的一种专注而纯粹的接受。省去了很多麻烦,试想如果去探寻艺术家的内心想法,再把他们和眼前的艺术品串联缝合成一个艺术接受的完成过程,要花费多少精力和心血。于是,在这种艺术交流准则的强大的润滑下,对诗歌的阅读行为,对绘画的欣赏行为,越来越趋向于一种孤立的社会实践;而且还常常显得非常怪异。

    比如,人们在画展上看到一些“不合常规”的艺术作品,往往在惊愕之余,本能的反应是他们的艺术趣味和欣赏习惯遭到了艺术家的冒犯。这种冒犯的感觉其实也是由现代社会对艺术家和公众之间的关系的肢解造成的。这种冒犯的感觉还会很快蜕变成一种双向的反应:当公众觉得他们被艺术家新颖的富有创意的作品“冒犯”时,艺术家也会感受到他们被寄生在公众身上的流行的艺术偏见所“冒犯”。于是,我们在法国诗人波德莱尔那里看到了诗人艺术家对以“读者”面目出现的“公众”的经典称呼:你,虚伪的读者啊。从历史实践的角度去看这个场景中的两派人物所显示的文化立场,我们会发现,艺术家和公众之间的关系其实是还不是源于一种误解(观众对艺术家的创作的不理解),而是源于一种文化制度的偏见和畸形造成的无能。

     现在,我们必须做点什么来纠正和整治这种无能了。波德莱尔面临的难题,其实也是艺术家在现代社会里陷入的困境。在波德莱尔那里,诗人的大胆的艺术创新展示了一种新的人性经验,它是赤裸的,因艺术的洞察而获得了一种尖锐的真实。读者其实对这种真实并不陌生,也知道它们触及人性经验的深度;他们的“虚伪”不在于他们对艺术品的内容一无所知,也不在于他们对艺术真实的麻木;真正的心理难题是艺术趣味所遭受的辱没。某种意义上,波德莱尔是用一种最古老的方式把解决问题的方法推给了文学历史的时间法则:真正的艺术不仅能经得起时间的淘洗,而且能拓展人们的认知方式。不论人们的欣赏积习有多少问题,也不论艺术规则存在怎样的偏狭,也不管愿意还是不愿意,人们不会忘记:最终,所有的艺术规约和审美趣味都是由富于创造性的艺术品来决定的。当然,艺术家在当今社会,也可以沿袭波德莱尔的做法。不过,诗人泉子所做的这些访谈工作,多少也促使我们意识到,除了真金不怕火炼的时间法则,作为从事创造性实践的诗人和艺术家似乎可以采取更主动的方式,去创新艺术交流在现代社会中的新的空间。

    诗人和艺术家有必要认识到,他们在其实践方式中体验到孤独,其实并不源于他们所具有的社会角色。这种孤独有其深刻的历史根源,这种孤独也是现代社会中最核心的人文经验。没错,它有可能造成艺术方式和社会准则之间的隔阂,也有可能加深诗人艺术家和公众之间隔膜,但另一方面,这种孤独也是人类最高贵的人文经验,我们必须做点什么,将它从私人的感知领域转化成公共的自由空间。泉子在从事这些访谈时显示了一种非常明确的社会意识,他说他所做的工作,是努力朝向诗人和艺术家共同面对的“自由之境”。而我想说的是,这个“自由之境”不仅根植于诗人艺术家的生存体验,更是诗人艺术家和公众共同面对的人类经验。

    传统上,诗人艺术家似乎只要将艺术品创造出来,他的工作就完成了。对艺术品的欣赏和判断,乃至艺术定位,似乎是公众和艺术史家的事情。艺术家对创作动机的解释和说明,往往受到忽视。或者,艺术家的经验之谈,即使被尊为理解艺术的奥秘的重要门径,但它们很少被接纳为一种能塑造人文经验的实践方式。艺术商业的界限变得越来越暧昧之后,艺术家公开他的动作动机和艺术想法,甚至在当今社会的文化机制中被视为一种自我炒作。所以,很多诗人艺术家羞于谈论他们的艺术想法。似乎只要创造出真正的艺术品之后,艺术品本身自然会替艺术家本人说话。其实,这也是一种成见,虽然它的危害不大。艺术品本身当然会说话,但是,它所说的,已经不是艺术家本人在其艺术创造过程中感受到的东西;至少,在很大程度上,已经不是。艺术品本身所说的东西,会随着不同的文化语境而不断改变。某种意义上,艺术品本身所说的东西,都是历史语境让它说出的东西。这种情况也许不会有根本上的改变。但是,即便如此,艺术家的访谈仍然不容忽视,它既是积累绘画艺术经验的一种手段,同时,更重要的,它也是将艺术经验塑形为一种人文经验的不可或缺的实践方式。

    在泉子所做的这些访谈中,人们会看到艺术家不仅仅是谈论他们自己的艺术追求和审美想法,这些访谈本身也直接参与了一种人文空间的自我建构。从实践的角度看,这些访谈也会促成绘画艺术在社会形态上的改变。没有这些访谈对当代的艺术经验的呈现,艺术家的创作动机很可能始终隐没在一种地下状态中,或最多只是一种行会式的闲谈。这种隐没状态,也许不会对艺术家本人的艺术创作造成多大的影响,但毕竟缺少对艺术责任的更深远的直觉。艺术家应该意识到他们的想法和感受,绝不是一种外围的、可放置到艺术品背后的东西。他们的想法和感受,经过这些访谈的形式再生,会直接变成艺术品存在的一种氛围;甚至在更理想的情形下,它们会成为我们理解艺术品存在的方式和醒悟我们自身存在的理由的一种途径。

诗人泉子的信念值得再次重申:他相信诗人和艺术家之间存在着“共同的使命”。没错。假如仅仅从诗人和艺术家工作的方式上看,他们的艺术使命似乎有相当大的差异。但差异本身并不是一种僵死的限制。诗人和艺术家都受制于人类的创造性的冲动,也对这种创造天性在人类生活中的作用最为敏感,所以,他们确实肩负着一种努力扩展和不断塑造我们的人文空间的责任。这些访谈,不应该仅仅被解读成艺术家敞开隐秘的艺术经验的一种方式,它们更应当被看成是积极的社会实践,它们努力建构的是从艺术家经验中衍生的塑造新的一种新的人文空间。

    在泉子的这些访谈中,我以为他做的最重要的工作之一,就是重新彰显了绘画艺术的文学性。艺术家在这些访谈中谈及的想法,绝不仅仅是他们个人对他们的绘画理念的一种解释。在某种意义上,它们当然是一种解释。但这种解释却促成了绘画的文学性的诞生。换句话说,这种解释塑造了绘画和文学的新的关联。对此,我的想法是,我们不要小觑这种新的关联。前面已经讲过,这种新的关联很可能影响到我们理解诗歌和绘画作品的氛围,甚至是刷新我们理解诗歌和绘画作品的语境。

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